“‘겹’을 감상적인 Logos로, 그러나 진정성 있게 표현!”

‘겹’이란 단순한 중첩이 아니라 서로 다른 차원의 시간이 만나 하나의 예술로 수렴되는 과정이다. 음악의 겹, 연주자의 생각의 겹, 생각과 감정의 겹, 역사의 겹, 연주자와 연주자 사이의 겹, 그리고 연주자와 청중 사이의 겹. 이 모든 층위는 시간의 흐름 속에서 포개지며 비로소 하나의 예술적 순간을 만들어낸다.
지난 2월 24일 화요일 저녁 예술의전당 콘서트홀에서 열린 김응수 & 카메라타 솔의 연주회 《겹의 미학 Series II》는 이러한 ‘겹의 미학’을 사유하게 하는 프로그램으로 구성되었다.

관객사인회에서 응하고 있는 바이올리니스트 김응수(우측 세번째)

“보다 많은 무대 공연, 카메라타 솔의 존재감 높일 듯!”

김응수 & 카메라타 솔이 의도한 기획 의도는 분명했다. 카메라타 솔은 이러한 ‘겹’을 감상적인 Logos로, 그러나 진정성 있게 표현하고자 했다. 그러나 단체의 지명도가 아직 높지 않은 탓인지 객석은 많이 비어 있었고, 공연의 열기도 충분히 달아오르지 못했다. 미국 출신 지휘자 가렛 키스트와 러시아 바이올리니스트 안톤 소로코프가 객원 지휘자와 협연자로 참여했음에도 이러한 해외 연주자 효과가 객석 점유율로 이어지지 못한 점은 아쉬움으로 남는다.

그럼에도 현재 한양대학교 음악대학 관현악과 교수로 재직 중인 바이올리니스트 김응수의 기획력과 뚝심이 없었다면 이와 같은 ‘겹의 미학’ 시리즈가 탄생하기는 어려웠을 것이다. 이러한 관점에서 그의 기획력은 다시금 주목할 만하다.

2019년부터 카메라타 솔 예술감독으로 활동 중인 김응수는 안토니오 비발디–아스토르 피아졸라–막스 리히터의 사계 전곡(2023), 볼프강 아마데우스 모차르트 바이올린 협주곡 전곡(2024), 요한 제바스티안 바흐–루트비히 판 베토벤–요하네스 브람스를 아우르는 3B 시리즈(2025) 등 개념적이고 도전적인 프로젝트를 기획·연주하며, 연주자이자 기획자로서 확고한 위치를 다졌다는 평가를 받고 있다.

Director’s Note에서 그는 이번 프로그램이 ‘사랑’을 중심에 두고 있다고 밝혔다. 우리는 왜 사랑을 필요로 하는지, 그리고 음악은 그 질문에 어떻게 응답하는지를 관객과 함께 느끼고자 레너드 번스타인과 막스 브루흐의 작품을 선택했다는 것이다. 두 작곡가는 서로 다른 시대와 언어 속에서 인간의 내면을 깊이 들여다보며, 사랑이라는 감정이 지닌 복합성과 필연성을 각기 다른 방식으로 음악에 담아냈다고 김응수는 설명한다.

이에 따라 번스타인의 <캔디드 서곡>은 인간의 희로애락을, 브루흐의 <바이올린 협주곡 1번>은 현재를 살아가는 우리의 파토스(Pathos)를, <스코틀랜드 환상곡>은 이미 지나온 시간의 노스탤지어(Nostalgia)를, 그리고 번스타인의 <플라톤의 『향연』에 의한 세레나데>는 앞으로 살아갈 시간에 대한 이데아(Idea)를 담아내고 있었다.

“두 곡의 협연을 도맡은 바이올리니스트 김응수의 존재감, 후반부에서 빛나다!”

필자에게 이날 공연은 전반부에서 브루흐의 <바이올린 협주곡 1번>을 협연한 안톤 소로코프의 존재감이 다소 미미하게 느껴졌다. 그 결과 후반부에서 두 곡의 협연을 맡은 김응수의 존재감이 더욱 두드러져 보였다.

김응수가 2부 첫 곡으로 협연한 번스타인의 <플라톤의 『향연』에 의한 세레나데>는 플라톤의 사상을 소리로 번역한 작품이라 할 만하다. 『향연』은 ‘에로스’에 대한 생각을 여러 인물의 목소리를 통해 대화 형식으로 풀어낸 철학서이며, 번스타인은 각 인물의 발언을 바이올린 솔로와 오케스트라로 표현했다.

야련한 그리움이 스며 있는 브루흐의 <스코틀랜드 환상곡>에서는 김응수의 또 다른 진면목이 드러났다. 한 음 한 음에 감정을 녹여내며 긴 잔향을 남기는 그의 연주 스타일이 돋보이는 순간들이 이어졌다.

카메라타 솔은 타협하지 않는 연주단체로 알려져 있다. 꾸준하고 묵묵하게 걸어야 할 길을 걸으며, 좋은 연주는 좋은 음악을 더욱 빛나게 하고 결국 그 음악은 사람들의 마음과 공명할 것이라는 믿음을 지니고 있다. 어쩌면 당연한 이야기지만, 오늘날 클래식 음악계의 현실에서는 이러한 태도가 오히려 낯설게 느껴진다. 대중의 마음을 사로잡기 위한 방법에 골몰하다 보면 정작 가장 중요한 것을 놓치기 쉽기 때문이다.

어떤 장치나 화려한 수사 없이도 좋은 음악을 잘 연주하는 것이야말로 관객의 마음을 움직이는 가장 효과적인 방법이라는 점을 카메라타 솔은 잊지 않는다. 그래서 더 돋보이고 귀한 단체라는 평가를 정경영 한양대 음대 학장은 전했다. 다만 이러한 평가가 클래식 관객들에게 보다 생생하게 전달되기 위해서는 더 많은 무대 경험과 공연 기회를 통해 존재감을 넓혀가는 것이 앞으로의 중요한 과제가 될 것으로 보인다.

글: 음악칼럼니스트 여 홍일

국내 교향악계 연주를 주도하는 연주단체들은 서울시향이나 KBS교향악단 같은 국공립 연주단체들이다.

구랍 지난 2025년 송년연주회들의 풍경에는 흥미로운 구도가 펼쳐졌다. 즉 서울시향과 KBS교향악단등은 전통적인 연말의 레퍼토리인 베토벤 교향곡 제9번 한곡의 연주를 무대에 올린 반면 민간 교향악단인 한경필은 올 라흐마니노프 곡들로 연말 송년 음악회를 꾸몄고 강남심포니나 경기필, 인천시향등도 非베토벤 교향곡 제9번이란 다른 레퍼토리들로 연말 무대를 장식해 국공립 연주단체들과 민간교향악단들과의 송년 무대를 꾸미는 차별화가 두드러졌다.

한경필하모닉 송년연주회 장면.(사진 한경필하모닉) 

한경필하모닉 송년연주회 장면.(사진 한경필하모닉) 

“올 라흐마니노프 곡들로 송년음악회 꾸민 한경필하모닉”

민간교향악단들의 연주가 뛰어나야 국공립 연주단체들이 긴장해서 클래식계의 생태계 내지 건정한 경쟁의식으로 클래식계가 제대로 틀이 잡히게 된다.

서울시향과 KBS교향악단들만 연주를 잘해서 이런 국공립 연주단체들이 클래식계를 주도해가는 것도 꼭 바람직한 현상은 아니라는 얘기다. 민간교향악단들도 잘한다는 인식이 소문이 돌게되면 국공립 연주단체들도 긴장해서 일종의 경쟁의식이랄까 선의의 상승효과가 생겨날 수도 있다는 뜻이다.

그런 의미에서 구랍 지난 2025년 12월17일 창단 10주년을 맞은 한경필하모닉이 교향악단이면 연말 송년이면 으레 무대에 올리곤 하는 베토벤 교향곡 제9번 합창 대신 피아니스트 신창용과 협연으로 라흐마니노프 피아노협주곡 제2번과 라흐마니노프 교향곡 제2번의 올 라흐마니노프 곡들로만 송년연주회를 장식한 것은 10년동안 쌓아온 연주력을 관객들에게 재대로 평가받겠다는 의도로 읽혀질 만 하다.

한경필하모닉 같은 10여년 남직한 역사를 갖는 신생악단의 경우는 70-80년의 오랜 구력의 서울시향과 KBS교향악단 같은 국공립 연주단체들의 연주력 구력과는 다르기 때문에 가능성과 극복과제를 동시에 보여주는 대표적인 케이스의 교향악단으로 꼽을 만 하다.

지난 12월17일 롯데콘서트홀에서 열린 한경필의 송년음악회가 관객들로 객석이 거의 찬 상태에서 진행되는등 열띤 면모도 보였지만 앙상블 사운드가 더 세게 분출되었으면 하는 아쉬움은 이런 가능성과 극복과제의 한 사례들로 필자에게 다가왔다.

이런 인식은 한경필이 지난해 2월11일 예술의 전당 콘서트홀에서 가진 말러교향곡 제3번 연주회에서도 나타났었다. 구스타프 말러의 교향곡 제3번은 1893년에 작곡되었으며, 말러의 교향곡 중에서 가장 긴 작품 중 하나로 알려져 있다. 이 교향곡은 총 6개의 악장으로 구성되어 있으며, 대체로 고전적인 구조를 따르면서도 독창적인 시적인 요소가 강조된다.

1악장 초반의 정제되지 못한 듯한 금관의 취약으로 시작한 지난해 2025년 2월초의 한경필하모닉의 말러교향곡 3번 연주는 악장이 계속 넘어가면서 마지막 6악장에서는 이날 연주의 클라이맥스로 불러도 좋을 만큼 장엄하게 전개돼 연주가 마쳐지자 관객의 많은 환호가 쏟아졌다.

“과제와 발전가능성 동시에 잠재한 한경필하모닉의 미래”

모 클래식 매체에 기고한 글을 통해 필자는 한경필하모닉의 극복해야 될 과제와 발전가능성을 동시에 보여준 연주회였다고 이날 연주회의 서두를 껴냈는데 국내 교향악단의 공통된 취약분야인 금관의 정제된 사운드를 들려주지 못한 아쉬움은 남아있지만 마지막 악장의 장엄한 전개는 한경필하모닉의 발전가능성을 압축해서 보여준 악장으로 보여졌다.

클래식 애호가들 사이에선 민간오케스트라의 연주가 서울시향과 KBS교향악단등 국공립 오케스트라에 비해 떨어진다는 인식이 적잖이 잠재해있다. 이런 인식들을 뒤바꾸게 할 민간교향악단의 선두로서 한경필하모닉이 꼽히는 만큼 지난 10여년간 한경필하모닉이 걸어온 여정은 국공립 연주단체들이 주도하는 국내 교향악계 현실에서 중요한 자산이 되어온 것이 사실이다. 

2015년 가을 한국경제신문이 창단했던 한경필하모닉은 10년이 지난 지금 모든 단원의 자유로운 음악적 열정을 장려하고 그들의 개인적 예술에 대한 이상과 비전까지도 소중하게 생각했던 명실공히 대한민국 대표 민간 오케스트라로 자리매김했다는 것이 안팎의 평가다.

고품질의 공연 콘텐츠를 생산하여 시·공간을 초월한 다양한 방법을 통해 관객과의 만남을 이어가겠다는 의지를 보여온 한경필하모닉은 One Source - Multi Use를 넘어 Multi Source - Multi Use 시스템을 접목하여 국공립 오케스트라가 주도해왔던 경직되고 정체된 문화·예술 분야에 신선한 새바람을 일으키겠다는 연주를 해왔다.

한경필하모닉은 1월에 부평아트센터에서 베토벤 교향곡 제9번의 연주무대에 이어 2월엔 크리스토프 포펜 지휘로 생상스 교향곡 제3번 c단조 ‘오르간’과 브루흐 바이올린 협주곡 제1번, 멘델스존의 핑갈의 동굴 서곡으로 2026 더 클래식 연주시리즈를 이어가게 되는데 2026년 클래식계 무대에서 국공립 연주단체들이 주도하고 있는 교향악계 무대에서 민간교향악단의 새로운 기수로서 한경필하모닉의 행보에 주목하게 되는 이유다. 

글 | 음악칼럼니스트 여홍일 

-클래식 생태계의 건전한 발전위해 실내악 앙상블의 중요성 일깨운 12월의 공연들

외국 정상급 오케스트라의 내한공연이나 아이돌급 스타 피아니스트 임윤찬 조성진등 스타급 클래식 연주자들의 공연에 클래식팬들의 과도한 쏠림 현상은 비단 어제 오늘의 얘기가 아니다.

이런 가운데 2025년 11월 한달간 베를린필 암스테르담 콘서트 헤보우, 빈필등 해외 유명 오케스트라의 국내 연주 쓰나미 및 피아니스트 임윤찬 조성진등의 12월초의 공연들이 썰물처럼 빠져나간 클래식 무대에 서울챔버뮤직소사이어티, 앙상블 오푸스, 서울챔버오케스트라, 코리안챔버의 베토벤 교향곡 전곡연주회 final, 12월21일에 있었던 앙상블 우리의 바이올리니스트 한수진 초청 제18회 정기연주회등의 실내악급 연주단체들의 연주들이 클래식 관객들의 심성을 다독거렸다.

앞서 언급한 해외 유명 오케스트라와 아이돌 같은 임윤찬 조성진등의 클래식 쏠림현상 못지않게 보완적인 실내악 앙상블들의 연주에도 클래식 관객들의 많은 관심과 애정이 기울여져야 건전한 클래식계 발전의 생태계가 형성될 수 있으리라는 생각이다.

앙상블 오푸스 겨울의 서정

“클래식계 건전한 생태계 위한 앙상블과 실내악의 중요성!”

12월16일 화요일 IBK챔버홀에서 있었던 서울챔버뮤직소사이어티의 제7회 공연은 피츠버그 심포니 오케스트라 악장인 데이빗 맥캐롤과 그의 아내 첼리스트 박진영이 기획한 연주회로 자연에서 영감을 받은 낯선 음악들을 소개해 이목을 받았다. 최고의 실내악 공연을 위해 2019년 시작된 서울챔버뮤직소사이어티는 잘 알려진 명곡의 재발견 뿐 아니라 알려지지 않은 수많은 곡들을 발굴해 연주하는 것을 목표로 하고 있는데 이날의 연주회 레퍼토리들이 관객들에게 잘 알려지지 않은 곡들의 매력을 전달하는 바로 그런 연주회였다.

아련함과 희미해지는 기억을 상징하는 Leos Janacek의 ‘수풀이 우거진 오솔길에서’(1901-1908), 체코시인 구스타프 모라프스키의 시집 <사이프러스>에서 느껴지는 자연의 아름다움을 전달한 Antonin Dvorak의 ‘두 바이올린, 비올라, 그리고 첼로를 위한 사이프러스(1887), 찰나의 아름다움과 부드럽고 예측할 수 없는 나비의 날개짓 Kaija Saariaho의 ’일곱 마리의 나비(2000), 숲 근처 작은 오두막 집에서 평온과 건강을 되찾아 작곡한 피아노 오중주 Edward Elgar의 ‘현악 사중주와 피아노를 위한 오중주’(1918) 연주 레퍼토리들은 도시의 일상속에서 마치 깊은 숲속의 맑은 공기를 마시듯, 서울챔버뮤직소사이어티의 한줄기 바람처럼 스며드는 울림을 전해주었다.

코리안챔버가 창단 60주년 기념으로 12월13일 오후 5시 예술의 전당 콘서트홀에서 베토벤 교향곡 전곡연주 시리즈 VIII로 파이널 무대를 장식한 것은 통상 베토벤 교향곡에서 초중기 베토벤 교향곡에서 클래식 관객들로부터 인기가 높은 곡들이 베토벤 교향곡 제3번의 영웅과 베토벤 교향곡 제5번의 운명이 꼽히는 점에 비춰 관객들에게 익숙치 않은 베토벤 교향곡 제1번 및 바버의 바이올린협주곡(바이올리니스트 최송하 협연)과 후반부 베토벤 교향곡 제5번의 대비연주로 이색적 연주컨셉을 꾸몄다.

헤비급 규모의 풀 오케스트라가 연주하는 웅장하고 장중한 베토벤 교향곡 연주와 달리 해외챔버급으로서 베토벤 교향곡 연주는 예전 파보 예르비와 도이치 캄머필의 베토벤 교향곡 연주가 이렇게 재미있을 줄 몰랐다는 국내관객들의 감탄을 낳게 한 날렵하고 속도감있는 스피디한 연주가 한때 국내 클래식계 무대에 성행하며 대단한 인기를 끌었었는데 도이치캄머필의 내한공연 소식이 요즈음 없는 것은 이런 차에 아쉬운 대목이다. 

12월21일 ‘앙상블 우리’의 리히터 재구성작 ‘The Four Seasons'와 슈베르트의 구스타프 말러가 현악앙상블을 위해 편곡한 ’죽음과 소녀‘ 연주회 역시 클래식계 건전한 생태계 순환 발전을 위해선 앙상블 우리같은 실내악 연주단체들의 연주 역시, 1년에 두 번뿐만이 아닌 더욱 많은 연주회를 통해 ’실내악이 교향악연주의 확장‘이라는 것을 보여줄 수 있는 앙상블연주회들이 활성화돼야 함을 보여준 연주회였다. 실내악은 좋은 연주를 위한 하나의 근원과 같아 이는 솔로나 오케스트라 연주에도 지대한 영향을 끼쳐 오케스트라야말로 확장된 실내악이라는 것을 12월에 펼쳐진 앙상블 연주들이 보여주었기 때문이다. 

앙상블 우리와 협연한 바이올리니스트 한수진이 연주한 리히터작 ‘사계’는 비발디 사계의 단순한 편곡을 넘어 원곡의 구조를 해체하고 필요한 요소만을 남겨 미니멀리즘적 반복, 현대적 질감, 전자적 음향을 결함함으로써 고전과 현대가 공존하는 독창적인 음악세계를 구축한 것임을 보여줬다. 이어 앙상블 우리의 슈베르트 ‘죽음과 소녀’는 슈베르트의 깊은 감정과 말러의 장대한 음향미가 결합하여 죽음과 삶의 경계에 서있는 인간의 근본적 감정이 한층 생생하게 전달되었다.

“호른과 바순의 역할 돋보인 앙상블오푸스 연주회!”

12월6일 토요일 저녁 IBK챔버홀에서 제26회 정기연주회를 가진 앙상블오푸스(Ensemble Opus)는 해외 오케스트라들의 내한공연들과 임윤찬 조성진등의 과도한 쏠림현상이 썰물처럼 빠져나간 시점에 12월초에 열린 첫 실내악 공연이어서 국내의 건전한 클래식계 생태계의 형성을 위해서는 이런 공연들이 더 자주 열려야 하겠다는 중요성을 더욱 일깨운 공연이었다.

외국음대에서 곧바로 수학하고 돌아와 국내활동을 펼치고 있는 신진 콰르텟들과 달리 앙상블오푸스는 예술감독이자 작곡가 류재준을 중심으로 김상진(Va), 일리야 라쉬코프스키(Pf), 송지원(Vn), 서울대 교수로 있는 바이올리니스트 백주영과 첼리스트 김민지, 유성권(Bn), 조인혁(CI) 조성현(Fl)등 국내외에서 활발히 활동중인 연주자들이 오랜 기간 함께 연주하며 쌓은 음악적 호흡을 기반으로 하고 있다.

앙상블오푸스의 제26회 정기연주회에서 전반부 연주곡들의 특성은 호른과 바순이 독특한 역할을 했다는 점이눈에 띈다. 첫곡 브람스 - 바이올린, 호른 그리고 피아노를 위한 삼중주 내림마장조(Trio for Violin, Horn and Piano in E-flat Major, Op.40)에서부터 브람스가 호른을 첼로를 대체하는 악기로서 피아노 삼중주 편성에 포함시켰다는 점이 특히 의미심장하다는 점이 다가왔다.

두 번째 연주곡 류재준 작곡 세계초연의 ‘바순과 피아노를 위한 소나타’에서도 바수니스트 유성권이 연주의 주도적 역할을 맡았는데 “시린 겨울, 날씨 좋은 오후에 산책하는 느낌”이라는 작곡가 류재준의 컨셉을 담았다.후반부의 브람스 세레나데 1번은 그가 교향곡이라는 거대한 장르에 도달하기 이전에 관현악을 향한 첫 걸음으로써 작성한 실험작품인데 브람스 특유의 밀도있는 구성과 따뜻한 서정성이 무대경험이 많은 중견연주자들의 연주에 의해 풍부하게 녹아있는 곡임을 알 수 있었다.

“특정 인기공연에 과도한 관객쏠림, 바람직하지 않아!”

12월13일 토요일 오후 2시 역시 IBK챔버홀에서 있었던 서울챔버 오케스트라의 제103회 정기연주회 역시 서울대 음대교수로 재직중인 바이올린에 백주영, 첼로 김민지, 더블베이스에 서울시향 부수석 이영수등 중견연주자들이 멤버로 포진해 올 차이콥스키 곡들로 <현을 위한 세레나데>로 시작을 알렸고 이대 관현악과 조교수인 바이올리니스트 송지원 협연의 <소중한 곳의 추억>이 무대를 뜨겁게 달궜다.

이어 후반부에는 <플로렌스의 추억>이 현악육중주가 아닌 현악합주 편성으로 연주하여 현악기군의 웅장함이 돋보이는 무대와 앙코르곡 차이콥스키 <안단테 칸타빌레>가 따뜻한 12월 초겨울의 정서를 관객과 함께 했는데 음악감독 김상진(현 연세대 교수)이 앙상블 오푸스 연주에선 비올라 연주로 출연한 반면 서울챔버오케스트라 연주회에선 지휘자로 나서 각각의 색채감이 드러나면서도 하나의 하모니로 조화로움을 빚어내는 지휘를 맡아 흥미로운 장면을 연출했다.

국내 클래식계 발전의 건전한 생태계 형성을 위해서는 앞서 언급한 해외 오케스트라들의 공연이나 클래식 아이돌로 부상한 피아니스트 임윤찬 조성진등의 공연들에만 지나치게 과도하게 쏠리는 현상은 걸코 바람직한 일은 아니다. 물론 이런 해외 유명 오케스트라들의 공연이나 아이돌급 임윤찬 조성진등의 공연이 독특한 클래식적 밸류와 감동으로 클래식 관객들을 감동시키는 요소들이 있는 것은 부정할 수 없는 사실이긴 하지만 말이다.

그런 맥락에서 서울뮤직소사이어티의 제7회 공연과 앙상블오푸스의 공연이나 서울챔버오케스트라의 제103회 정기연주회, 코리안챔버의 베토벤 교향곡 전곡연주회 파이널공연, 앙상블 우리의 리허터 재구성작 ‘The Four Seasons'등은 이런 클래식계 건전한 생태계 형성을 위한 앙상블과 실내악 연주들의 중요성을 12월 클래식계 무대에서 다시 일깨워줬다고 봐야겠다. 

글 | 음악칼럼니스트 여홍일 

세종문화회관 대극장서 11월 16일 공연 

사진: 서울시 오페라단 

“소프라노 파트리샤 프티봉과 아마릴리스 앙상블의 1인극 오페라!”

장 필립 라모의 <우아한 인도의 나라들> 4막 야만인들 중의 앵콜곡 연주를 들으면서 한화클래식의 지난 13년간의 추억들이 생생히 지나갔다.

2016년 3월 5~6일 시대악기로 연주한 <마크 민코프스키와 루브르의 음악가들> 한화클래식 초청연주가 가장 흥미로웠던 <우아한 인도의 나라들> 중 ‘야만인의 춤’이 앵콜로 다시 한번 연주돼 이날 연주의 절정을 이뤘던 기억이 떠올랐다.
올해 2025년 한화클래식은 소프라노 파트리샤 프티봉과 아마릴리스 앙상블의 1인극 오페라로 꾸며져, 역대 한화클래식들이 고음악 앙상블들의 연주로만 구성됐던 것들과 달리 무대에서 연주되는 콘셉트의 전환을 가져왔다.

2025 한화클래식 소프라노 파트리샤 프티봉과 아마릴리스 앙상블 무대(사진 한화클래식)

“<마법사의 불꽃> 프로그램으로 기존의 소프라노들과 다른 색다른 매력 선보여!”

17세기와 18세기 프랑스 오페라는 서양음악사에서도 아주 독특한 영역이다. 끊임없이 이탈리아 음악의 영향을 받으면서도 독특한 음악 전통을 굳건히 간직했기 때문이다.

그중에서도 ‘음악 비극’은 루이 14세의 후원을 받으며 베르사유 궁전과 파리에서 확립된 고유한 형식으로 릴리에서 시작해 라모까지 이어졌다.

2024/25 시즌 프랑스 출신의 소프라노 파트리샤 프티봉은 바로크 연주단체 아마릴리스 앙상블과 함께 <왕들의 운명>과 <마법사의 불꽃> 두 개의 프로그램을 국제무대에서 선보이고 있다고 하는데, 이번 서울 무대에서는 <마법사의 불꽃> 프로그램으로 기존의 소프라노들과 다른 그녀만의 색다른 매력을 선보였다.

메데이아, 키르케 등 위대한 여성 배역을 통해 대혁명 이전 프랑스 오페라의 역사를 탐구하며, 프랑스 오페라의 핵심인 다양한 춤곡과 관현악곡도 들려줘 저항할 수 없는 이탈리아 오페라의 매력과 장엄하고 우아하지만 다소 인위적인 프랑스 오페라의 화합과 충돌, 그리고 융합의 전통을 보여준 독특한 콘셉트의 공연을 펼친 것이다.

이런 소프라노 파트리샤 프티봉의 1인극 오페라는 올해 13회까지 이어져 온 역대 한화클래식들의 공연 콘셉트와 전혀 달라, 한화클래식이 흡사 새로운 장르를 개척하는 프로그램을 선보인 것은 아닌가 하는 느낌을 관객들로 하여금 갖게 만들었다.

실제로 2016년 3월의 ‘마크 민코프스키와 루브르의 음악가들’ 한화클래식 연주회는 굴룩의 ‘돈 주앙, 석상의 연회’나 라모의 상상교향곡들이 12년 전 2013년 3월 루브르의 음악가들이 성남아트센터에서 첫 내한공연 시 메인곡들로 펼쳐보인 레퍼토리들이어서 “단원들과 같은 눈높이에서 지휘하며 마크 민코프스키의 익살스런 해설이 정통 오케스트라 연주와 다른 맛과 재미를 선사했던 기억을 갖고 있다.

2015년 6월 20일 있었던 18세기 오케스트라-한화클래식은 고전시대의 하이든과 모차르트, 베토벤의 클래식 만찬을 통해 진짜 모차르트, 하이든, 베토벤 연주를 만났을 시간으로 기억될 음악회였다.

10년 전인 그해 6월 20일(토) 저녁 예술의전당 콘서트홀에서 있었던 18세기 오케스트라(지휘: 케네스 몽고메리)는 설립 지휘자인 프란스 브뤼헨이 18세기 오케스트라를 지휘하는 유튜브 동영상을 보면 정말 오케스트라에 마법의 숨결을 불어넣는 존재처럼 느껴진다.

이런 브뤼헨이 2014년 8월 타계해 이번 서울 연주회에 동행할 수 없어 한편으론 아쉬운 감이 없지 않았지만, 브뤼헨의 자리를 채워준 영국 북아일랜드 벨파스트 출신의 케네스 몽고메리와의 호흡도 무르익는 것을 확인할 수 있어, 그해 5월 말러 체임버 오케스트라 내한공연 이후 톱 퀄리티의 고음악 악단의 밸류가 다시 한번 그대로 전해져왔다.

“무대공연 콘셉트의 변화 시도한 한화클래식과 SAC 월드스타 시리즈, 비슷한 맥락(脈絡)!”

최근 클래식 공연장에서 무대공연 콘셉트의 변화를 시도한 공연들로는 한화클래식과 SAC 월드스타 시리즈가 있는데, 이들 공연이 이런 콘셉트의 변화로 비슷한 맥락을 보여주는 공통점을 갖는다.

2023년 10주년을 맞이한 한화클래식이 2024년 11월 말에는 베를린을 대표하는 고음악 앙상블 ‘베를린 고음악 아카데미’와 ‘리아스 실내합창단’의 연주와 공연으로 진정성 있는 시대연주의 울림과 인간의 목소리로 전하는 고음악의 무한한 감동을 선사했었다.

역대 한화클래식의 공연들과 달리 지난해 11월 23~24일의 무대는 최정상급 고음악 오케스트라인 베를린 고음악 아카데미(Akademie für Alte Musik Berlin)와 세계에서 가장 명망 높은 합창단으로 손꼽히는 리아스 실내합창단(Rias Kammerchor Berlin)의 협연으로 꾸몄다는 점에서 가장 큰 차별화를 보였다.

베를린 고음악 아카데미는 1982년 베를린에서 설립된 이후 고음악 연주에 있어 세계 최고의 실내 관현악단 중 하나로 평가받고 있고, 이 아카데미와 리아스 실내합창단과의 관계는 특별히 언급할 만해, 이들의 관계는 무려 30년 전부터 지금까지 지속되고 있는 것으로 전해져 이런 밀접한 관련이 협연에서 고스란히 묻어져 나왔다.

첫날의 바흐 ‘칸타타 내 마음에 근심이 많도다’와 헨델의 ‘주께서 말씀하셨다’는 개인의 고민과 공적인 음악으로 대비됐고, 둘째 날의 연주곡 바흐의 ‘마니피캇’은 개인적인 감사를 역사적이고 집단적인 차원으로 확대하는 기쁨의 노래를 보여줬다.

올해 2025년 3월 29일(토) 오후 5시, 예술의전당 콘서트홀에서 있었던 SAC 올해 ‘클래식 월드스타 시리즈’의 첫 막은 르네 야콥스가 이끄는 B'ROCK 오케스트라와 함께한 헨델 오라토리오 <시간과 깨달음의 승리>여서, 한화클래식과 마찬가지로 무대공연 콘셉트의 변화를 시도한 비슷한 케이스의 공연으로 주목할 만했다.

2024년 SAC 월드스타 시리즈의 지난해 공연들이 세르게이 바바얀, 피에르 로랑 에마르, 피터 야블론스키, 안젤라 휴이트 등 피아니스트에 집중해 “피아노 편중”을 보여 준 것과 달리, 올해 출발선은 장르의 방향타를 종교 음악으로 돌려 신선한 무대를 선보였다. 

피아노로 채워졌던 무대를 바로크 오라토리오로 전환한다는 결정만으로도 클래식 애호가들에게는 간만의 청각적 환기였다.

글 | 음악칼럼니스트 여홍일 

6월27일(금) 저녁 8시 롯데콘서트홀

에드워드 가드너 지휘의 서울시향 슈트라우스 알프스교향곡 공연장면.(사진 서울시향)

“2년전의 내한공연 때보다 더 젊은 사운드로 돌아온 밤베르크 심포니!”

 밤베르크 심포니의 체코출신의 젊은 상임지휘자 야쿠프 흐루샤(44)가 2년전의 내한공연 때보다 더 젊은 오케스트라 사운드로 밤베르크 심포니에 더 젊음을 입혔다.

초여름의 첫날을 여는 지난 6월 1일 일요일 오후 SAC콘서트홀에서 국내 내한 세 번째 연주회를 가진 밤베르크 심포니 연주회 얘기다. 이날 연주회의 후반부 베토벤교향곡 제7번의 1악장 포코 소스테누토-비바체를 처음 순간부터 젊음의 활력으로 이끄는 흐루샤의 지휘를 보면서 과거 70-80대의 노장 지휘자들이 유럽의 오케스트라들을 이끌었다면 이제는 40대의 젊은 지휘자들의 활력이 유럽의 오케스트라들에 젊음의 활력을 수혈하고 있다는 판단을 하게 된다.

리저널한 로컬적 이미지를 벗어난 연주를 들려준 밤베르크심포니.(사진: 빈체로)

밤베르크심포니와 협연하고 있는 바이올리니스트 김봄소리(사진: 빈체로)

“힘이 넘치는 흐루샤의 젊음의 활력이 빛난 베토벤 교향곡 제7번!”

야쿠프 흐루샤가 이끄는 밤베르크심포니는 베토벤교향곡 제7번의 지난주 일요일 오후 SAC콘서트홀에서의 내한 두 번째 연주회에서 1악장에서 강약과 음계를 모두 폭이 넓게 사용해서 이 교향곡의 진지한 의도를 잘 살렸다. 이 악장은 힘이 넘치는 분위기에서 생기발랄한 비바체로 옮겨 가는데 베토벤 생전에 가장 인기 있는 교향곡 악장 중 하나였던 알레그레토가 끝나면, 박력이 넘치면서 장난기마저 느껴지는 스케르초가 나온다.

힘이 넘치는 흐루샤의 이런 젊음의 활력이 내한연주회를 갖는 유럽 오케스트라들의 풍경이 과거 70-80대의 노장 지휘자들의 무대 풍경에서 40대의 젊은 지휘자들의 활력으로 대체되는 감을 갖게 하며 이런 40대 지휘자들이 오케스트라들에 새로운 젊음의 활력이 입혀진 젊음의 오케스트라 사운드를 들려주는데 견인차 역할을 하고 있는 것 같다.

열광적인 피날레의 악장인 4악장의 알레그레토 콘 브리오에서도 이런 젊은 활력의 분위기로 인해 관객의 열띤 박수세례가 쏟아지는 것이 인상적이었는데 앙코르곡으로 들려준 브람스의 헝가리안 댄스 17, 18, 21번의 앵코르곡도 통상 헝가리무곡 1번이나 5번을 들려주는 것이 관례인 많은 연주단체들과 달리 새로운 앙코르곡들이어서 신선감을 더했던 것 같다.

40대의 젊은 지휘자들의 활력이 최근 이목을 끌었던 내한연주회 무대로는 5월초 내한공연을 가졌던 프랑스국립오케스트라의 내한무대를 이끌었던 루마니아 출신의 크리스티안 마첼라루(45)는 카랴얀과 함께 과거 클래식 음악계의 전설로 통했던 루마니아 출신의 첼리비다케 이후 국내 클래식 팬들에게 신선한 충격을 안겼다. 서유럽 출신 지휘자 못지않은 세련된 지휘 비팅으로 국내 관객의 열띤 반응을 이끌어냈고, 앞으로의 지휘 무대에 대한 기대감도 높였다.

한달전인 5월3일 토요일 오후 5시 10년만에 내한공연을 가진 베를린방송교향악단의 내한공연도 베를린필의 수장을 맡고 있는 키릴 페트렌코와 같은 1972년생인 러시아 출신의 블라디미르 유롭스키가 큰 키에서 뿜어져나오는 날렵한 지휘로 10년전에 베를린 방송교향악단에 가졌던 이 교향악단에 가졌던 미흡한 사운드의 아쉬움은 사라지도록 했던 기억이 새롭다.

블라디미르 유롭스키와 베를린 방송교향악단은 10년 전의 정직하지만 다소 무난했던 사운드를 과감히 벗고, 촘촘한 질감과 생동하는 리듬으로 브람스 교향곡 제1번을 재해석해 10년 전 “베를린필의 그늘을 완전히 벗어나지 못했다”는 평가를 받았던 RSB가, 이제는 ‘독일 사운드의 또 다른 축’으로 자리매김할 가능성을 보여준 것이다.

“꽉차있는 서곡과 과격한 보잉의 브루흐 바이올린 협주곡 1번!”

전반부에서 막스 브루흐 바이올린 협주곡 1번을 협연한 바이올리니스트 김봄소리는 2악장 아다지오등에서 더 과격해지고 커진 보잉동작으로 유럽 오케스트라계에서 숨은 보석의 진주같은 연주를 들려준 밤베르크심포니의 국내무대에서의 이미지업에 기여해줬다.

바그너가 스무살 때 쓴 그의 첫 번째 오페라인 오페라 <요정들> 서곡을 들려준 밤베르크의 사운드도 연주력이 꽉차 있는 것 같은 느낌을 전달해서 독일교향악계에서도 인터내셔널한 아미지의 베를린필의 깊은 자장(磁場)을 전달하는 오케스트라 사운드와 달리 밤베르크심포니의 리저널(regional)한 로컬적 이미지를 갖는 이 오케스트라의 사운드도 종이 한 장 차이라는 독일 사운드의 전개가 펼쳐진다는 느낌을 베토벤 교향곡 제7번 연주에서 들려줬다.

밤베르크심포니가 이런 리저널한 로컬적 이미지를 벗어나게 된데에는 이 심포니 연주단체가 전세계 64개국 500개 이상의 도시에서 약 7천700회의 연주를 펼치는 세계에서 가장 많은 연주투어의 여행을 다닌 오케스트라중의 하나로 꼽히고 있는 탓이 많이 작용하리라고 본다.

이들은 자신들의 음악을 전세계에 울려 퍼지게 하는 것을 목표로 하고 이뤄나가고 있는데 실제로 밤베르크 심포니는 베를린이나 프랑크푸르트, 뮌헨 같은 대도시에 기반을 두지 않고 유네스코 세계문화유산으로 지정된 그림같은 도시 밤베르크를 중심으로 바이에른과 독일 전역의 문화대사 역할을 하고 있는 독특한 정체성을 지니고 있다.

야쿠프 흐루샤가 만들어낸 압도적인 사운드는 긴장과 이완을 넘나들며 곡을 이끌었고, 그 중심에는 밤베르크 심포니 단원들 간의 견고한 앙상블이 있었다는 평가에서 완전한 근접까지는 아니지만 독일 교향악계에서 인터내서널한 베를린필 같은 막강 사운드와 리저널한 로컬적 오케스트라의 독일사운드의 차이도 종이 한 장 차이에 불과한 연주감상의 체험을 실감한 순간이었다.

글: 여 홍일(음악칼럼니스트)

일시: 9월13일(월) 오후 8시 서울 잠실 롯데콘서트홀

대담한 스케일과 열정적인 음악, 깨끗한 음색과 서정성을 지녔다는 평을 받는 피아니스트 김규연(서울대 음대 기악과 교수)이 “나에게로의 여행...” 신보 앨범 CD “VOYAGE"를 새로 냈다.

지난 6월14-16일 경남 통영콘서트홀에서 녹음된 새 앨범에는 리하르트 바그너-프란츠 리스트: 사랑의 죽음Liebestod S.447, 슈만의 로망스 F#장조 op.28-2, 슈베르트의 즉흥곡 D935, 바흐의 협주곡 D단조 BWV 974중 Adagio, 바흐의 코랄 프렐류드 ‘당신을 부르나이다, 주 예수 그리스도여’, 그리고 프란츠 슈베르트-프란츠 리스트: ‘모든 영혼의 안식을 위한 호칭기도“(기도문 D.343)’등이 녹음돼있다.

9월13일 월요일 저녁 잠실 롯데콘서트홀에서 열린 피아니스트 김규연의 연주를 듣고 와서 집에서 이 앨범을 들어보니 김규연은 사랑의 죽음에선 몽환적 정서로 피아노를 펼쳐내며 슈만의 <세곡의 로망스>는 자연스럽게 흘러가는 수채화 같다. 슈베르트의 즉흥곡Impromptus D935는 내가 지난 3월말 통영국제음악제 참관을 위해 통영을 찾았던 통영바다의 배경이 그려지는 연주곡이었다.

-김규연, 사랑의 죽음에선 몽환적 정서로 피아노 펼쳐내

통상 슈베르트의 즉흥곡은 유트브등에서도 크리스티안 지메르만이나 라두 루프등의 유명 연주자들이 두 개의 세트곡들중 D.899 작품번호 90과 즉흥곡 D.935 작품번호 142로 별도로 구분해 나눠 연주하곤 한다.

필자는 지난 3월말 통영국제음악제에서 3월27일 토요일 저녁 피아노 마라톤 콘서트에서 김태형이 스트라빈스키: 페트류슈카에 의한 3개의 악장, 김다솔이 슈베르트 4개의 즉흥곡 D.935를 연주하고 후반부에 박종해가 헨델: 건반악기를 위한 모음곡 1번, 윤홍천이 슈베르트 피아노 소나타로 피아노 마라톤 콘서트를 여는 것을 피아노 김규연의 앨범을 들으면서 회상했다. 욕심을 내본다면 포루투갈의 조앙 피레스 같은 세계적 여류 피아니스트들의 여덟곡의 슈베르트 즉흥곡 전곡 연주도 펼치는 것을 감안하면 피아니스트 김규연의 신보 앨범도 슈베르트의 8개곡 즉흥곡 전곡으로 녹음되었더라면 청자에게 더욱 풍성한 앨범이 되지 않았을까 하는 아쉬움도 남는다.

피아니스트 김규연은 지난 13일 저녁 자신의 앨범 발매기념 리사이틀에서 전반부에서 바흐의 코랄 프렐류드 ‘당신을 부르나이다, 주 예수 그리스도여’ BWV 639와 슈베르트의 즉흥곡Impromptus D935, 후반부에는 라흐마니노프 쇼팽 주제에 의한 변주곡 op.22를 연주했는데 피아니스트 김규연 연주의 특징을 규정짓는 음악의 본질을 꿰뚫는 혜안과 겸손한 매혹의 세계가 펼쳐지는 것처럼 내게는 느껴졌다.

-음악의 본질을 꿰뚫는 혜안과 겸손한 매혹의 세계 펼쳐져

사실 내가 전에 본 피아니스트 김규연의 피아니즘은 대담한 스케일과 열정적인 음악에 더 가까웠던 것 같다. 제4회 서울국제음악제의 일환으로 2013년 5월17일 성남아트센터 콘서트홀에서 열린 마카오 오케스트라 초청 연주회에서 협연자로 출연했던 김규연은 기대대로 프로코피예프 피아노 협주곡 제 3번의 연주가 끝나자 2012년도 전년 11월말 예술의 전당 콘서트홀에서 자신의 피아노 협주곡 콘서트를 마무리하며 두 손을 허공으로 뻗으면서 성공적 협연을 자축한 중국계 세계적 피아니스트 랑랑의 화려함을 연상시키듯 오른손을 치켜들며 지휘 루 지아와 두번의 포옹을 하며 랑랑 피아노 협주곡 콘서트 때의 화려함 못지않은 장면들을 연출했던 기억이 있다.

짙은 음영을 발하는 대신 여성적 섬세한 터치로 1악장을 이끌어 나갔고 음악을 조형해가는 능력이 2악장에선 뛰어나게 느껴졌다. “촉이 우주로 뻗어 나가는 느낌이에요. 원초적인 생명력과 불협화음이 충돌하면서 만든 소용돌이가 풀어지면서 쾌감이 와요. 연주하면서 몸이 역동적인 힘을 느껴요”라고 자신이 피력한 바 대로 김규연은 열띠게 원초적인 생명력과 불협화음의 충돌을 표출하면서 3악장의 화려한 마무리를 하며 오른 손을 치켜들었었다.

지난해 2020년 8월18일 오케스트라 앙상블 서울(OES)와 예술의 전당 콘서트홀에서 김규연이 협연한 베토벤 피아노협주곡 4번은 “1악장의 시적인 정취, 초월성, 자유로움, 2악장의 고전 비극과도 같은 분위기, 천상과 지옥이 연상되는 대조, 대중과 개인의 대화를 연상시키는 부분을 지나 3악장에는 이전의 내면적인 자아들이 뛰쳐나와 환희를 향해 질주하는 듯한 피아니스트 김규연의 희열”이 느껴졌었다.

또한 올해 지난 6월27일 예술의 전당 IBK홀에서 브랜든최와 가졌던 듀오 콘서트에서도 김규연은 로베르트 슈만과 클라라 슈만의 각기 3개의 로망스, 
리하르트 바그너-프란츠 리스트-트리스탄과 이졸데, 프란츠 슈베르트-프란츠 리스트-기도문 D.343을 연주하며 상세한 해설을 곁들여 토크 리사이틀 활성화에 물꼬는 터주는, 
대중들이 음악을 더 친근하면서도 심도있게 다가갈 수 있는 계기의 음악회를 선보이기도 했었다.

글; 여 홍일(칼럼니스트/평론가)