필립 파레노는 전시를 통해 무언의 목소리를 형상화하여 작품을 표현하고자 하였다. 여기서 《보이스(VOICES)》는 하나의 목소리가 아닌 ‘다수의 목소리’다. ‘다수의 목소리’는 각기 다른 시공간에서 탄생된 단층적 의미를 담고 있으며, 필립 팔레노는 다수의 목소리를 하나의 전시 공간으로 집결시킨다.  

<막(膜)> 2024, 콘크리트, 금속, 플렉시글라스, LED, 센서, 모터, 마이크, 스피커, 1360 x 112.7 x 112.7 cm, 리움미술관 ⓒPhilippe Parreno

리움미술관의 대형 신작  <막(膜)>은 데크에 설치된 구조물 작품으로, 역할은 주변을 감지하는 것이다. <막(膜)>은 센서기능을 갖고 있어서, 기온, 습도, 풍량, 소음, 대기오염, 미세한 진동까지 지상의 모든 환경 요소를 수집하고 미술관 내부로 보낸다. 유입된 이 데이터는 무언의 형태를 지닌 언어로 전환되고 새로운 목소리인 <∂A>를 활성화시킨다. 

<삶의 의지를 넘어서 생동적 본능과 함께 살아갈 수 있도록> 2018, LED 패널, 맥미니, 스피커, 앰프, 분말 코팅 강철, 각 350 x 200 x 100 cm, ⓒPhilippe Parreno

그렇기에 관람객은 전시 내부 시작 단계에서부터 일종의 인간 목소리의 운율과도 같은 어떤 형태를 듣게 되며, 언어를 통해 비로소 전시를 관통하는 의미를 느낄 수 있다. 필립 파레노는 공간이 작동하는 방식을 읽어내 현실과 가상의 경계를 허물고 하나의 신비로운 언어의 세계를 창조한다. 

필립 파레노 《보이스(VOICES)》 전시 전경, ⓒPhilippe Parreno, 제공: 리움미술관, 촬영: 이은서

작가는 전시 공간과 작품의 역동적 관계를 탐구하며, ‘비선형적 시간성’을 통해 현대미술의 혁신적 전환을 이끌어냈다.

《보이스(VOICES)》 전시는 환상적인 가상의 공간을 연출하고 있으나, 전시는 시스템에 의해 작동되고 모든 요소는 완벽하게 컨트롤되고 있다. 그러나 여기에는 변수와 우연의 상호작용이 내포되어있다. 이를 통해 전시는 무한한 진화의 과정을 지속한다. 필립 파레노의 작업은 유동적이며, 감각적인 변화를 이끌어내고, 시공간을 초월하는 잠재성을 보여준다.  

​

-베르나르 뷔페 (Bernard BUFFET)

베르나르 뷔페의 작품은 내면의 밑바닥을 잠잠히 드러내는 묘한 기시감이 존재한다. 거칠면서도 차가운 그의 직선의 세계가 형용할 수 없는 위안을 가져다주는 이유는 무엇일까. 베르나르 뷔페는 인물을 통해 자신과 세상의 모습을 투영하며, 인간의 실존적 존재에 대한 질문을 던진다. 

베르나르 뷔페 : 천재의 빛 : 광대의 그림자 ⓒ한가람디자인미술관

베르나르 뷔페의 인생은 기구하다. 오로지 겉으로만 완벽한 사람이었다. 훌륭한 외모. 뮤즈인 아름다운 연인. 피카소가 질투한 재능까지. 20대에 그는 백만장자 반열에 오를 만큼 엄청난 부와 명예를 쌓았다.

하지만 삶에 이면에선 엄청난 고통에 시달린다. 어릴 적부터 제2차 세계대전을 통해 인간의 잔혹한 살육과 비참한 참상을 눈으로 직면한다. 아버지는 집안을 돌보지 않았으며, 유일하게 사랑한 어머니는 17세가 되던 해 뷔페 곁을 갑작스레 떠난다.

그때부터 베르나르 뷔페는 다락방에서 세상과 단절된 채 강박적인 선들로 캔버스를 채워나간다. 말라버린 인간상과 생물은 당시 시대상과 뷔페의 내면을 관통하여 보여준다.

Bernard Buffet - La salle de bain - 1947, oil on canvas - 138 x 188 cm - ©ADAGP

그런 그가 한 여자를 사랑하게 된다. 바로 배우이자 샹송 가수였던 아나벨 뷔페이다. 전쟁 시기 부모님을 잃었다는 결핍이라는 공통점을 가지고 있던 두 사람은 서로의 유일한 안식처이자, 영원한 동반자가 되어 준다.

“당신은 애초에 화가로 태어난 것 같다. 당신은 우리에게 당신의 외로움, 믿음, 사랑, 모든 살아 있는 것들과 자연에 대해, 그리고 무엇보다 인간의 물질적, 도덕적 참담함에 마주하는 비탄을 이야기하기 위해 아주 자연스럽게 그림을 선택하였다.” 

-아나벨 뷔페

아나벨 뷔페는 말했다. 베르나르 뷔페는 죽는 순간까지 작품에 대한 진실함은 명백했다고. 그는 추상미술이 새롭게 떠올라 평론가들로부터 명성이 추락하는 순간까지 묵묵히 자신만의 직선의 세계를 만들어냈다. 베르나르 뷔페는 죽는 순간까지 자신이 그은 선에서 결코 벗어나지 않았다. 

“신념을 가지고 행동했던 한 사람에게서 모든 변화는 시작되었다. 해양 쓰레기 문제에 있어서는 우리도 그러한 변화의 씨앗이 될 수 있다.”  -<우리가 바다에 버린 모든 것> 마이클 스타코위치

<우리가 바다에 버린 모든 것> 마이클 스타코위치 ⓒ한바랄 출판사

바다는 지구의 깊은 ‘숨’이다. 푸른 생명력은 사람들을 내면의 안식처로 이끈다. 그러나 파도가 지나간 자리에는 인간이 남기고 간 무수한 쓰레기의 잔해들만 남겨져있을 뿐이다. 

생명력으로 역동하던 바다는 어느새 욕망으로 뒤덮였다. 작은 생명들은 존재의 자취를 감추고, 바다는 꺼져가는 희미한 불씨만 존재한다. 

​

<우리가 바다에 버린 모든 것> 마이클 스타코위치 ⓒ한바랄 출판사 

수십 년간 바다거북을 연구해 온 해양 생물학자인 마이클 스타코위치는 <우리가 바다에 버린 모든 것>이라는 책을 통해 해변에서 사라져가는 생명들과 쓰레기로 덮인 바다의 현실을 파헤친다. 

 책은 해양쓰레기의 문제점을 전반적으로 설명하는 서론을 시작으로 저자가 직접 관찰하고, 분류한 해변 쓰레기를 15개의 챕터로 나누어 설명하고 있다. 또한 해변 쓰레기의 위험성과 우리가 실천할 수 있는 업사이클링에 관하여 다룬다. 

 ⓒ한바랄 출판사

“책보다 환경을 생각하는 출판사가 되고 싶습니다.”

-한바랄출판사

​

 책을 펴낸 한바랄 출판사는 해양 환경 문제에 대해 전문적으로 다루는 출판사이다. 오염수 방류, 고래 사냥, 아쿠아리움 등 해양에서 일어나고 있는 다양한 진실을 밝힌다. 

옛 우리말로 ‘큰바다’를 뜻하는 한바랄이 가진 의미를 통해 바다를 아름다운 모습으로 회복시키고자 하는 노력을 지속하고 있다. 

<우리가 바다에 버린 모든 것> 책은 나무를 베지 않고 100% 재생 펄프로 만든 재생지에 콩기름 잉크로 인쇄하여 제작하였다. 한바랄 출판사는 책의 내용이 가진 의미에 집중하는 것을 넘어서 책을 펴내는 일련의 과정에서도 환경을 우선시하는 출판사로서, 지속적인 가치를 사람들에게 전달하고 있다.

타카하타 이사오展 ⓒ세종문화회관 

타카하타 이사오는 어린아이의 ‘창’으로 세계의 슬픔을 드러낸다. 그의 영화가 이토록 사람들 마음에 깊이 들어오는 이유는 단순히 뛰어난 연출력이 아니다. 본질적인 인간의 감수성을 세밀하게 두드리기 때문이다.

​

그의 작품들은 강한 자극이나 욕망으로 세계를 이끌어나가지 않는다. 주인공들이 일상속에서 느끼는 복잡한 내면으로 향한다. 미세한 떨림. 미묘한 만남. 해방과 자유. 우정과 연대. 형용할 수 없는 아름다운 순간을 포착하는 것이다.

​

미야자키 하야오는 상상을 통해 새로운 세계의 문을 열었다면, 타카하타 이사오는 일상생활을 리얼리즘으로 그려내 인물과 배경에 정교한 사실감을 부여한다. 두 감독이 세상을 그려내는 관점은 판이하다.

​

타카하타 이사오의 연출 방식은 관객이 인물들을 세계 밖에서 바라볼 수 있는 다큐멘터리적 관점을 취했다. 이는 관객이 세상 전체를 객관적으로 볼 수 있는 시야를 형성하며, 자유로운 해석의 틈을 연 것이다.

​

그는 미야자키 하야오, 스즈키 토시오와 함께 스튜디오 지브리의 설립자로서, 일본 애니메이션 연출 역사상 최초로 레이아웃의 중요성을 강조한 선구자이자, 미야자키 하야오를 포함한 수많은 애니메이터의 재능을 꺼내준 진정한 리더이다.

​

2024년 4월 26일부터 8월 3일 동안 세종문화회관 미술관에서 열리는 스튜디오 지브리 애니메이션의 거장 : 타카하타 이사오展을 통해 <태양의 왕자 호루스의 대모험(1968)>, <반딧불이의 묘(1988)>, <가구야 공주 이야기(2013)> 등 데뷔작에서 유작까지 수많은 명작을 탄생시킨 그의 일생을 마주하길 바란다.

​

“일본인이 일본 애니메이션을 만든다는 것은 어떤 것인가, 항상 생각했습니다.” -타카하타 이사오

Living in colors 

It's better.

-데이비드 호크니(David Hockney)

​

데이비드 호크니 : Bigger ＆ Closer (not smaller ＆further away) 전은 라이트룸 런던 오픈과 동시에 런칭한 첫 번째 전시이다. 데이비드 호크니의 지난 60년 간의 예술행적을 회화, 사진, 오디오 비주얼 등으로 선보이며, 수준 높은 이머시브 아트를 공간 안에 창조했다.

데이비드 호크니 <David Hockney:Bigger & Closer(not smaller & further away)> 전시 전경(사진=아트앤컬처)

데이비드 호크니가 직접 내레이션을 맡아 자신의 작업 방식을 설명하는 등 다양한 분야의 예술 세계를 선보이며, 관람객과 한층 더 가까운 소통으로 다가가고자 한다. 6가지 특별한 주제로 구성한 이번 전시는 “아티스트는 바로 지금을 살고 있다”고 밝힌 데이비드 호크니의 독창적인 삶을 엿볼 수 있는 기회가 될 것이다. 

데이비드 호크니는 ‘색’이 가진 감각을 화면 밖으로 꺼내 경쾌한 세계의 리듬을 만든다. 그의 세계는 리드미컬한 선율 사이 동적인 색채가 돋보이는 화가이다. 

2차원의 평면을 넘어 다양한 매체로 실험을 지속해 온 호크니는 예술의 경계를 허물었으며, 이번 전시에 대해 “내 일관적인 커리어의 연장선”이라고 이야기했다. 다채로운 음악, 조명, 애니메이션을 통한 창의적이고 독특한 호크니만의 내러티브 무대가 펼쳐진다.  

데이비드 호크니 <David Hockney:Bigger & Closer(not smaller & further away)> 전시 전경(사진=아트앤컬처)

최신 기기인 아이패드 드로잉 작업 과정도 하나의 콘텐츠로 포함되어 있으며, 위트있고 즉흥적인 그의 드로잉은 관람객들에게 시각적 생동감을 선사하고, 공감각적 심상을 마치 물결처럼 불러일으킨다. 

최첨단 프로젝터를 통한 기술적 놀라움은 아름답고 신비로운 몰입형 예술 콘텐츠를 풍성하게 보여준다. 데이비드 호크니 : Bigger ＆ Closer (not smaller ＆ further away) 전시를 통해 놀라운 빛의 세계로 인도되기를 바란다. 

《모노노케 히메》는 200억 원대의 제작비 투입, 3년간의 제작기간을 거친 스튜디오 지브리의 역대 수작(秀作)으로 손꼽힌다. 미야자키 하야오 감독의 정교한 작화와 탁월한 연출적 감각은 애니메이션을 독보적인 예술의 경지로 끌어올렸다. 

《모노노케 히메》 영화 포스터 ⓒStudio Ghibli

배경은 근대화로 인간의 욕망이 강해진 일본의 14세기 무로마치 시대이다. 감독은 ‘아미노 사관’에서 영감을 받아 영화를 제작했다.  당시 아미노는 다양한 계층이 존재했으며, 남성 중심이 아닌 여성, 노인, 아동 등 사회적 약자들이 존중받은 시대였다. 작품 속에도 여성이 주체를 가지고 마을을 지키는 등 이러한 시대적 배경이 잘 녹여져 있다. 

영화의 촉발점은 ‘철’이다. 날카롭고 차가운 단면을 가진 ‘철’을 통한 문명의 발전은 전쟁이라는 엄청난 재앙을 몰고 온다. 표면적으로는 자연을 착취하는 인간이 악해 보이나, 비가시적인 곳에서는 복잡한 모순적 세계가 존재한다. 즉, 《모노노케 히메》에서는 선과 악의 경계가 모호하다.

자연의 신들을 공격하는 악역으로 보이는 마을의 수장 에보시는 병에 걸린 사람들을 치료해 주고, 사람들과 좋은 마을을 만들기 위한 노력하는 인물이다. 자연의 신들에게는 악역이나, 마을 사람들에게는 구원자 같은 존재이다.

《모노노케 히메》 영화 ⓒStudio Ghibli

​

또한, 늑대와 함께 자연에서 살아가나 인간인 여주인공 산, 마을을 구했으나 버림받고 자신의 저주를 풀기 위해 떠돌아다니는 아시타카. 모두 자신의 혼란스러운 정체성 속에서 치열한 삶을 살아간다.

미야자키 하야오는 작품에 대해서 말했다. "세계의 문제를 해결하려는 것이 아니다. 난폭한 신들과 인간과의 전쟁에서 해피엔드는 있을 수 없기 때문이다. 하지만 증오와 살육의 한가운데서도 삶의 가치를 둘 수는 있다. 멋진 만남이나 아름다운 것은 존재할 수 있다."

《모노노케 히메》는 세계의 복잡성이 운명의 수레바퀴처럼 맞물려가면서 삶의 진정한 아름다운 가치란 무엇인지 꿰뚫는 영화이다. 생존을 위해 살아가는 인간의 삶과 본성. 그 속에 존재하는 작고 희미한 불빛 같은 희망이 공존한다. 

영화에 대한 관객 평은 두 갈래로 나뉜다. ‘난해하고 지루하다.’ ‘역대 최고의 영화다.’ 이러한 양 극단적인 평이 나오는 이유는 <그대들은 어떻게 살 것인가>는 철저히 미야자키 하야오의 자전적인 이야기로 시작되기 때문이다. 

《그대들은 어떻게 살 것인가》 영화 포스터 ⓒStudio Ghibli

 미야자키 하야오는 전쟁이라는 ‘참상’을 직면한 세대이다. 세계 제2차대전 당시 그의 아버지는 전투기를 제작하여 막대한 부를 쌓는다. 전쟁 가담자인 아버지를 비판했으나, 어렸을 때부터 전투기를 보고 자란 미야자키 하야오는 하늘을 나는 제로센에 매료된다.

이때부터 그의 내면적 모순이 시작된다. 전쟁을 향한 짙은 혐오심과 전투기의 신비로운 세계에 대한 매혹. 전쟁 시대, 가난한 또래 학생들 사이 홀로 부유한 소년 미야자키 하야오. 죄책감과 부끄러움에 휩싸인다. 이러한 내면적 고통은 그가 애니메이터를 꿈꾸게 된 초석이다. 

영화 주인공 마히토는 어릴 적 미야자키 하야오의 자아상[自我像]이다. 청소년기 불안정한 혼란의 감정은 히사이조 영화 음악의 서스펜스와 맞물려 내면적 소용돌이를 증폭시킨다.

《그대들은 어떻게 살 것인가》 영화 한 장면 ⓒStudio Ghibli

미야자키 하야오는 이번 영화를 통해 인간의 이중적 감정을 탁월하게 표현한다. 탑을 통해 시공간을 넘나드는 그의 연출은 인간의 과거 현재 미래를 관통하여 보여줌으로써, 인간이란 존재를 깊이 설명한다. 

<그대들은 어떻게 살 것인가> 영화는 추상적이며, 상징적이다. 세상의 흑과 백 모호한 경계에 서있는 우리가 어떤 철학을 가지고 살아갈 것인가 질문을 던지는 영화이다. 

영화는 치히로라는 소녀가 신비로운 터널의 세계로 들어가면서 시작된다. 터널로 지나온 세계에선 기상천외한 일들이 벌어진다. 돼지가 되어버린 부모님. 신비로운 용의 소년 하쿠. 무시무시한 온천장의 주인 유바바까지. 

《센과 치히로의 행방불명》 포스터 ⓒStudio Ghibli

시대 배경은 일본 버블 경제의 붕괴 이후이다. 이때 일본은 “잃어버린 20년”이라고 말할 정도로 찬란했던 경제 상황이 한순간에 꺽여 침체가 20년 동안 지속됐다. 치히로의 아빠가 “이건 테마파크의 잔해야. 90년대 초에 우후죽순으로 생기더니 거품 경제 때문에 전부 망했지.”라는 영화 초입 대사를 보면 유추할 수 있다. 테마파크의 잔해는 버블경제의 몰락을, 온천장은 일본의 풍속 산업의 붉은 얼굴을 의미한다. 

화려한 온천장에서는 황금만능주의가 팽배하다. 모두 자신의 정체성(이름)을 잊어버린 채 물질에 사로잡힌 노예로 욕망을 탐닉하는 삶을 반복한다. 

​

《센과 치히로의 행방불명》 영화 한 장면 ⓒStudio Ghibli 

​

가오나시는 외롭고 공허한 현대인의 쓸쓸한 단면이다. 무색무취(無色無臭). 표정도 개성도 없는 히키코모리를 뜻하는 현대인. 동시에 끝없는 욕망으로 인한 파멸이다. 

늪의 바닥 역으로 가는 기차에는 희미한 검은 형상을 한 인물들이 가득하다. 버블 경제와 연관 짓는다면, 빚으로 인해 삶과 죽음의 날카로운 경계에 있는 수 많은 사람으로 해석된다.

​《센과 치히로의 행방불명》 영화 한 장면 ⓒStudio Ghibli

미야자키 하야오는 작품을 통해 ‘언어의 힘’에 대해서 역설한다. 이것은 단순한 소녀의 성장 스토리가 아니다. 치히로가 세상 전체를 마주한 것을 뜻하며, 자신의 언어를 통해 내재된 힘을 발현한다. 기상천외한 여정의 중심에는 조력자 하쿠가 있다. 두 존재가 서로의 이름을 찾아주는 아름다운 연출은 흰 꽃봉오리를 터트리 듯, 서정성의 절정을 피워낸다.

 《센과 치히로의 행방불명》은 일본 특유의 정서가 두드러지는 영화이나, 전 세계를 매혹시켰다. 이는 붉은 인간 욕망의 현을 건드린 동시에 미야자키 하야오만의 깊은 심연의 언어로 담아냈기 때문이다. 

​

해우 <Time of sea> 작가 노트

: 아이들의 푸른 무한한 세계

아이들의 시선은 망울 하다. 호기심으로 뛰어든 푸른 무한한 세계에 빛의 조각들을 심어 거대한 세계를 피워내는 아이들이란. 상상을 통해 세계의 비밀을 올곧은 직선으로 풀어낸다.

<바다의 시간, Time of sea>에서는 한 아이가 작은 존재를 응시하면서 시작된다. 자신의 모습을 연약한 생명에게 투영하며, 아늑한 연민의 감정을 느낀다. 미묘하고 신비로운 두 존재의 만남은 세상의 연결성을 희미하면서도 작은 빛으로 보여준다.

​

작품은 종이에 연필로 작업 한 뒤 포토샵(Photoshop)으로 색감을 채색했다. 바다의 시간<Time of sea> 시리즈 중 하나인 회화 작품을 기반으로 콜라주 기법을 가미해 독특한 아이덴티티를 창조하고자 하였다. 고유한 종이 질감을 최대한 살려 은은한 푸른 바다의 조각들을 표현하는 것에 집중하고 있으며, 레드와 블루 계열의 보색을 활용해 주제를 부각하고, 아름답고 서정적인 정서를 부여한다.

​

멸종위기 동물 “상괭이”

 Haewoo <Time of sea>

상괭이는 우리나라 토종 돌고래이다. 기존에 우리가 알고 있는 돌고래와 다르게 등지느러미가 없고, 몸집이 작다. 수줍음이 많고 늘 웃는 입꼬리를 가지고 있어 “웃는 고래“, “미소 천사”라는 별명을 가지고 있다. 바다에서 상괭이에게 가장 큰 위협은 혼획(混獲, by-catch)이다. 즉, 다른 어종을 잡기 위한 그물에 걸리는 것이다. 매년 1천 마리 이상의 상괭이가 불법 어업, 혼획 등으로 희생되고 있고, 바다 오염으로 인해 멸종되어 가고 있다. 바다에서 일어나는 수많은 문제들을 기반으로 그림책을 제작하고 있다. 작품에 등장하는 돌고래 소년도 상괭이를 모티브로 제작했다.

​

아이들의 언어, 세계의 모순

Haewoo <Time of sea>

Haewoo <Time of sea>

아이들 시선의 “창”으로 본 어른들의 세계는 모순점으로 가득하다. 파괴로 점철된 보이지 않는 바다, 인간이 만들어낸 차가운 직선의 세계. 인간이 만들어낸 비좁은 틀에 하나의 울타리를 만들어 자연을 가둔다. 세계의 중심에는 어린아이들이 있다. 작은 존재에 대한 공감과 소통을 통해 자연과의 공존을 이야기한다.

제 42회 2024 화랑미술제 전경

올해로 42회째를 맞이하는 2024 화랑미술제는 한국화랑협회 소속의 국내 유수 화랑 156곳이 참여하여 역대 최대 규모와 최다 참가 갤러리 수를 자랑한다. 각 갤러리의 대표 작가 900여 명이 출품하는 회화, 판화, 조각, 설치 미디어 등 다양한 장르의 작품 1만여 점이 참여하여, 다양한 예술의 폭을 넓혀가고 있다.

올해로 5회를 맞이하는 신진 작가 특별전 <ZOOM-IN>에서는 심사를 통해 선발한 10인의 작가를 통해 신선하고 개성 넘치는 작품 세계를 느낄 수 있다.

​

제 42회 2024 화랑미술제 전경

​

2024 화랑미술제를 통해 예술계의 흐름과 트렌드를 알 수 있다. 기존의 전통 회화를 넘어서, 그래피티 아트(graffiti art)의 영향을 받은 자유로운 드로잉과 강한 색감의 아이덴티티를 드러내는 캐릭터, AI 작품들이 돋보인다. MZ세대들이 컬렉터로 소비 연령대의 폭이 넓어지면서 나타난 현상이다.

​

제 42회 2024 화랑미술제 작품

제 42회 2024 화랑미술제 작품

ART&ARTIST TALK, ZOOM-IN Edition 5등 다양한 프로그램을 통해 관람객들과의 소통의 기회 장을 마련한다. 미술계의 ‘봄’을 알리는 2024 화랑미술제를 통해 더욱 풍성해진 예술계의 흐름을 느낄 수 있다.

​