강민수 작가는 전통적인 제작 방식에 천착하며 달항아리 작업을 이어왔다. 직접 쌓은 전통 오름가마에서 소나무 장작으로 구워낸 그의 달항아리는 안정감 있는 비례와 단정한 형태, 은은하면서도 깊이 있는 백색을 통해 절제된 아름다움과 따뜻한 온기를 동시에 보여준다. 작품은 여러 기업과 기관에 소장되어 있으며, 청와대에도 소장되는 등 예술적 가치를 인정받고 있다.

둥글고 넉넉한 형태의 달항아리는 오랫동안 한국인의 미감과 정서를 담아온 상징적인 도자 형식이다. 일반적인 도자기가 하나의 몸체를 한 번에 성형하는 것과 달리, 달항아리는 위와 아래를 각각 물레 성형한 뒤 정교하게 이어 붙여 완성한다. 상·하부의 크기와 두께를 조화롭게 맞춰야 하는 고도의 기술이 요구되는 만큼 숙련된 도공의 경험과 감각이 중요하다.

강민수 작가는 이러한 전통 제작 방식을 충실히 따르면서도 인위적인 완벽함보다 자연스러운 비대칭과 여백의 미를 중시한다. 그의 달항아리는 담백하면서도 깊은 울림을 지닌 한국 백자의 미학을 현대적인 감각으로 이어간다. 오랜 수행과 숙련된 기술을 바탕으로 완성된 작품에서는 고요하면서도 품격 있는 조형미가 느껴진다.

이번 전시에서는 오랜 시간의 수행과 반복적인 제작을 통해 완성한 신작 달항아리를 선보인다. 형태와 색, 질감에서 한층 깊어진 완성도를 보여주는 작품들은 전통 백자의 고유한 미감을 오늘의 조형 언어로 확장한다.

특히 강민수의 작업은 급변하는 시대 속에서도 한결같은 태도로 전통의 가치를 탐구해 온 작가의 예술적 여정을 보여준다. 오랜 시간 축적된 장인정신과 현대적인 조형 감각이 조화를 이루며 전통 달항아리의 본질과 새로운 가능성을 함께 제시한다.

노화랑은 이번 전시를 통해 한국 백자의 정수를 담고 있는 달항아리의 깊은 미학과 함께, 20여 년간 달항아리만을 탐구해 온 강민수 작가의 예술세계를 조명한다. 또한 풍요와 화합, 포용과 여유를 상징해 온 달항아리의 의미를 오늘의 시각에서 다시 생각해보는 자리가 될 것으로 기대된다.

〈오윤 40주기 특별 판화전 — 《새김에서 각인으로: 1946—1986, 오윤의 궤적》〉이 오는 9월 23일(수)부터 10월 12일(월)까지 서울 종로구 동덕아트갤러리에서 개최된다.

이번 전시는 오윤이 생전에 제작한 판화와 유족이 보관한 원판을 바탕으로 제작한 사후 판화를 함께 선보인다. 오윤의 판화 전작 187종이 한 전시장에 모이는 것은 이번이 처음이며, 이 같은 전작전은 처음이자 마지막이 될 예정이다..

오윤의 이름과 작품은 한국 현대미술사에서 널리 알려져 있지만, 그의 판화를 실물로 접할 기회는 많지 않았다. 작품은 국립현대미술관 등 주요 미술기관에 소장되고 경매에서도 재조명됐으며, 도록과 인쇄물 등을 통해 이미지가 널리 소개돼 왔다.

그러나 목판화는 이미지로 재현되는 순간 작품의 중요한 물성이 사라진다. 칼이 나무를 파고든 깊이와 방향, 종이에 눌린 흔적, 먹이 스며들며 만들어낸 결은 사진이나 도판만으로 온전히 전달하기 어렵다.

이번 전시는 이러한 ‘실물 판화의 감각’을 직접 마주하는 자리라는 점에서 의미가 크다.

오윤에게 판화는 단순한 이미지 복제의 수단이 아니었다. 그는 나무판에 노동하는 사람들과 민중의 삶, 사회의 현실과 시대의 풍경을 새기며 자신의 시대를 기록했다. 강렬한 선과 압축된 형태로 표현된 그의 작품은 당시의 현실을 넘어 오늘날에도 인간과 사회에 대한 질문을 던진다.

전시 제목 ‘새김에서 각인으로’는 오윤이 나무에 새긴 이미지가 한 시대의 기억으로 남아 한국 현대미술사에 깊이 각인된 과정을 함축한다.

작고 40주기를 맞아 열리는 이번 전시는 오윤의 판화 세계를 개별 작품이 아닌 187종의 전체적인 흐름 속에서 살펴볼 수 있는 기회다. 한 작가의 판화 전작을 통해 민중미술의 중요한 궤적을 되짚어보는 이번 전시는 오는 9월 23일부터 10월 12일까지 동덕아트갤러리에서 만날 수 있다.

홍익대학교 박물관은  9월 1일부터 2027년 1월 19일까지 박물관 전시실(문헌관 3층)에서 특별기획전 《홍익미술-시대의 부표, 시대의 아이콘》을 개최한다.

홍익대학교 개교 80주년 특별기획전 《홍익미술-시대의 부표, 시대의 아이콘》 포스터 

이번 전시는 격동의 한국 현대사 속에서 미술의 새로운 방향을 제시해 온 홍익미술의 발자취를 되짚고, 한국 근현대미술의 형성과 발전 과정에서 홍익미술이 차지해 온 역사적 위치를 살펴보기 위해 기획됐다.

전시 제목에 담긴 ‘부표(Buoy)’와 ‘아이콘(Icon)’은 홍익미술이 한국 미술의 격변기마다 방향을 가늠하게 하는 지표이자, 특정 시대의 미술적 가치와 정신을 상징해 온 존재라는 의미를 함축한다.

특히 이번 전시에서는 한국 근현대미술사를 대표하는 거장들의 주요 작품을 한자리에서 만나볼 수 있다. 이중섭의 〈흰소〉를 비롯해 김환기의 〈달과 학〉, 천경자의 〈군와〉, 이상범의 〈하경산수〉, 김정숙의 〈생〉 등이 주요 소장품으로 소개되며, 작품을 통해 한국 근현대미술의 변화와 다양한 조형적 흐름을 살펴볼 수 있도록 구성됐다.

작품뿐만 아니라 한국 미술계의 주요 담론을 형성해 온 미술평론가 이일과 이경성의 아카이브 자료도 함께 공개된다. 이를 통해 단순히 작품을 감상하는 데 그치지 않고, 당대 미술계에서 어떤 논의가 이루어졌으며 홍익미술이 한국 현대미술의 전개 과정에서 어떠한 역할을 수행했는지를 입체적으로 살펴볼 수 있을 것으로 기대된다.

가브리엘 코흐는 유약을 사용하지 않고 흙을 손으로 직접 성형하며, 흙의 물성과 소성 과정에서 만들어지는 표면의 변화와 질감을 탐구해온 작가다. 이번 전시에서는 지질 풍경과 퇴적층에서 출발한 작업을 비롯해 바다의 색을 새롭게 담아낸 〈Deep Ocean Bowls〉를 선보인다.

ⓒ 작가, Gallery LVS

가브리엘 코흐 개인전 《Journeys In Clay》작품중 ⓒ 작가, Gallery LVS

가브리엘 코흐 개인전 《Journeys In Clay》작품중 ⓒ 작가, Gallery LVS
 

작가가 흙에 관심을 갖게 된 계기는 스페인에서의 경험이었다. 광활한 내륙 풍경과 검은색에서 황토색, 붉은색으로 이어지는 대지의 색채, 불의 흔적이 남은 무유 도기와 조각적인 항아리 형태는 그의 작업에 중요한 영향을 미쳤다. 이후 버니싱과 연기 소성을 활용하며 흙과 불이 직접 만나 만들어내는 원초적인 표면을 탐구했다.

그에게 용기는 단순한 기능적 대상이 아니다. 형태를 통해 균형과 긴장, 정지와 움직임, 확장과 절제, 정교함과 즉흥성의 관계를 표현한다. 또한 용기가 지닌 나눔과 의식, 축하의 의미를 통해 인간의 역사와 자연과의 관계를 되돌아보게 한다.

최근 작업은 암석 내부의 퇴적층에서 나타나는 구조와 질감에서 출발한다. 거친 석기질 점토에 자기토와 자기질 슬립을 결합하고, 선명한 선과 부드러운 음각선을 더해 서로 다른 재료의 질감과 대비를 만들어낸다.

이번 전시의 신작 〈Deep Ocean Bowls〉는 이러한 관심이 지질적 풍경에서 물과 바다로 확장된 결과다. 작가는 바다에서 발견한 청색과 녹색의 미묘한 변화를 작품에 담아 기존의 지층 구조와 새로운 색채를 결합했다.

모든 작품은 코일링 기법으로 직접 성형하며 유약을 사용하지 않는다. 서로 다른 점토와 재료를 조합한 뒤 최대 1200도에서 한 차례 또는 여러 차례 소성해 독특한 표면을 완성한다.

가브리엘 코흐의 작품은 런던 빅토리아 앤드 앨버트 미술관, 옥스퍼드 애슈몰린 미술관, 뉴욕 뮤지엄 오브 아츠 앤 디자인 등에 소장돼 있다. 국제도자아카데미 회원이자 영국 도예가협회 펠로우로 활동하고 있으며, 2009년 작가 모노그래프 Gabriele Koch: Handbuilding and Smoke Firing이 출간됐다.

 ⓒ 작가, 김종영미술관​

사계절 가을 문턱 

<착륙Landing>, 가변크기, 천에 잉크젯 프린트, 폴리머 클레이, 2026 ⓒ 작가, 김종영미술관

장유정은 디지털 이미지가 넘쳐나는 시대에 “내가 지금 보고 있는 이 이미지가 정말 실재하는 것일까”라는 질문을 던진다. 스마트폰과 미디어 월, 인공지능을 통해 실제 존재하지 않는 이미지까지 손쉽게 만들어지는 현실에서 ‘보이는 것’과 ‘실재하는 것’의 차이를 조각의 방식으로 탐구한다.

작가는 자신이 본 장면을 먼저 사진으로 기록한 뒤 이를 손으로 직접 빚어 입체화하고 채색한다. 이후 완성된 입체를 다시 촬영해 평면 이미지로 되돌린다. 평면→입체→평면으로 이어지는 순환 구조가 그의 작업 핵심이다.

전시장 역시 이러한 과정을 반영한다. 1층에서는 회화처럼 보이는 사진 작품을, 2층에서는 사진의 근원이 된 실제 입체 작품을 선보인다. 관람객은 그림처럼 보였던 작품이 사진이고, 그 사진 뒤에는 작가의 손으로 빚어진 실체가 존재한다는 사실을 발견하게 된다.

전시 제목 《남김없이: 온전한 일체》 역시 이러한 작업 과정에서 비롯됐다. 사진은 특정한 각도와 순간만을 담아 실물의 일부만 보여준다. 장유정은 사진 속 대상을 다시 입체로 빚어 앞과 뒤, 위와 아래를 모두 가진 온전한 사물로 완성한다. 하나의 대상을 남김없이 붙잡아 ‘일체’로 만들려는 작가의 태도가 전시 전반을 관통한다.

특히 인공지능을 통해 현실과 구분하기 어려운 이미지가 빠르게 생산되는 오늘날, 장유정의 작업은 ‘보는 것’과 ‘믿는 것’ 사이의 관계를 되묻는다. 사진과 그림이 평면 위의 환영이라면 조각은 부피와 무게를 가진 실체로 존재한다. 작가는 조각을 통해 관람객에게 시각을 넘어선 ‘확인의 감각’을 되돌려준다.

이번 전시는 이미지가 현실을 대신하는 시대에 무엇이 진짜이며 무엇을 믿을 수 있는가라는 질문을 손으로 빚어낸 조각과 사진의 순환을 통해 풀어낸다. 관람객은 장유정의 작품을 통해 눈에 보이는 환영 너머, 손끝에서 탄생한 실체의 의미를 마주하게 될 전망이다.

지난 2022년 양대 페어가 파트너십을 맺은 이후 5회째를 맞은 올해 행사는 서울이 국제 현대미술의 주요 거점으로 성장했음을 보여주는 대표적인 문화행사로 평가된다. 국내외 약 30개국에서 300여 개 갤러리가 참여해 회화·조각·설치·영상·혼합매체 등 다양한 작품을 선보인다.

2026 프리즈·키아프 포스터

올해 프리즈 서울에는 30개국 125여 개 갤러리가 참여한다. 메인 섹션 ‘갤러리즈’를 비롯해 젊은 갤러리와 작가들의 실험적 작업을 소개하는 ‘포커스(Focus)’ 등이 마련됐다.

새롭게 선보이는 ‘스포트라이트(Spotlight)’는 20세기 미술사에서 상대적으로 조명받지 못했던 작가들을 솔로 부스 형태로 소개하며, ‘머티리얼 프랙티스(Material Practice)’는 한국의 공예 전통과 재료를 기반으로 동시대 미술과 조형예술의 접점을 조망한다.

프리즈는 이와 함께 프리즈 라이브, 부산비엔날레×프리즈 필름 서울 2026, 토크 프로그램, 네이버후드 나잇 등 서울 곳곳에서 다양한 문화 프로그램을 펼친다.

올해 25주년을 맞은 키아프 서울에는 18개국 175개 갤러리가 참여한다. 올해 주제는 ‘공존’으로, AI와 디지털 기술이 급속히 발전하는 시대에 인간의 감각과 창의성의 가치를 재조명하고 인간과 기술의 새로운 관계를 모색한다.

특별전 《HUMAL》과 《VIRTUAL VITAL》을 통해 인간과 기술의 관계를 다양한 시각에서 제시하며, 한국 근현대미술의 단색화와 실험미술을 비롯해 아시아 차세대 작가들의 회화와 혼합매체 작품도 소개한다.

키아프와 예술경영지원센터(KAMS), 프리즈 서울이 공동 개최하는 토크 프로그램과 세계적인 피아니스트 조성진이 참여하는 ‘키아프 클래식’도 마련됐다.

올해 미술시장에서 두드러지는 변화는 ‘진성 컬렉터’ 중심의 시장 형성이다. 단기간의 시세 차익을 기대하는 투기성 매수보다 작가의 미술사적 위치와 작품 완성도, 성장 가능성을 종합적으로 판단하는 컬렉터들이 늘고 있다. 고가 블루칩 작가의 대표작뿐 아니라 작품성과 개념을 갖춘 30·40대 중견 및 신진 작가들의 중저가 작품에도 기관과 젊은 컬렉터들의 관심이 이어지고 있다.

이는 미술시장이 유명 작가의 작품을 소유하는 단순한 소비에서 벗어나 작가의 장기적인 성장성과 작품의 본질적 가치에 주목하는 시장으로 변화하고 있음을 보여준다.

행사 기간에는 코엑스뿐 아니라 삼청동·한남동·청담동 등 주요 미술문화권에서도 갤러리와 미술관의 야간 개장, 연계 전시, 작가 프로그램 등이 이어진다.

국내외 컬렉터와 미술 관계자들이 서울을 찾으면서 공연·디자인·패션·음식 등 다양한 문화산업과 미술의 접점도 확대되고 있다.

결국 키아프 서울과 프리즈 서울의 동시 개최는 단순한 국제 아트페어를 넘어 서울 전체를 하나의 현대미술 플랫폼으로 확장시키는 계기가 되고 있다.

세계 주요 갤러리와 컬렉터가 서울에 모이고 한국과 아시아 작가들이 국제 미술시장과 직접 만나는 가운데, 작품 거래와 미술 담론, 문화 콘텐츠가 결합하는 새로운 시장 생태계도 형성되고 있다.

서울은 이제 ‘아트페어가 열리는 도시’를 넘어 국제 미술시장과 담론이 교차하는 ‘글로벌 아트 허브’로 진화하고 있다.

다음은 누구, 2014, 캔버스에 아크릴, 100 x 100 cm ⓒ 작가, 갤러리한결 

잼없네, 2015, 캔버스에 아크릴, 100 x 100 cm ⓒ 작가, 갤러리한결 

2026년작 ⓒ 작가, 갤러리한결 

이번 전시는 과일, 성냥, 생활용품 등 일상과 자연에서 발견한 소재를 현대적인 조형언어로 풀어낸 작품들을 신작과 함께 선보인다. 파스텔톤의 색채와 둥근 나무 형태, 여백, 생동감 있는 포인트 컬러를 통해 밝고 편안한 분위기를 연출하며, 관람객이 작품을 통해 자신의 기억과 감정을 자연스럽게 떠올리도록 한다. 류예지 작가는 어린 시절 읽은 『어린 왕자』, 『이상한 나라의 앨리스』, 『빨강머리 앤』 등에서 비롯된 상상력을 회화로 확장해 왔다. 

특히 ‘예술의 일상화’를 작업의 중요한 방향으로 삼아 캔버스를 넘어 옷과 신발, 가방, 자동차 등 다양한 일상의 사물에도 예술적 상상력을 담아내고 있다. 작가는 “내 그림을 보는 사람들의 입가에 미소를 선물하고 싶다”고 말한다. 작품 속 동글동글한 나무와 언덕은 동심과 자연에 대한 기억을 환기하고, 여백은 관람객의 상상력이 머물 공간으로 기능한다. 여기에 강렬한 포인트 색채를 더해 무료한 일상에 작은 활력을 전한다. 

  미술교사로 활동하고 있는 류예지 작가는 홍익대학교 회화과를 졸업하고 이화여자대학교 교육대학원에서 미술교육을 전공 후 전시와 교육, 칼럼 등 다양한 활동을 통해 예술과 대중의 소통을 이어오고 있다. 이번 전시는 스마트폰과 디지털 이미지에 익숙해진 현대인에게 잠시 화면에서 벗어나 하늘과 공기, 꽃과 나무, 그리고 자신의 감성을 돌아보는 따뜻한 쉼표가 되어줄 것으로 기대한다.

landscape-nowhere,30호F ,캔버스위에아크릴, 2022  ⓒ 작가, 갤러리 내일

landscape-nowhere,100호F,캔버스위에혼합재료, 2022  ⓒ 작가, 갤러리 내일

landscape-where, 30호F,캔버스위에아크릴, 2025 ⓒ 작가, 갤러리 내일

 ⓒ 작가, 갤러리 내일

김형무의 화면에는 도시와 자연, 인간과 문명의 흔적이 한 공간 안에서 묘하게 공존한다. 끝없이 펼쳐진 듯한 공간에 작은 인간들이 홀로 서 있고, 나무와 건축물, 가로등, 구름과 달, 비행기 등이 등장한다. 그러나 이곳은 실제 특정 장소가 아니다. 작가가 현실의 이미지들을 해체하고 재구성해 만들어낸 ‘어디에도 없는 장소’, 즉 Landscape-nowhere다.

작가가 그려내는 공간은 현실도 완전한 환상도 아니다. 인간의 의식과 무의식이 쉽게 접근할 수 없는 ‘진공의 공간’이자 ‘저 너머의 공간’이다. 작가는 인간의 지배가 미치지 않는 가상의 공간에 자의식을 가진 인간을 배치하며 현실과 비현실의 경계를 흔든다.

특히 광활한 풍경 속에 작게 표현된 인간은 도시 문명 속에서 왜소해지고 소외된 현대인의 모습을 상징한다. 거대한 공간 앞에 선 인간은 세계를 지배하는 주체라기보다 낯선 현실을 바라보는 관찰자에 가깝다.

작가는 이러한 공간을 유리창 너머의 풍경과 연결한다. 유리벽은 안과 밖을 분리하면서도 서로 다른 세계를 바라보게 하는 투명한 경계다. 안전한 공간 안에 육체를 머물게 하면서 정신은 바깥으로 향하게 하는 이 경험은 작가에게 현실과 판타지가 공존하는 ‘분열 공간’으로 이어진다.

작가는 작가노트에서 자신의 풍경을 “낯설지만 무엇을 낯설어해야 할지 모르는, 일상적 맥락에서 추방되었지만 일상적 맥락 자체도 존재하지 않는 공간”이라고 설명한다.

결국 《Landscape-nowhere》는 특정 장소를 재현하는 전시가 아니라 ‘장소를 바라보는 인간의 의식’에 관한 전시다. 익숙한 현실을 낯설게 바라보게 함으로써 관객 각자의 기억과 경험을 작품 속에 투영하도록 한다.

작가는 이 낯선 공간을 궁극적으로 관객과 소통하고 치유하는 공간으로 치환하고자 한다. 현실에서 한 걸음 떨어져 자신의 삶을 바라보는 경험을 통해 새로운 사유의 가능성을 제시하는 것이다.

한편 작가만남 행사는 9월 12일(토) 오후 4시 갤러리 내일에서 열린다. ‘어디에도 없는 장소’에 놓인 인간은 무엇을 의미하는지, 김형무의 작품 세계와 작업 배경에 대해 작가의 이야기를 직접 듣고 관객과 자유롭게 소통하는 시간이 마련된다.

이번 전시는 “변하지 않으면 추락한다. 그러나 변하면 또한 추락한다”는 박서보의 말에서 출발한다. 오랜 수행과 반복을 통해 몸에 감각을 새긴 뒤 새로운 작품을 선보였던 작가의 태도를 바탕으로, 단순한 양식 변화가 아닌 사유와 신체, 재료와 환경이 맞물린 ‘변화의 철학’을 조명한다.

 박서보_Ecriture No. 41-84 ⓒ 작가, 국제갤러리

 박서보_Ecriture No. 030513 ⓒ 작가, 국제갤러리

 박서보_Ecriture No. 230428 ⓒ 작가, 국제갤러리

박서보_Ecriture No. 050514 ⓒ 작가, 국제갤러리

K1에서는 1967년 시작된 초기 연필묘법을 비롯해 지그재그묘법, 흑백묘법을 소개한다. 특히 초기 묘법은 ‘무엇을 그릴 것인가’보다 ‘어떻게 그릴 것인가’에 집중하며 회화의 본질을 탐구한 작업이다. 반복적인 선 긋기를 통해 작가의 신체적 호흡과 리듬을 화면에 남기고, 이후 한지를 도입하면서 재료 자체의 물성과 행위가 결합된 새로운 조형언어를 구축했다.

K3에서는 2000년대 이후의 색채묘법(2001–2018)을 선보인다. 자연에서 비롯된 색채를 화면에 적극적으로 도입한 이 연작은 흑백묘법의 구조를 계승하면서도 색의 대비와 조화를 통해 관람자의 시점에 따라 달라지는 감각을 구현한다. 박서보는 디지털 이미지가 범람하는 시대에 회화의 역할을 새롭게 고민하며, 자연의 색을 통해 관람객에게 정적인 고요함과 치유의 감각을 전달하고자 했다.

한옥 공간에서는 말년의 작업인 연필색채묘법(2019–2021)과 신문지묘법(2022–2023)을 만날 수 있다. 연필색채묘법은 과거의 수행성과 반복이라는 원리를 유지하면서도 풍부한 색채를 더한 작업이며, 신문지묘법은 1977년 파리 체류 당시 제작했던 ‘신문지 뎃상’을 다시 탐구한 연작이다. 오래된 신문 위에 안료를 입히고 연필로 선을 그은 작품에는 시대의 사건과 개인의 흔적이 겹쳐지며, 신문이라는 기록 매체가 새로운 회화적 공간으로 변모한다.

박서보는 1950년대 말 앵포르멜을 실험한 이후 〈원형질〉, 〈유전질〉, 〈묘법〉 등 시대와 함께 변화하는 작업을 지속했다. 특히 1967년 시작한 묘법 연작은 한국 현대미술의 중요한 전환점으로 평가받으며, 반복과 수행을 통해 ‘비움’의 미학을 구축했다.

평생 변화와 반복을 탐구한 박서보는 한국 모더니즘과 단색화의 대표 작가로 자리매김했다. 2021년 금관문화훈장과 2011년 은관문화훈장을 받았으며, 프랑스 샤토 라 코스트, 국립현대미술관 서울관, 독일 랑엔 재단, 생테티엔 메트로폴 현대미술관 등 국내외 주요 기관에서 개인전을 개최했다. 작품은 뉴욕현대미술관(MoMA), 구겐하임미술관, 테이트 모던, 퐁피두 센터, 국립현대미술관, M+ 등 세계 주요 미술관에 소장돼 있다.

이번 전시는 박서보가 평생 이어온 ‘변화와 지속’의 역설을 한자리에서 보여준다는 점에서 의미가 있다. 끊임없이 자신을 비우면서도 새로운 형식과 재료를 받아들였던 그의 예술적 여정을 통해 한국 현대미술의 한 축을 다시 조명하는 자리가 될 것으로 기대된다.

박해나 작가는 아련한 기억과 상상을 결합해 현실과 꿈의 경계에 놓인 풍경을 만들어낸다. 집과 꽃, 나무, 새와 물고기 등이 어우러진 화면은 익숙하면서도 비현실적인 분위기를 자아내며, 누구나 마음속에 간직한 이상향과 행복의 순간을 시각화한다.

ⓒ 작가, 하랑갤러리

최연, 그림자 보는 아이들, 162.2x130.3cm, Oil on canvas, 2024 ⓒ 작가, 하랑갤러리

최연, 눈이 오는 날, 45.5x27.3cm, Oil on canvas, 2026 ⓒ 작가, 하랑갤러리

특히 꽃나무는 작가에게 단순한 자연의 대상이 아닌, 서로 기대고 교감하며 머물 수 있는 보금자리이자 안식처다. 나무 사이를 오가는 새와 물고기는 희망과 행복, 꿈을 상징하며 작품에 생동감과 서정성을 더한다.

대표 연작인 ‘행복이야기’에서는 점묘법과 나이프, 붓의 자유로운 터치를 조화롭게 활용해 다양한 감정을 표현한다. ‘평안’은 은은한 달빛을 연상시키는 고요함으로 위로를 전하고, ‘온화’는 봄날의 햇살처럼 따뜻한 행복을 담는다. ‘멜로디’는 경쾌한 색채와 리듬감으로 밝고 산뜻한 감각을 선사한다.

최연 작가는 어린 시절의 ‘놀이터’를 통해 삶을 바라본다. 미끄럼틀과 시소, 그네의 상승과 하강은 인생의 굴곡을 닮았으며, 자유롭게 뛰노는 아이들은 삶을 조금 더 가볍게 받아들이는 순수함을 상징한다.

작품 속 놀이터는 특정 장소에 한정되지 않는다. 따뜻한 이불 위, 눈 내리는 골목, 민들레가 핀 작은 공간까지 아이들에게는 모두 놀이의 장소가 된다. 평범한 일상에서 놀이를 발견하는 아이들의 시선은 빠르게 흘러가는 삶을 잠시 멈추고 주변을 바라보게 한다.

‘아이는 어른의 아버지’라는 문장에서 출발한 최연 작가는 어른이 삶의 무게와 사회적 규범을 잠시 내려놓고 다시 자유롭고 순수한 존재로 돌아가는 과정에 주목한다. 그의 놀이터는 단순한 추억의 공간을 넘어 자신을 회복하고 삶을 다시 바라보는 장소로 확장된다.

박해나가 꽃과 나무가 어우러진 풍경을 통해 마음속 이상향과 평온을 이야기한다면, 최연은 놀이터와 아이들의 움직임으로 삶의 굴곡과 순수함을 풀어낸다. 서로 다른 소재와 표현 방식을 사용하지만 두 작가의 작품이 향하는 곳은 결국 지친 마음이 잠시 머물 수 있는 따뜻한 쉼이다.

이번 전시는 유년을 단순히 회상하는 데 그치지 않는다. 과거의 기억을 현재의 삶으로 불러와 잊고 지냈던 감정과 감각을 다시 마주하게 한다. 관람객은 박해나의 풍경에서 기억 속 따뜻한 온기를, 최연의 놀이터에서 삶을 가볍게 바라보았던 어린 시절의 시선을 만날 수 있다.

하랑갤러리 관계자는 “이번 전시가 빠르게 흘러가는 일상 속에서 잠시 호흡을 고르고 각자의 마음속에 남아 있는 따뜻한 기억과 마주하는 시간이 되기를 바란다”며 “두 작가의 작품을 통해 관람객들이 저마다의 안식처를 발견하기를 기대한다”고 전했다.

《Digital Grim Reapers Underground》 Installation View ©Lazy Mike

《Digital Grim Reapers Underground》 with Audio-Technica ©Lazy Mike

윌리 스튜어트는 회화와 조각, 설치, 영상, 사운드, 제작된 유물 등을 통해 기억과 이미지, 믿음과 기술이 뒤섞이는 허구적 세계를 구축해온 작가다. 플럭서스의 주요 인물 오노 요코(Yoko Ono)의 밴드에서 기타리스트로 활동한 이력을 바탕으로 음악과 시각예술을 넘나들며 리듬과 반복, 시간성에 주목해왔다. 특히 1980년대 펑크와 신스 음악, VHS 테이프, 앨범 커버 등 대중문화의 잔여물을 차용해 이미지가 시간 속에서 변형되는 과정을 탐구한다.

이번 전시는 역사가 안정적인 기록이 아닌 훼손된 기억과 파편으로 남게 된 미래를 상상한다. 주인공은 문명이 사라진 뒤에도 기술만 남은 오지의 발전소에서 일하는 전직 군인이자 신자, 전기 기술자다. 그는 정비 과정에서 폐기된 합성 인간의 잔해를 발견하고, 그 안에 남겨진 손상된 기억 아카이브를 통해 인류의 과거와 마주한다.

그러나 기록은 이미 원래의 맥락과 의미를 잃은 상태다. 주인공은 단편적인 이미지와 기억을 조합해 자신만의 인류사를 만들어가고, 전시는 이를 통해 기억과 역사의 의미가 고정된 것이 아니라 현재의 시선에 따라 새롭게 만들어질 수 있음을 보여준다.

전시의 핵심 연작인 〈Back Panels〉는 재킷의 뒷면을 출발점으로 한다. 오토바이 클럽과 펑크 공동체, 군복, 럭셔리 패션에서 재킷은 소속과 이념, 욕망을 드러내는 상징적 표면이다. 스튜어트는 여기에 패치나 로고 대신 연기 자욱한 숲, 이름 없는 배달 트럭, 도자기 꽃병 등 일상의 파편을 그려 넣는다.

이를 통해 작가는 정체성을 직접적으로 선언하기보다 의미를 유예하고 관객의 해석을 유도한다. 신체가 사라진 뒤에도 의복과 사물이 어떻게 정체성을 수행할 수 있는지 질문하는 것이다.

《Digital Grim Reapers Underground》는 결국 “기억은 살아남았지만 맥락이 사라진다면 무엇이 남는가”라는 질문을 던진다. 불완전한 기록을 통해 과거를 재구성하듯, 미래의 인류 역시 오늘날의 사진과 녹음, 디지털 흔적을 새로운 의미의 유물로 해석할 수 있다는 상상이다.

윌리 스튜어트는 1982년 미국 테네시주 갤러틴 출생으로, 현재 코네티컷주 뉴헤이븐을 기반으로 활동하고 있다.

리앤배는 오는 8월 28일부터 10월 10일까지 송광익 작가의 개인전 《지물 Paper Things》를 개최한다. 이번 전시는 작가가 오랜 시간 이어온 ‘지물’ 연작을 중심으로, 한지가 반복적인 손의 움직임과 시간의 축적을 통해 평면을 넘어 입체와 공간의 조형으로 확장되는 과정을 보여준다.

송광익, 무위지예(無爲紙藝), 290 x 540 x 91 cm, 판넬에 혼합매체, 2015

송광익, 지물(紙物) Paper things, 80 x 120 cm, 한지에 아크릴릭 물감, 2026

송광익의 작업은 완성된 이미지를 먼저 구상하기보다 한지를 직접 찢고, 자르고, 접고, 붙이는 행위에서 출발한다. 작가는 종이의 결과 뜯긴 가장자리, 크기와 형태의 미세한 차이를 인위적으로 통제하지 않고 그대로 작품에 담아낸다. 특히 작품 뒷면에 물감을 칠해 색이 닥섬유 사이로 스며들게 함으로써 한지 특유의 질감과 불균형을 더욱 선명하게 드러낸다.

반복되는 손의 움직임은 작품에 시간의 흔적을 쌓아간다. 서로 다른 형태와 높이의 한지 조각들은 촘촘하게 세워지고 겹쳐지며 하나의 리듬과 밀도를 형성한다. 각각의 조각이 고유성을 유지하면서도 서로 관계를 맺어 전체를 이루는 구조는 자연의 질서에 대한 작가의 시각과 맞닿아 있다.

작품은 평면을 넘어 입체와 공간으로 확장된다. 판넬 위에 수직으로 세워진 한지는 깊이와 틈을 만들고, 조각 사이의 빈 공간 역시 작품을 구성하는 중요한 요소가 된다. 관람객의 위치와 거리에 따라 겹쳐진 면과 공간이 다르게 보이며, 빛은 한지 사이를 통과해 그림자와 명암을 만들어 작품의 깊이를 변화시킨다.

회화를 전공한 송광익 작가는 ‘그리는 것’보다 ‘만드는 것’에 매력을 느끼며 한지를 중심으로 독자적인 조형 언어를 발전시켜 왔다. 전통 재료인 한지를 고정된 방식으로 재현하는 대신, 오랜 시간 하나의 재료와 작업 방식을 지속하며 형태와 구조, 색과 공간의 가능성을 확장해 온 것이다.

이번 전시는 한지가 작가의 손과 시간, 빛과 공간을 만나 하나의 조형적 질서로 변화하는 과정을 보여준다. 개별적인 한지 조각들이 관계를 맺으며 전체를 이루는 과정을 통해 시간과 물질, 몸과 공간의 관계를 사유하게 한다.

1950년생인 송광익 작가는 계명대학교 미술학과와 동 대학원 미술교육과를 졸업하고 일본 규슈산업대학교에서 미술 과정을 수료했다. 1980년 대구 삼보화랑에서 첫 개인전을 시작으로 국내외에서 30여 회의 개인전을 개최했으며, 2006년 이후 대구와 서울, 홍콩, 교토 등에서 ‘Paper Things’ 연작을 지속적으로 발표해 왔다. 2013년 제27회 금복문화상을 수상했으며, 작품은 국립현대미술관 미술은행, 대구미술관, 일본 기타큐슈시립미술관, 구로카와 인 미술관 등에 소장돼 있다.

갤러리 세줄은 오는 8월 20일부터 10월 10일까지 1·2층 전시장에서 차계남의 주요 작품을 선보인다. 이번 전시는 작가의 삶과 작업을 되돌아보는 동시에, 그의 예술이 오늘날 어떤 의미를 갖는지 살펴보는 자리다. 전시는 일요일 휴관한다.

Untitled 5321_026, 81x122x7cm, 2021 ⓒ 작가, 갤러리 세줄 

Untitled 5348_1, Sisal hemp, 75x200x200cm, 2001 ⓒ 작가, 갤러리 세줄 

Untitled 5360_2, Korean ink on Korean paper, 610x244x7cm,2013 ⓒ 작가, 갤러리 세줄

차계남의 예술은 재료의 물성을 넘어 시간과 존재에 대한 사유로 확장된다. 섬유와 사이잘마, 한지와 먹 등 연약한 재료를 반복적으로 염색하고 꼬고 쌓으며 독창적인 조형 세계를 구축했다.

초기 섬유 작업에서는 사이잘마를 염색·압축해 조각적 구조로 발전시켰다. 실과 섬유는 장식적 요소를 넘어 공간을 점유하며 관람자의 신체와 마주하는 독립적인 존재로 변모했다. 특히 작품 속 검정은 종결이 아닌 생성과 가능성을 품은 깊이로 작용하며 삶과 죽음, 존재와 부재, 유와 무를 동시에 담아낸다.

2000년대 이후의 한지와 먹 작업에서도 이러한 태도는 이어졌다. 작가는 한지에 글귀를 적은 뒤 종이를 잘라 실처럼 꼬고, 이를 한 가닥씩 붙이는 반복 행위를 통해 시간을 축적했다. 글자는 형태를 잃으면서도 점과 선의 흔적으로 남아 작가의 기억과 사유를 시각화한다.

차계남은 이러한 작업을 ‘그리려는 욕구를 통제하고 무심의 상태에서 행위 자체에 집중하는 수행’으로 설명했다. 검정과 흰색으로 구성된 화면은 산수의 풍경이자 기억의 지층처럼 관람객에게 다가온다.

이번 전시는 ‘보이지 않는 것은 어떻게 존재하는가’라는 질문을 중심으로 구성된다. 작품의 형태를 넘어 그 안에 축적된 시간과 침묵, 작가의 사유를 경험할 수 있는 자리다.

1953년 대구에서 태어난 차계남은 효성여자대학교 미술과를 졸업하고 교토시립예술대학 대학원에서 수학했다. 1980년대 일본 교토를 중심으로 활동했으며, 1984년 교토 갤러리 마로니에에서 첫 개인전을 열었다. 1992년 오사카 국제조각트리엔날레 은상을 수상하며 국제적인 조형 작가로 주목받았다.

2021년 대구미술관 대구작가시리즈 다티스트(DArtist) 원로부문에 선정돼 대규모 개인전을 개최했으며, 2022년에는 갤러리 세줄에서 25년 만의 서울 개인전을 열었다. 작품은 국립현대미술관, 부산시립미술관, 오사카 국립국제미술관 등에 소장돼 있다.

국제갤러리 부산점이 오는 8월 28일부터 10월 31일까지 태국 출신 작가 코라크릿 아룬나논차이(Korakrit Arunanondchai)의 개인전 《제의를 품은 신체들(Post Ritual Bodies)》을 개최한다.

 코라크릿 아룬나논차이 개인전 《제의를 품은 신체들》 설치전경_ⓒ 작가,국제갤러리 부산

 코라크릿 아룬나논차이 개인전 《제의를 품은 신체들》 설치전경_ⓒ 작가,국제갤러리 부산

아룬나논차이는 지난 10여 년간 회화와 조각, 영상, 퍼포먼스를 넘나들며 신체와 기술, 시간의 경계를 넘어 기억이 어떻게 생성되고 전달되는지 탐구해왔다. 그는 개인과 공동체의 서사를 바탕으로 이미지를 고정된 재현물이 아닌 애착과 상실, 변형이 순환하는 장으로 바라본다.

이번 전시에서 작가는 가족과 그들이 오랫동안 간직해온 애착 인형을 중심으로 사람과 사물 사이에서 발생하는 에너지와 기억의 순환을 시각화한다. 조부모의 마지막 순간을 지킨 토끼 인형부터 작가와 쌍둥이 형제의 어린 시절을 함께한 곰인형 ‘마이클’과 ‘테드’, 조카의 동물 인형 등이 작품의 주요 소재로 등장한다.

작가는 12세기 신비주의자 힐데가르트 폰 빙엔의 개념인 ‘비리디타스(viriditas·만물에 깃든 생명력)’에서 착안해 우주에서 생명체로, 다시 사물로 이어지는 에너지와 애착의 순환을 작품에 담았다.

특히 열화상 카메라로 가족들이 인형을 끌어안는 모습을 촬영해 사람의 체온이 닿은 부분이 밝게 드러나는 순간을 ‘영상 초상화’로 기록했다. 이를 투명 스크린에 투사하고 안료와 폴리머를 덧입혀 새로운 ‘회화적 신체’를 만들어낸다. 영상과 회화, 공간과 신체의 경계가 흐려지면서 작품은 기억의 흔적이자 환영과 유령에 가까운 존재로 변모한다.

전시장에는 태국에서 농작물을 태운 뒤 남은 재를 조각한 바닥 파편도 설치된다. 작가가 직접 쓴 기도문을 새긴 이 작업은 정화와 소생을 상징하는 동시에 최근 태국을 비롯한 지역의 심각한 대기오염 문제를 환기한다. 불은 생명을 변화시키는 힘인 동시에 그 흔적을 남기는 존재로 제시된다.

1986년 태국 방콕에서 태어난 아룬나논차이는 현재 방콕과 뉴욕을 기반으로 활동하고 있다. 로드아일랜드 디자인스쿨(RISD)과 컬럼비아대학교에서 수학했으며, 모마 PS1, 팔레 드 도쿄, 퐁피두센터, 스톡홀름 현대미술관, 아트선재센터 등 세계 주요 미술기관에서 개인전을 개최했다. 베니스·휘트니·광주·이스탄불 비엔날레 등 국제 주요 비엔날레에도 참여했으며, 그의 작품은 휘트니 미술관, 테이트 모던, 퐁피두센터, 루이비통 재단 미술관 등에 소장돼 있다.

김현은 이화여자대학교에서 한국음악을 전공한 뒤 회화로 방향을 전환한 젊은 작가다. 특히 불화의 섬세한 선과 색, 오랜 시간과 집중을 요구하는 제작 과정에 매료되어 용인대학교 대학원 불교미술과에 진학해 전통 불교회화의 도상과 기법을 본격적으로 공부했다. 음악에서 출발해 회화를 거쳐 불교미술에 이른 그의 여정은 이번 전시를 이해하는 중요한 출발점이다.

비람강생상_72.x61_비단에 석채 염료 금_2025 ⓒ 작가, 갤러리 자인제노 

송자관음보살도_65.x107.5_비단에 석채 염료 금_2026 ⓒ 작가, 갤러리 자인제노 

마리지천도_100x54_비단에 석채 금_2024 ⓒ 작가, 갤러리 자인제노 

전시 제목 ‘염리(染理)’​는 ‘물들 염(染)’과 ‘다스릴 리·이치 리(理)’가 만난 말이다. 여기에서 ‘물듦’은 안료가 화면에 스며드는 과정인 동시에 작가가 오랜 시간 불교미술과 전통의 세계에 스며들어가는 시간을 의미한다. 또한 ‘결’은 비단과 나무, 붓과 선에서 드러나는 물질적인 결이면서 작가가 자신의 삶과 작업을 통해 만들어가는 고유한 감각의 결을 뜻한다.

이번 전시에서는 「16나한도」 연작을 비롯해 「마리지천도」, 「비람강생상」, 「아미타독존도」, 「양류관음도」, 「지국천왕」 등 김현의 불교회화 작업을 선보인다. 작품들은 전통 불화의 도상과 제작방식을 바탕으로 하면서도 인물의 표정과 자세, 나무와 바위, 식물과 구름, 반복되는 문양과 세밀한 선을 통해 작가 특유의 조용하고 섬세한 화면을 만들어낸다.

특히 김현의 작품에서 주목할 부분은 음악적 리듬과 회화적 선의 관계다. 한국음악에서 하나의 음은 단순히 고정된 소리가 아니라 밀고 당기고, 떨고 머물며 하나의 호흡을 만든다. 그의 화면에서도 선은 단순한 윤곽선에 머물지 않는다. 가느다란 선이 반복되고 색이 겹쳐지며 문양이 이어지는 과정에서 느리고 지속적인 리듬이 형성된다. 소리를 다루던 감각이 이제 붓끝을 통해 선과 색의 호흡으로 옮겨온 것이다.

작품 속 나한과 불·보살, 천왕 등의 형상 역시 단순한 종교적 도상의 재현을 넘어선다. 때로는 엄숙하고 때로는 인간적인 표정과 몸짓을 통해 수행과 사색, 관계와 고요의 순간을 보여준다. 특히 악기를 들고 있는 「지국천왕」은 한국음악과 불교미술이라는 작가의 두 시간이 한 화면 안에서 만난다는 점에서도 흥미롭다.

김현의 작업은 전통을 그대로 반복하는 데 머물지 않는다. 오랜 시간 선을 긋고 색을 겹쳐 올리는 수행적인 제작 과정 속에서 전통의 형식에 자신의 시간과 감각을 천천히 스며들게 한다. 소리는 사라졌지만 리듬은 남았고, 음악의 호흡은 선과 색으로 옮겨왔다.

《물듦과 결: 염리》는 그렇게 한 젊은 작가가 전통에 물들어가면서도 그 안에서 자신의 새로운 ‘결’을 찾아가는 과정을 보여주는 전시다. 전통의 결 위에 작가의 결이 포개질 때, 오래된 불화는 다시 오늘의 회화로 우리 앞에 모습을 드러낸다.

‘살아 있는 재료’ 얼음으로 시간과 기후의 현재를 보여주다

갤러리한결에서 개인전 《Frozenism: Frozen Portraits and World》을 개최한 성서 작가가 전시의 연장선으로 얼음이 녹는 과정을 통해 시간과 기후의 변화를 보여주는 글로벌 아트 프로젝트 Frozenism(프로즌이즘) 〈TIME ALIVE〉가 서울 반포한강공원과 반포대교 인근에서 진행되고 있다. 지난 16일 시작된 이번 프로젝트는 주말마다 시민들과 만나며 오는 8월30일까지 이어진다. 이후 9월에는 미국 뉴욕 맨해튼으로 무대를 옮길 예정이다.

사회적 아티스트이자 Frozenism 창시자인 성서(Sung Suh) 작가는 얼음을 ‘살아 있는 재료’로 활용한다. 작품은 고정된 형태로 보존되는 것이 아니라 햇빛과 바람, 온도와 습도에 따라 끊임없이 변화하고 녹아 사라진다.

‘Frozenism 〈TIME ALIVE〉’포스터
 

Frozenism에서 작품의 완성은 특정한 한순간이 아니다. 얼음이 만들어지고 변화하며 소멸하는 전 과정이 작품이며, 자연환경 역시 작품의 일부가 된다. 같은 작품이라도 설치된 시간과 날씨에 따라 다른 모습으로 변하기 때문에 관객은 동일한 작품을 두 번 경험할 수 없다.

이번 〈TIME ALIVE〉는 이러한 예술적 실험을 미술관 밖 시민들의 일상으로 확장했다는 점에서 주목된다. 산책과 운동을 위해 한강을 찾은 시민들은 별도의 전시장이나 관람 절차 없이 일상 속에서 서서히 녹아가는 얼음 작품과 마주한다.

작품의 변화는 기후변화가 만들어내는 불확실성과도 맞닿아 있다. 작가가 작품의 형태와 시간을 완전히 통제할 수 없듯, 기온과 햇빛, 바람과 습도에 따라 얼음의 존재 시간도 달라진다.

성서 작가는 “얼음이라는 살아 있는 재료를 통해 우리가 평소 눈으로 볼 수 없는 시간을 보이게 하고 싶었다”며 “작품이 사라진 뒤에도 그 순간이 기억에 남아 자연에 대해 생각하는 계기가 되기를 바란다”고 말했다.

Frozenism에서 작품의 소멸은 끝이 아니다. 물에서 시작된 얼음은 잠시 형태를 얻은 뒤 다시 물로 돌아간다. 생성과 존재, 변화와 소멸, 자연으로의 순환 자체가 작품이 되는 것이다. 물질은 사라지지만 작품을 목격한 사람의 기억은 남는다.

한강 프로젝트에 이어 오는 9월에는 뉴욕 맨해튼에서 〈TIME ALIVE〉가 선보일 예정이다. 한강에서 녹아내리는 얼음은 단순한 환경 예술을 넘어, 자연과 시간, 기억의 관계에 대한 질문을 던진다.

성서는 뉴욕을 기반으로 활동하는 개념예술가이자 사회참여 예술가로, Frozenism 개념예술 프레임워크를 창시했다. 홍익대학교와 School of the Art Institute of Chicago 대학원을 졸업했으며 사진·조각·설치·영상·퍼포먼스·시각커뮤니케이션을 아우르는 다학제적 작업을 이어오고 있다.

2010년 시카고예술대학교 졸업 프로젝트 ‘Frozen’에서 출발한 Frozenism은 ‘Time Alive’라는 철학을 바탕으로 시간과 기억, 보존과 소멸, 변형의 과정을 탐구하는 개념예술 방법론으로 발전했다. 최근에는 기후변화와 환경 위기, 도시 변화 등 동시대 사회의 문제를 기록하는 예술적 프레임워크로 확장되고 있다.

성서 작가는 뉴욕·시카고·보스턴·서울·독일·벨기에·홍콩 등에서 11회의 개인전과 다수의 국제 그룹전 및 큐레토리얼 프로젝트를 진행했다. 홍콩 Art Central 등 국제 전시에 참여했으며, Fred A. Hillbruner Artists, IPA International Photography, CLIO, IDEA IDSA, Red Dot 등 디자인·사진 분야의 국제 시상에서도 작품성을 인정받았다.

작품은 The Henry Ford Museum을 비롯해 School of the Art Institute of Chicago Library, Joan M. Flaxman Library 등 공공·교육기관에 영구 소장돼 있다.

이번 전시에는 한지 위에 펼친 수묵화 대작을 비롯해 캔버스에 구아슈와 아크릴릭으로 작업한 작품, 나무에 실·한지·자개 등을 붙여 완성한 칠화 작품, 22년 동안 땅속에 묻어 숙성시킨 석회 등을 활용한 부온프레스코 벽화 등 40여 점과 화첩이 선보인다. 신작과 구작을 함께 배치해 작가의 작품세계가 어떻게 변화하고 확장돼 왔는지도 살펴볼 수 있다.

Moonlight in Seoul, 91x116.8cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, Gallery PaL

어둠을 뚫는 빛, Indian ink on mulberry paper on canvas, 2026 ⓒ 작가, Gallery PaL

구원의 날개짓, 91x116.8cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, Gallery PaL

이민주 작가가 이번 전시에서 주목하는 것은 ‘진실(The Truth)’에 대한 예술적 탐구다. 중국 송대의 회화가 ‘진(眞)’을 찾는 것을 중요한 목표로 삼았고, 조선시대 18세기에는 실경을 넘어 ‘진경’을 추구했던 것처럼, 작가는 2001년부터 ‘선(線)·선(禪)·선(仙)·선(鮮)’을 주제로 작업하며 자신만의 방식으로 진실에 다가가고 있다.

특히 작가가 말하는 ‘공명필선(共鳴筆線)’은 이번 전시를 관통하는 핵심 개념이다. 이민주는 “공명필선은 정신이며 파장이며 세상과 우주를 연결시키는 매개체”라며, 눈에 보이지 않는 파장이 인간과 자연, 사물 사이에서 서로 교류하고 공명한다고 설명한다. 그의 붓질은 이러한 보이지 않는 관계와 에너지를 화면 위에 드러내는 시도다.

서울미대와 동 대학원을 졸업한 이민주 작가는 예술의전당을 비롯해 국내 주요 미술관과 갤러리에서 개인전을 개최했으며, 독일·스페인·미국·중국·인도 등 해외에서도 작품을 선보여 왔다. 파리 그랑팔레 테일러상, 일본 동경도미술관 국제선면전상 등을 수상했으며, 서울미대·고려대 대학원·경희대 및 대학원에서 강사와 겸임교수를 역임했다. 대한민국미술대전 운영위원 및 심사위원 등으로도 활동했다.

이번 전시는 작가가 오랜 시간 축적해온 작품과 화첩을 통해 ‘보이는 세계 너머의 진실과 공명’을 탐색하는 자리가 될 것으로 기대된다.

붉은달의 기억, Acrylic on Canvas, 50호 ⓒ 작가, 라메르 갤러리 

생명의 합창, Acrylic on Canvas, 50호 ⓒ 작가, 라메르 갤러리

이하영 작가는 기쁨과 설렘, 그리움과 외로움 등 서로 다른 감정이 겹치고 흔들리며 하나의 풍경을 만들어낸다고 바라본다. 작품 속 ‘하늘’ 역시 특정한 자연 풍경이 아니라 각자의 기억과 감정이 투영되는 내면의 공간이다.

특히 아크릴 물감의 선명한 색채와 자유로운 붓의 흔적을 통해 감정의 움직임을 시각화한다. 강렬한 붉음과 검정, 그리고 두 색 사이에서 파생되는 다양한 색채는 내면의 긴장과 생명력, 앞으로 나아가려는 의지를 상징한다.

이하영은 “그림은 정답을 보여주는 일이 아니다”라며 “관람객이 작품을 통해 자신의 기억과 감정을 떠올리고 각자의 하늘을 발견하기를 바란다”고 말한다.

미술평론가 신항섭은 이하영의 작품에 대해 유려한 선과 복합적인 구성, 강렬한 색채가 특징이라고 평가한다. 특히 구상과 추상이 한 화면에서 공존하면서 형태를 자유롭게 변형·왜곡해 독자적인 조형미를 구축하고 있다는 분석이다. 또한 “비정형의 세계와 정면으로 대결하고 있다”며, 자유로운 상상력과 창의성을 바탕으로 기존의 조형적 질서에 얽매이지 않는 담대한 형태미를 보여준다고 평가했다. 

이번 전시 《감정의 하늘》은 비정형적인 형태와 자유로운 구성, 강렬하고 복합적인 색채를 통해 작가의 내면을 새로운 회화적 풍경으로 펼쳐 보이는 전시다. 관람객이 이하영의 ‘감정의 하늘’에서 자신의 기억과 감정을 어떻게 발견할지 관심이 모인다.

Interstice-Pile up & Rub (7-01), 60.6x50cm, Mixed media on canvas, 2026  ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

Mirage-Absence of Ego (3-01), 60.6x50.5cm, Mixed media on canvas, 2026 ⓒ 작가, 화이트스톤 갤러리

1967년 도쿄에서 설립된 화이트스톤갤러리는 일본을 기반으로 아시아 주요 도시에서 동시대 미술을 소개해 온 국제 갤러리이다. 현재 도쿄, 홍콩, 타이베이, 싱가포르, 베이징, 서울 등에서 전시 공간을 운영하며 다양한 예술가들의 작품을 세계 관객에게 소개하고 있다. 화이트스톤 서울에서 개최되는 이번 권순익 개인전은 한국 추상회화의 독자적인 언어와 깊이를 국내외 관객에게 선보이는 의미 있는 자리가 될 것으로 기대된다.

이번 전시 제목 《산에 비친 산, 물에 비친 물》은 권순익이 최근 작업에서 지향하는 태도를 함축한다. 산은 산으로, 물은 물로 존재한다는 제목처럼 작가는 작품을 통해 특정한 의미를 설명하거나 대상을 재현하기보다, 존재 자체가 지닌 감각과 울림을 보여주며 존재를 있는 그대로 바라보려는 시선을 드러낸다.

이번 작업에 대해 작가가 언급한 ‘설명이 필요 없는 그림’이라는 표현 또한 이러한 태도와 맞닿아 있다. 그의 화폭은 어떤 의미를 전달하기 위한 매개체가 아니라 그 자체로 자립해 존재한다. 즉, 작품은 스스로 존재하는 하나의 세계로 관람자 앞에 놓인다.

서울시립미술관 강세윤 학예연구사는 “작가는 화폭에 흑연을 바르고 문지르기를 반복하며 표면을 다진다. 그러면 빛을 머금은 흑연의 표면은 깊이 있는 질감을 조성하고, 손의 움직임은 미세한 결로 남는다. 점을 찍고 흑연을 문지르는 반복은 작가의 기본적인 작업 방식이다. 이런 행위는 작업 과정인 동시에 자신을 비워가는 시간이기도 하다. 권순익이 언급한 가톨릭의 ‘nada’는 그의 작업 태도를 이해할 수 있는 중요한 단서가 된다. 자신을 앞세우기보다 비워낼 때 비로소 더 큰 존재를 마주할 수 있다는 것이다. 이러한 생각은 오랜 반복과 절제된 행위 속에 조용히 스며든다”고 말했다.

권순익은 시간과 존재, 그리고 ‘지금 이 순간’의 의미를 탐구해 온 한국 현대미술 작가이다. 그의 작품은 단순한 추상을 넘어 반복과 축적의 행위를 통해 삶과 시간에 대한 사유를 담아낸다. 작가는 인간이 과거의 기억이나 미래에 대한 불안 속에서 놓치기 쉬운 현재의 가치를 화면 위에 구현하며, 관람자에게 조용한 성찰과 내면의 울림을 전한다.

권순익 작가는 1959년 서울에서 태어나 세종대학교 회화과를 졸업한 후, 한국을 비롯해 북미와 유럽 등지에서 활발한 전시 활동을 이어오고 있는 현대미술 작가이다. 지금까지 80회 이상의 개인전 및 단체전에 참여했으며, 그의 작품은 강릉시립미술관 솔올, 국립현대미술관(한국), 베네수엘라 국립현대미술관(Museo Nacional de Arte Contemporáneo, MAC), 콜롬비아 톨리마 미술관(Museo de Arte del Tolima)을 비롯한 국내외 주요 미술관에 소장되어 있다.

ⓒ 작가, 화이트스톤갤러리

이번 전시는 반세기 넘게 회화와 조각, 설치, 판화, 사진, 영상 등 다양한 매체를 실험해온 이강소의 예술세계를 오늘날의 시선으로 조명한다. 150여 점의 작품을 선보이며, 특히 조각과 판화 작품을 대규모로 구성하고 한국화 형식으로 제작한 신작도 처음 공개한다.

1943년생인 이강소는 1970년대 한국 실험미술의 흐름 속에서 독창적인 작업세계를 구축해왔다. 작품을 완성된 결과물이 아닌 행위와 시간, 공간, 관계가 만들어내는 과정으로 바라보며 ‘생성과 소멸’, ‘행위와 흔적’에 대한 탐구를 지속해왔다.

전시 제목인 ‘일어나고 사라지는’은 작품을 마주하는 순간 새로운 의미가 발생하고 변화하는 작가의 예술관을 함축한다. 즉흥적인 붓질과 행위를 통해 예측할 수 없는 이미지가 만들어지고, 완성된 작품 역시 관객과 만나는 순간마다 새로운 의미를 생성한다는 것이다.

전시는 대표 회화 연작 〈청명〉을 기반으로 제작한 LED 신작으로 시작한다. 거울과 세 폭의 화면을 활용해 실재와 허상의 경계를 탐구하며, 전시 초반에는 이강소의 초기 조각과 드로잉, 회화를 통해 작업의 출발점을 살펴본다. 특히 흙을 던지는 행위와 중력, 재료의 우연한 만남을 활용한 ‘던지기 조각’ 30여 점을 선보인다.

또한 〈바람이 분다〉 연작의 한국화 형식 신작도 최초 공개한다. 화선지와 먹 등 전통 재료를 활용해 기존 회화 작업을 확장한 작품으로, 현재까지 이어지는 작가의 실험정신을 보여준다.

 《이강소:일어나고 사라지는》 전시전경

전시 중반에는 〈청명〉, 〈무제〉, 〈섬에서〉 등 주요 대형 회화 연작 11점을 비롯해 설치, 판화, 사진, 영상 등 다양한 매체의 작품을 선보인다. 1970년대 실험미술을 대표하는 〈여백〉, 〈무제-75031〉, 〈팔진도〉 등도 함께 소개해 작가의 초기 실험과 현재 작업의 연속성을 조명한다.

후반부에는 작업실의 도구와 사진, 기록물을 소개하는 아카이브 존을 마련하고, 천으로 감싼 조각 20여 점을 공개한다. ‘유령조각’으로 불리는 이 작품들은 일부 형상만 드러내며 보이는 것과 보이지 않는 것의 경계를 경험하게 한다.

1973년 첫 개인전에서 선보였던 〈소멸〉도 재현된다. 당시 실제 선술집을 전시장에 옮겨 사람과 공간, 시간의 관계 자체를 작품으로 확장했던 작업으로, 이번 전시에서는 한국의 마당 문화를 반영한 평상 구조물을 마련해 관객이 머물고 대화하는 경험으로 재구성했다.

이강소 작가는 “나의 작업을 관통하는 질문은 결국 ‘예상하지 못한 것을 어떻게 만나는가’였다”며 “관객들이 자신의 경험과 감정에 따라 작품을 자유롭게 바라보고 저마다의 새로운 의미를 발견하기를 바란다”고 말했다.

전시는 기술을 단순한 도구가 아닌 인간의 감각과 사고, 판단에 영향을 미치는 소통의 매체로 바라본다. 백남준의 작업에서는 인간과 기술이 결합해 새로운 경험과 문화를 만들어가는 가능성을 살펴보고, 김류의 작품에서는 인공지능과 공존하는 오늘날 인간이 기술의 결과를 어떻게 믿고 해석해야 하는지를 질문한다.

Kim Ryu, 익명의 몽타주_13개의 단서와 행위자의 산출물, 2026, Mixed media, 220 x 200 x 200 cm

Nam June Paik, 누드 Nude, 1994, Mixed media on canvas, 1TV 76 x 69 cm

전시장에는 백남준의 〈TV 첼로〉를 연상시키는 첼로 오브제와 누드 드로잉, 영상 등이 설치된다. 인간의 신체와 전자매체가 유기적으로 결합하는 모습을 통해 백남준이 바라본 인간과 기술의 관계를 보여준다. 또한 〈TV 부처〉를 통해서는 카메라와 모니터, 불상이 서로를 비추는 순환 구조를 제시하며, 매체가 우리가 바라보는 대상을 어떻게 구성하는지 되묻는다.

김류의 작품 〈환신(幻信)〉은 관객을 따라 움직이는 듯한 화면 속 눈을 통해 기술의 ‘반응’을 인간이 어떻게 믿고 해석하는지를 탐구한다. 신작 〈익명의 몽타주〉에서는 회화와 조각, 생성 이미지와 3D 출력물을 결합해 인공지능이 수많은 정보를 조합하고 결과를 만들어내는 과정을 시각화한다. 서로 다른 결과물과 실시간 생성 이미지를 통해 기술의 결과를 선택하고 판단하는 인간의 역할을 강조한다.

전시 제목인 ‘백색소음’은 익숙해진 기술을 새롭게 감각하고 바라보자는 의미를 담고 있다. 백남준이 기술과 인간의 공생 가능성을 제시했다면, 김류는 인공지능이 일상화된 현재를 통해 기술에 대한 인간의 신뢰와 판단, 책임을 되짚는다.

이번 전시는 기술을 맹신하거나 경계하는 이분법을 넘어, 인간과 기술이 서로 다른 능력을 바탕으로 새로운 관계와 가능성을 만들어갈 수 있는가라는 질문을 관객에게 던진다.

Kiaf SEOUL 2026의 ‘청담 Night’와 연계한 이번 전시는 예술을 보다 자유롭고 즐겁게 경험하는 방식을 제안한다. 밤이 되면 익숙한 공간도 조금 다른 분위기를 갖는다. 빛과 음악, 사람들의 움직임이 더해지고 작품 역시 낮과는 다른 표정을 드러낸다. 낮에는 작품을 정보 중심으로 바라본다면, 밤에는 주변의 분위기와 사람들의 움직임이 더해지면서 작품이 또 다른 감각으로 다가온다.

이번 전시는 밤이라는 시간과 청담이라는 장소를 배경으로 작품과 공간, 음악과 라이프스타일이 자연스럽게 어우러지며, 관객이 예술을 새로운 시선으로 마주하는 자리를 마련한다.

미국의 철학자 존 듀이(John Dewey)는 『경험으로서의 예술(Art as Experience)』에서 예술을 삶과 분리된 대상으로 보기보다, 인간과 환경이 관계를 맺고 상호작용하는 과정에서 이루어지는 하나의 경험으로 바라보았다. 작품을 둘러싼 공간과 시간, 감각과 움직임 역시 예술을 구성하는 중요한 요소가 된다.

이러한 관점에서 이번 전시는 작품을 바라보는 행위에만 머무르지 않고, 작품과 공간, 관객과 분위기가 어우러지며 만들어내는 확장된 예술 경험에 주목한다.

서유라는 한남대학교 조형예술대학 회화과를 졸업한 후, 동 대학원 미술학과 서양화전공으로 석사학위를 취득했다. 작가는 책과 텍스트를 회화의 언어로 전환하며, 읽는 대상으로서의 텍스트를 보는 이미지로 확장한다. 화면에 밀도 있게 쌓인 책들은 인간의 역사와 기억, 사회의 시간을 담아내는 이미지로 기능한다. 책과 텍스트는 회화적 재현을 통해 본래의 의미와 기능에서 벗어나 새로운 시각적 경험으로 관객을 이끈다.

 정인지, 〈Eye to eye〉, 분채, 아크릴 미디엄, 40×400cm, 2026

정인지는 홍익대학교 미술대학에서 시각디자인을 전공하고, 영국 왕립예술대학(RCA)에서 시각디자인 전공으로 석사학위를 취득했다. 그는 텍스트와 픽셀, 빛을 활용해 이미지와 공간의 관계를 탐구하며, 시각적 요소를 해체하고 재구성하는 작업을 전개하고 있다.

중첩된 텍스트는 하나의 이미지로 변환되고, 확대와 축소, 재배치를 거친 픽셀은 색과 리듬으로 새롭게 변주된다. 이러한 시각적 구조는 설치 작업을 통해 공간으로 확장되며, 빛과 색의 변화는 관객의 시선을 유도하고 새로운 감각을 환기한다.

 YEKKI, 〈Dream series set〉, Eco-board, table 45×48.5×60cm, lighting 34×34×145cm, chair 40×50×82cm, 2024

YEKKI로 활동하는 최예찬은 서울과학기술대학교 산업디자인과를 졸업한 후, 동 대학원 산업디자인과에서 석사학위를 취득했다. 작가는 다중 시점과 과감한 스케일의 왜곡을 통해 일상의 사물과 장면을 재구성하며, 현실과 상상이 교차하는 낯선 공간을 만들어낸다.

꿈속에서 경험하는 듯한 공간을 바탕으로 가구와 조명 등 익숙한 사물은 본래의 크기와 기능에서 벗어나 확대되고 변형된다. 강렬한 색채와 비현실적인 공간 구성은 현실과 상상의 경계를 흐리며, 관객으로 하여금 새로운 방식으로 공간을 경험하게 한다.

서로 다른 매체와 표현 방식을 사용하는 세 작가의 작업은 익숙한 것을 새로운 시선으로 바라보게 한다는 점에서 만난다. 관객은 작품 속에서 자신이 알고 있던 이미지와 사물을 발견하는 동시에, 작가의 시선을 통해 새롭게 전환된 또 다른 모습을 마주하게 된다.

《After Hours: 밤이 되면 달라지는 감각》은 미술과 음악, 공간과 라이프스타일이 자연스럽게 만나는 자리이다. 밤이 된 갤러리에서 작품을 보고, 음악을 듣고, 공간을 거닐며 사람들과 이야기를 나누는 시간. 익숙한 것들에 새로운 감각을 더하는 순간, 그렇게 예술은 우리의 삶 가까이에서 다시 경험된다.

유키마사 이다는 일본 다도 문화의 핵심 개념인 ‘이치고 이치에(一期一会)’, 즉 일생에 단 한 번뿐인 만남과 순간의 가치를 바탕으로 회화를 이어오고 있다. 작가는 다시 돌아오지 않는 순간을 화면에 붙잡으며, 시간이 흐르면서 희미해지는 기억과 그 과정에서 남겨지는 흔적을 탐구한다.

그의 작품에서 기억은 과거를 단순히 재현하는 것이 아니다. 경험한 순간이 시간에 따라 변형되고 소멸하는 과정 자체가 중요한 조형적 소재가 된다. 이를 통해 작가는 ‘무엇을 기억하는가’를 넘어 ‘기억은 어떻게 형성되고 사라지는가’라는 질문을 던진다.

서울 전시 《See You Tomorrow》는 개인의 기억과 관계, 만남과 이별을 중심으로 순간의 의미를 풀어낸다. ‘내일 다시 만나자’는 인사처럼 지속될 것 같은 관계 속에서도 현재의 순간은 결코 되돌아오지 않는다는 시간의 양면성을 회화로 표현한다.

대구 전시 《Inner Garden》은 보다 내면적인 사유에 초점을 맞춘다. 개인의 기억과 경험에서 출발한 작가의 관심은 회화의 역사와 이미지의 본질에 대한 탐구로 확장된다. 화면에 축적된 형상과 색, 흔적은 고정된 이미지를 제시하기보다 끊임없이 변화하는 지각의 과정을 환기한다.

이번 서울·대구 동시 전시는 유키마사 이다가 기억과 관계에서 출발해 시간과 지각, 이미지, 미술사적 사유로 확장해온 작업 세계를 살펴볼 수 있는 자리다.

우손갤러리는 “관람객들이 작품을 단순한 시각적 이미지로 감상하는 데 그치지 않고, 한 번 지나가면 돌아오지 않는 순간과 그것을 기억하는 인간의 방식에 대해 생각해보는 시간이 되길 기대한다”고 밝혔다.

한편 유키마사 이다의 한국 첫 개인전 《See You Tomorrow》와 《Inner Garden》은 8월 27일부터 10월 31일까지 서울과 대구 우손갤러리에서 각각 진행된다.

이번 전시는 매년 월간민화가 선정하는 최우수 작가에게 수여하는 ‘오늘의 작가상’ 수상자에게 부상으로 주어지는 갤러리 초대전이라는 점에서 특별한 의미를 갖는다.

김강미 개인전 《시공산책: 사유의 층》전시전경

김강미 개인전 《시공산책: 사유의 층》전시전경

월간민화 어워즈 수상은 작가에게 영예인 동시에 새로운 작업을 보여줘야 한다는 책임감으로 다가온다. 김강미 작가는 이러한 기대에 부응해 이번 전시에서 처음으로 설치작업을 선보이며 기존 작업세계를 공간으로 확장한다.

그동안 김강미 작가는 담담한 백토와 수묵을 바탕으로 전통 책가도를 현대적으로 해석하며 독창적인 조형세계를 구축해 왔다. 이번 전시에서는 회화에 머물지 않고 작품과 공간, 관람객의 동선을 연결해 새로운 감상 경험을 제시한다.

전시 제목인 ‘시공산책: 사유의 층’은 관람객이 작품 사이를 천천히 거닐며 시간이 만들어낸 층위와 작품 사이에서 형성되는 사유의 경험을 의미한다. 작품을 바라보는 데 그치지 않고 공간 속을 직접 이동하며 작품과 관계를 맺도록 구성한 것이 특징이다.

특히 백토와 백자, 대숲의 회화적 이미지는 이번 전시에서 중요한 요소로 등장한다. 흰색의 여백과 대숲의 고요한 이미지가 어우러져 한여름의 무더위 속에서 시각적 청량감과 정신적인 휴식을 선사할 것으로 기대된다.

이번 전시는 전통 책가도의 현대적 해석에서 출발한 김강미의 작업이 회화에서 공간으로 확장되는 첫 번째 시도라는 점에서도 주목된다.

한편 오프닝 리셉션은 8월 22일 오후 4시 오매갤러리에서 열린다. 이날 행사에는 정순혁의 축하공연과 서용석류 대금산조가 마련된다.

이번 전시는 시간이 흐르며 희미해지고 변형되는 기억을 회화적 언어로 풀어낸 작품들을 선보인다. 작가는 기억을 고정된 과거의 기록이 아니라, 끊임없이 생성되고 변화하는 감각으로 바라본다.

작가는 “우리가 기억하는 것은 언제나 선명하지 않다”며 “기억은 시간 속에서 흐려지고, 덧입혀지고, 사라지는 듯하다가도 어느 순간 빛처럼 다시 모습을 드러낸다”고 말한다. 이러한 기억의 흐름은 화면 위 반복되는 붓질과 색채의 중첩으로 표현된다.

특히 작품 속 촛불은 중요한 상징이다. 촛불은 단순히 어둠을 밝히는 빛이 아니라, 인간의 내면과 기억 속에 존재하는 보이지 않는 세계를 비추는 매개체다.

화면에 겹겹이 쌓인 붓질과 색채는 시간이 남긴 흔적을 보여준다. 서로 다른 색은 스며들고 겹쳐지며 기억의 생성과 변형 과정을 드러낸다. 완성된 풍경 역시 현실의 특정 장소가 아닌, 작가의 내면 깊숙한 곳에 자리한 몽상과 기억의 공간으로 확장된다.

작가는 이번 전시를 통해 눈에 보이는 풍경보다 눈에 보이지 않는 감각과 시간의 흔적에 주목한다. 하나의 촛불은 수많은 기억과 연결되고, 하나의 기억은 다시 새로운 세계를 만들어낸다.

작가는 “나의 회화는 기억을 붙잡기 위한 기록이 아니라, 기억이 끊임없이 태어나는 순간을 바라보는 일”이라며 “그 작은 불꽃이 오늘도 새로운 세계를 조용히 비추고 있다”고 말한다.

이번 전시는 관람객에게 각자의 기억 속에 남아 있는 장면과 감정을 떠올리게 하며, 빛과 색채를 통해 기억과 시간, 내면의 풍경이 만들어내는 새로운 세계를 마주한다.

정재규는 사진을 단순한 기록과 재현의 매체가 아닌, 시간과 공간을 새롭게 구성하는 독립적인 조형언어로 탐구해 온 작가다. 이번 전시에서는 작가의 대표적인 작업 방식인 ‘사진-올짜기(Photo-Weaving)’를 중심으로 사진 이미지와 종이, 포장지 등을 가로와 세로로 잘라 서로 교차시킨 작품들을 선보인다.

정재규, New York City 1 (Piet Mondrian), , 2024, photokraft paper on cardboard, weaving, 80x60cm

 New York City 1 (Piet Mondrian), 2024, photokraft paper on cardboard, weaving, 80x60cm

‘올짜기’는 사진을 가늘고 길게 자른 뒤 다른 재료와 씨실과 날실처럼 반복적으로 교차시키는 수공적 작업이다. 하나의 완결된 사진 이미지는 이 과정에서 해체되고, 가려짐과 드러남을 반복하며 새로운 이미지로 재구성된다.

작가에게 이러한 작업은 단순한 기법을 넘어선다. 과거의 흔적을 담은 사진과 현재의 물질이 만나고, 서로 다른 시간과 공간이 하나의 화면 안에서 교차하는 과정이다. 사진의 고정된 시간과 종이라는 물질은 작가의 반복적인 손의 행위를 통해 새로운 시공간으로 다시 태어난다.

정재규는 사진과 회화를 결합한 콜라주를 통해 추상적이고 입체적인 화면을 만들어 왔다. 장시간 노출과 다중촬영, 사진을 가늘게 잘라 직물을 짜듯 직조하는 방식 등을 통해 서로 다른 시간의 층위를 한 화면에 공존시킨다.

특히 사진이라는 기계적 이미지에 아날로그적인 수작업을 결합함으로써 기계와 인간, 이미지와 물질, 과거와 현재의 관계를 새롭게 탐구한다. 이를 통해 인간의 시지각이 쉽게 포착하지 못하는 시간과 공간의 영역을 시각적으로 드러낸다.

미술비평가이자 조형예술학박사인 서길헌은 정재규의 작업에 대해 “사진을 복제 기능으로서의 단순한 기록 매체를 넘어 인간과 세계 사이의 숨은 균형을 찾아내는 도구로 활용해 왔다”고 평가한다.

이번 《PHOTO-WEAVING》은 사진과 회화, 이미지와 물질의 경계를 넘나드는 정재규의 독창적인 조형세계를 살펴볼 수 있는 자리다. 익숙한 사진을 해체하고 다시 짜는 과정을 통해 관객에게 새로운 시공간의 경험을 제시할 것으로 기대된다.

한편 8월 25일(화) 오후 3시에는 ‘아트토크-서길헌 박사의 작품읽기’가 진행된다. 작가의 작업 방식과 작품세계를 보다 깊이 이해할 수 있는 자리로 마련될 예정이다.

  ⓒ 작가, 갤러리한결  

손윤석 개인전 《내면의 색채: 공간의 경계》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결 

손윤석 개인전 《내면의 색채: 공간의 경계》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결  

이번 전시는 인간의 내면을 상징하는 '항아리'를 중심으로 내면의 색채에서 한 걸음 더 나아가 공간과 경계를 탐구한 신작들을 선보인다. 작가에게 항아리는 단순한 사물이 아니라 기억과 감정, 시간, 삶의 흔적을 담는 인간 존재의 상징이다.

작품 속 항아리는 정적인 오브제를 넘어 풍경이 되고 하늘과 바다를 품으며, 평면에서 실제 공간으로 확장된다. 관람객은 현실과 비현실, 내부와 외부가 만나는 새로운 공간을 경험하게 된다.

손윤석 작가는 "회화는 이미지를 재현하는 것이 아니라 공간을 만드는 예술"이라며 "항아리를 통해 인간 내면의 무한한 공간과 존재의 가능성을 표현하고자 했다"고 밝혔다.

홍익대학교 미술대학 서양화과를 졸업한 손 작가는, 동남아시아미술협회장과 한국미술협회 베트남지회장, 한국예총 문화예술원 서양화과 교수 등을 맡아 국내외 미술 교류에 힘쓰고 있다. 

이번 전시는 항아리를 매개로 인간의 내면과 공간의 의미를 새롭게 조명하며, 손윤석 작가의 확장된 회화 세계를 만나볼 수 있는 자리가 될 전망이다.

궁금한 건 참을 수 없거든,  I can't help being curious, 2026, acrylic on canvas, 116.8x91cm ⓒ 작가, mgfs100

배트맨이 되고 싶었던 게 아니었니? Wasn;t your dream to become Batman?,  2026

acrylic on canvas, 145.5x112.1cm  ⓒ 작가, mgfs100

이번 전시는 일상에서 흔히 사용하는 ‘어쩌다’라는 말에 주목한다. 작가는 우연처럼 보이는 만남과 사건이 시간이 지나면서 인연으로 해석되고, 반복되면서 필연처럼 받아들여지는 과정을 통해 인간의 관계와 기억, 진실에 대한 질문을 던진다.

‘어쩌다 마주침’은 단순한 우연한 만남이 아니다. 서로의 모든 것을 알지 못한 채 낯선 한 부분만 마주하고도 그것을 인연이라 부르는 인간의 심리를 들여다본다. 작가는 완전한 이해보다 서로를 충분히 알지 못하기 때문에 가능한 만남의 순간에 주목한다.

전시장에 등장하는 인물들은 좀처럼 얼굴을 드러내지 않는다. 종이봉투나 미키마우스 가면으로 얼굴을 가리거나 등을 돌린 채 뒷모습만 보여준다. 이러한 익명성은 현대인이 사회 속에서 자신의 감정과 정체성을 보호하기 위해 사용하는 ‘사회적 가면’을 상징한다.

그러나 얼굴을 가리는 행위는 단순한 은폐가 아니다. 오히려 감춰진 모습을 통해 자신을 드러내는 일종의 ‘자백’에 가깝다. 표정과 정체성이 지워진 인물들은 관람객이 자신의 경험과 상상으로 작품의 빈자리를 채울 수 있도록 한다.

결국 작품에서 중요한 것은 ‘누구를 보았는가’보다 ‘어떻게 마주하게 되었는가’이다. 작가는 진실이 특정한 대상이 아니라 서로 다른 존재가 우연히 충돌하고 겹쳐지는 ‘마주침’이라는 사건 속에 있다고 말한다.

  ⓒ 작가, mgfs100 

'행복을 전달하는 화가'로 잘 알려진 김덕기는 서울대학교 동양화과를 졸업한 뒤 가족과 자연, 여행에서 마주한 풍경과 일상의 소중한 순간들을 특유의 따뜻하고 화려한 색채로 표현해 왔다. 화면을 가득 채우는 수많은 점과 선은 단순한 풍경의 재현을 넘어 기억과 감정, 삶의 온기를 시각화하며 관람객에게 위로와 행복의 감정을 전한다.

 알부페이라-붉은 절벽과 소나무 숲이 보이는 풍경,Acrylic on Canvas, 112.1 × 162.2cm, 2024 ⓒ 작가, 노화랑 

 볼프강 호수의 여름, Acrylic on Canvas, 53 x 72.7cm, 2026 ​ ⓒ 작가, 노화랑 

센트럴 파크의 휴일-보트 연못가의 사람들, Acrylic on canvas,  91 x 116.8cm, 2026​ ​ ⓒ 작가, 노화랑 

1998년 첫 개인전을 시작으로 포스코미술관, 현대화랑, 소울아트스페이스 등 국내 주요 미술관과 갤러리에서 다수의 개인전을 개최한 김덕기는 최근 아이패드 드로잉과 NFT 등 새로운 매체를 적극적으로 활용하며 작품 세계를 확장하고 있다. 그의 작품은 국립현대미술관과 서울시립미술관을 비롯해 아랍에미리트 아부다비의 사라마 빈트 함단 알 나얀 재단 등 국내외 주요 기관에 소장돼 있다.

작가는 이번 전시를 통해 자신의 대표적인 주제인 '가족'의 의미를 한층 확장한다. 혈연으로 이루어진 공동체를 넘어 여행지에서 만난 사람들과 풍경, 함께 시간을 나누는 모든 존재를 삶의 또 다른 가족으로 바라보며, 여행 속에서 발견한 이상적인 풍경과 행복의 순간을 화폭에 담았다. 익숙한 일상과 낯선 공간이 교차하는 풍경은 작가가 간직한 따뜻한 기억과 감정을 품고 있으며, 관람객에게도 저마다의 행복했던 시간을 떠올리게 한다.

김덕기는 자신의 작업에 대해 "실제 풍경을 그대로 재현하기보다 그날의 빛과 공기, 그리고 마음속에 오래 남은 감정을 화면 위에 다시 그려낸다"며 "점을 하나하나 쌓아 올리는 과정은 행복했던 기억을 되새기는 시간이기도 하다. 작은 색점들이 모여 하나의 풍경을 이루듯 우리의 소소한 일상과 따뜻한 인연들이 모여 삶을 더욱 아름답게 만든다고 믿는다"고 말했다.

김덕기 회화의 가장 큰 특징은 화면을 촘촘하게 메우는 독창적인 점과 색채 표현이다. 점묘법을 연상시키지만 전통적인 기법과는 차별화된 자신만의 회화 언어를 구축해 화면에 풍부한 리듬감과 생명력을 부여한다. 섬세하게 축적된 붓질은 빛의 흐름과 공간의 공기를 자연스럽게 구현하며, 수많은 색점이 어우러져 맑고 투명한 색감을 완성한다. 오랜 시간 이어온 색채 연구를 바탕으로 밝고 따뜻한 색의 조화를 이뤄낸 그의 작품은 희망과 행복의 정서를 한층 깊이 전달한다.

노화랑은 "《Where Lights Linger》는 단순히 풍경을 그린 전시가 아니라 삶 속에 오래 머무는 빛과 기억, 그리고 사람 사이의 따뜻한 관계를 이야기하는 전시"라며 "김덕기의 화면 위에 켜켜이 쌓인 수많은 색점들은 우리 모두의 행복했던 순간을 비추는 작은 빛이 되어 관람객에게 잔잔한 위로와 깊은 여운을 선사할 것"이라고 밝혔다.

이번 전시는 ‘회화’와 ‘도자’라는 서로 다른 매체를 통해 독창적인 조형 언어를 구축해 온 두 작가의 작업을 통해 2차원의 평면성과 3차원의 공간성이 교차하고 전복되는 지점을 탐색한다.

ⓒ 작가, CLart galler

신동원,  cups & saucer, , Porcelain, 18x31x3cm, 2026 ⓒ 작가, CLart galler

김용관, Parallax Viewpoint, , Acrylic on canvas, 28x28cm, 2024 ⓒ 작가, CLart galler
 

전시 제목 ‘Flat-Dynamic’은 평면(Flat)과 입체(Dynamic)의 경계를 뒤집어 바라본다는 의미를 담고 있다. 무겁고 단단한 도자는 회화적 평면으로 스며들고, 평평한 캔버스는 가상의 공간으로 확장되면서 관람객에게 익숙한 차원의 감각을 새롭게 환기한다.

김용관 작가는 캔버스 위에 기하학적 형태를 반복하고 교차시키며 현실에 존재하지 않는 가상의 공간을 만들어낸다. 원근법이나 사실적인 그림자 표현을 최소화한 형태들은 오히려 묘한 깊이감을 만들어내며, 평면을 끊임없이 움직이는 듯한 생동감 있는 공간으로 변화시킨다.

김용관 작가는 홍익대학교에서 판화를 전공한 뒤 국립현대미술관과 서울시립미술관 등의 레지던시를 거쳤으며, 어린이 박물관과 미술관 등 다양한 전시 공간 설계에도 참여하며 활동 영역을 넓혀왔다.

신동원 작가는 흙이라는 무겁고 입체적인 도자 매체를 회화적으로 재해석한다. 그의 도자 오브제는 벽면을 따라 드로잉하듯 설치되며, 3차원의 물성을 지니면서도 평면 안으로 스며드는 ‘얇아진 입체’의 미학을 보여준다. 서로 다른 형태의 도자 오브제들이 벽면 위에 함께 자리하면서 각각의 사물이 이야기를 품은 듯한 독특한 장면을 연출한다. 

신동원 작가는 홍익대학교와 미국 크랜브룩 아카데미 오브 아트를 졸업했으며, 국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 아모레퍼시픽미술관, 미국 존 마이클 콜러 아트센터 등 국내외 주요 기관에 작품이 소장되어 있다.

《차원의 경계: Flat-Dynamic》은 서로 다른 방향에서 출발한 두 작가의 작업이 ‘차원’이라는 고정된 틀을 넘어 새로운 공간과 시각적 가능성을 제시한다는 점에서 만난다.

김용관이 평면 안에서 공간을 확장한다면, 신동원은 입체를 평면으로 끌어들이며 공간적 부피를 축소한다. 이를 통해 관람객은 회화와 도자의 경계를 넘어 평면과 입체가 서로 변환되는 새로운 시각적 경험을 만나게 된다.

한편 이번 전시는 8월 19일부터 9월 12일까지 씨엘아트 갤러리에서 개최되며 예약제로 운영된다. 관람을 원하는 경우 네이버 예약 서비스를 이용하면 된다.

이번 전시는 ‘오래 바라본다’는 행위가 우리의 감각과 기억, 세계를 인식하는 방식에 어떤 변화를 만들어내는지 조명한다. 세 작가는 풍경과 생명, 일상이라는 서로 다른 대상을 바라보지만, 단순한 재현에 머물지 않고 오랜 시선 속에서 발견한 감정과 시간, 존재의 흔적을 화면에 담아낸다.

 ⓒ 작가, 히든엠갤러리

이지우, 틈, Oil on canvas, 80.3X65cm, 2026 ⓒ 작가, 히든엠갤러리

홍수정, 잔향 Resonance, Oil on canvas, 53.0x45.5cm, 2026  ⓒ 작가, 히든엠갤러리

 황호석, voyage, Oil on canvas, 112x112cm, 2026  ⓒ 작가, 히든엠갤러리

우리는 매일 수많은 장면을 바라보지만 모든 풍경이 기억에 남는 것은 아니다. 어떤 장면은 스쳐 지나가지만, 어떤 순간은 오랫동안 마음속에 머물며 삶의 일부가 된다. 《내게 머문 시선》은 바로 이러한 시선의 지속성과 그 안에서 형성되는 감각과 기억에 주목한다.

이지우 작가는 특별한 장소나 사건보다 일상 속에서 오래 머문 장면을 바라본다. 책과 의자, 창가의 빛, 구름 그림자, 촛농 등 평범한 순간들은 작가의 시선을 거치며 하나의 감각과 기억으로 변한다. 작가는 오랜 시간 바라본 풍경이 어느 순간 얼굴처럼 표정을 갖게 된다고 말하며, 그 미묘한 감정의 기색을 ‘낯빛’이라 부른다. 쓸쓸함과 설렘, 애틋함 등의 감정은 빛과 색의 층으로 응축된다. 굵은 입자의 안료와 오일, 물감을 겹겹이 쌓고 지우는 작업 방식은 기억과 시간이 축적되는 과정을 보여준다. 화면의 요철과 흔적은 말로 기록되지 않은 하루의 감각을 담아내며, 풍경은 외부의 대상이 아닌 세계와 자신이 만나는 내면의 풍경으로 변화한다.

홍수정 작가는 삶을 생성과 소멸이 반복되는 순환으로 바라본다. 화면에 먼저 붉은 아크릴층을 남긴 뒤 차분한 색조의 유화를 덮어 잠재된 생명의 에너지를 감춘다. 이후 유화가 굳기 전 니들로 화면을 긁고 파내면서 아래에 있던 붉은 색층을 다시 드러낸다. 이는 감춰진 생명력을 밖으로 끌어내는 동시에 상처를 마주하고 치유하는 과정이기도 하다. 화면 위에 반복적으로 쌓이는 가느다란 선들은 상처를 메우는 대신 새로운 생명의 흐름을 만들어낸다. 홍수정의 회화는 보이지 않는 에너지와 생명의 움직임을 드러내며, 상처를 통과해 다시 생명이 피어나는 시간을 기록한다.

황호석 작가는 가족과 친구, 작업실과 집을 오가는 반복적인 일상 속 장면을 오래 바라본다. 빠르게 소비되는 이미지가 넘쳐나는 시대에 작가는 그중 오래 마음에 남은 순간들을 선택해 회화로 다시 바라본다. 사진으로 기록된 장면은 회화를 통해 새로운 시간의 밀도를 얻는다. 화면에는 특별한 사건보다 당시의 공기와 감정, 관계의 온도가 스며든다. 작가는 특별한 순간이 아니라 너무 가까이 있어 오히려 보지 못했던 것들을 붙잡는다. 그의 작업은 익숙한 일상 속에 숨어 있던 소중함을 발견하고, 잊혀가는 삶의 감각을 현재로 되돌려 놓는다.

세 작가는 서로 다른 세계를 바라보지만, 그들의 시선은 결국 하나의 지점에서 만난다. 오래 머문 시선은 대상을 소비하는 대신 그 안에 숨어 있던 감정과 생명, 시간을 발견한다.

《내게 머문 시선》은 무엇을 바라보며 살아가는지, 그리고 무엇이 우리 안에 오래 머물러 삶의 일부가 되는지를 되묻는 전시다. 관람객들은 세 작가의 작품을 통해 무심코 지나쳤던 풍경과 관계, 일상의 순간들을 새로운 시선으로 다시 마주하게 될 것으로 기대된다.

김해미, 두번 닫은 문, 2026  

김해미, 두번 닫은 문, 2026 

김해미, 쪽지-8, 2026  

전시의 출발점이 된 작업은 작가가 어린 시절 살았던 집으로 향하는 골목을 점묘 방식으로 그린 드로잉이다. 작업을 시작할 당시의 기대감은 시간이 지나며 점차 사라졌고, 당시 촬영했던 사진까지 잃어버리면서 드로잉은 완성되지 못한 채 남았다.

작가는 이번 전시에서 과거를 복원하거나 특정 장소를 재현하기보다 시간이 사물과 공간에 남기는 흔적과 변화의 과정에 주목한다.

전시 제목 《검은 거미》는 현재 살고 있는 집에서 마주한 집거미에서 비롯됐다. 사람의 손길이 닿지 않는 곳에 집을 짓고 주변 환경이 바뀌면 새로운 곳으로 이동하는 집거미처럼, 작가는 ‘집’을 고정된 장소가 아닌 끊임없이 변화하는 상태로 바라본다.

전시장에는 이사를 준비하는 작은 가구와 상자들이 놓인 집 형태의 구조물, 집으로 돌아가는 길의 풍경을 기록한 문장을 새긴 도자 작업, 양팔로 무릎을 감싸 안은 인물 조각 등이 설치된다.

특히 인물 조각은 작가가 처음으로 직접적인 인체 형상을 제시한 작업이다. 특정 인물을 재현하기보다 머무름과 이동 사이에 놓인 하나의 상태를 표현한다.

집과 길, 몸과 사물은 모두 이동과 정착, 머묾과 떠남 사이의 시간을 담아낸다. 《검은 거미》는 완성되지 않은 기억과 변화하는 공간을 통해 우리가 ‘집’과 ‘기억’을 어떻게 경험하고 있는지를 조용히 되묻는 전시다.

한.일 작가 7인  <평화를 잇다 (Bridging Peae)> 

이번 전시는 한국작가 4명 윤귀섭, 이선주, 이재순, 조미영과 일본작가 3명 미키 쇼코, 스가야 토모코, 하야시 에리코 총 7명의 작가가 참여하여 회화와 도예, 유리, 설치 등 다양한 조형언어를 통해 문화와 예술의 교류를 선보인다. 

<평화를 잇다>는 20여년간 국경과 언어를 넘어 작품으로 공감하고 소통하며 교류해온 평화를 이어가고자 하는 전시로, 작가들이 작품을 통해 자연과 인간에 대한 사랑과 평화와 우정을 함께 나누는 자리이다. 

참여작가들은 자연, 삶의 기억, 인간과의 관계 등 각자의 시선으로 바라본 세계를 작품에 담아 관람객에게 따뜻한 감성과 예술적 경험을 전한다. 전시 오프닝은 8월 12일 오후 2시에 진행되며, 작가들의 작품소개와 아마빌레 앙상블의 평화를 기원하는 축하연주로 전시의 의미를 더할 예정이다. 

이번 교류전의 한.일 양국 작가들의 지속적인 문화 교류와 예술적 연대를 위한 의미 있는 만남으로, 예술이 만들어가는 평화와 화합의 가치를 보여줄 것으로 기대된다.

한국도자재단이 ‘2026 경기도자비엔날레(GCB) 국제공모전’ 최종 수상작 58점을 발표하고, 대상에 독일 작가 데이비드 라우어(David Lauer)의 〈펀치카드 하우스(Lochkartenhaus)〉를 선정했다.

세계 도예가들의 창작 역량을 조명하고 역량 있는 신진 작가를 발굴하기 위해 마련된 경기도자비엔날레 국제공모전에는 올해 전 세계 77개국에서 1,050명의 작가가 참여해 총 1,397점을 출품했다. 국제적인 규모와 높은 참여율을 통해 동시대 도자예술에 대한 세계 작가들의 관심을 다시 한번 확인했다.

2026 경기도자비엔날레 국제공모전 GCB대상, 데이비드 라우어, 펀치카드 하우스(Lochkartenhaus) ⓒ 작가, 한국도자재단 

2026 경기도자비엔날레 국제공모전 GCB우수상, 곽윤지, 잔존 ⓒ 작가, 한국도자재단   

한국도자재단은 심사의 전문성과 공정성을 확보하기 위해 국내외 도예·미술 분야 전문가 10명으로 심사위원단을 구성했다. 특히 심사가 종료될 때까지 심사위원 명단을 비공개로 운영하며 객관적인 심사를 진행했다.

1차 온라인 심사에는 이영미 홍익대학교 교수, 전주희 한국공예·디자인문화진흥원(KCDF) 공예진흥본부장, 킴 모휘니 북아일랜드 국립박물관 수석 큐레이터, 맷 켈러허 알프레드대학교 교수, 장징징 경덕진도자대학 교수가 참여했다.

이어 진행된 2차 현장 심사에는 현대도예 작가 신상호, 엘리자베스 아그로 미국 필라델피아미술관 큐레이터, 장 블랑사르트 2018년 베네치아 ‘호모 파베르’ 전시 큐레이터, 이시자키 야스유키 기후현대도자미술관 관장, 장칭위엔 국립타이난예술대학 교수가 참여해 출품작의 실물을 직접 심사했다.

심사는 1차 온라인 심사와 2차 현장 실물 심사를 거쳐 진행됐으며, 최종적으로 ▲GCB대상 1점 ▲GCB우수상 9점 ▲GCB특별상 5점 ▲GCB상 43점 등 총 58점이 수상작으로 결정됐다.

심사위원들은 작품의 독창성, 도예 고유의 정체성, 작가가 환경과 사회에 반응하는 방식과 작품을 통해 전달하는 메시지를 주요 심사 기준으로 삼았다.

특히 대상작인 데이비드 라우어의 〈펀치카드 하우스〉에 대해서는 “흙과 유약이라는 도예 특유의 매체성이 잘 드러난 작품으로, 고난도의 대형 작품 제작 기술과 작가가 전달하고자 한 메시지가 조화롭게 구현됐다”고 평가했다.

GCB우수상에는 국내외 작가 9명이 이름을 올렸다.

▲곽윤지(한국) 〈잔존〉
▲이은영(한국) 〈메타-바이오스피어〉
▲더 그립스(무하메토프 마라트·러시아, 율리아 바티로바·투르크메니스탄) 〈다시는 눈이 쌓이지 않을 거야〉
▲렁 칭만 캘리스(홍콩) 〈뼈 사이의 몸을 찾아내기〉
▲목 호이칭(홍콩) 〈비정형 결정: 피나카이트 #8〉
▲멜리스 부이룩(튀르키예) 〈블루밍 카펫〉
▲아오키 히로시(일본) 〈대지의 씨앗〉
▲엘리자 아우(미국) 〈신성함을 공간화하기〉
▲유리 무사토프(우크라이나) 〈흉상을 넘어서는 흉상〉 등이다.

GCB특별상에는 ▲변지원(한국) 〈임시정원〉 ▲강소청(중국) 〈산 너머의 산〉 ▲라우 얏와이(홍콩) 〈침묵 속 기억의 소용돌이〉 ▲정 천양(중국) 〈대화〉 ▲제이슨 워커(미국) 〈생태계의 상호의존과 순환에 대하여〉가 선정됐다.

수상 작가들을 위한 시상식은 9월 17일 경기도자미술관에서 개최된다.

수상작은 2026 경기도자비엔날레 기간을 포함해 2027년 2월 14일까지 경기도자미술관 제1·4전시실에서 전시될 예정이다. 이를 통해 세계 각국의 동시대 도자예술을 한자리에서 만나볼 수 있을 것으로 기대된다.

류인권 한국도자재단 대표이사는 “세계 각국의 뛰어난 도예가들이 보내주신 관심과 참여에 감사드리며, 수상한 모든 작가께 진심으로 축하를 전한다”며 “이번 수상작 전시가 비엔날레를 더욱 풍성하게 하고 세계 도자예술의 현재와 미래를 조망하는 뜻깊은 자리가 되기를 기대한다”고 말했다.

한편 2026 경기도자비엔날레(Gyeonggi Ceramics Biennale 2026)는 오는 9월 18일부터 11월 1일까지 45일간이천·광주·여주를 중심으로 경기도 곳곳에서 열린다. 국제공모전과 관련한 자세한 사항은 한국도자재단 누리집 및 경기도자비엔날레 누리집에서 확인할 수 있다.

NoReason, 53x45.5cm, Acrylic on canvas, 2026 ⓒ 작가, 헤드비갤러리

NoReason, 72.7x60.6cm, Acrylic on canvas, 2026  ⓒ 작가, 헤드비갤러리

NoReason, 90.9x72.7cm, Acrylic on canvas, 2026  ⓒ 작가, 헤드비갤러리

전시에는 동일한 표정의 아톰과 반복되는 주먹 이미지가 등장한다. 규칙적으로 배열된 패턴과 매끄러운 화면은 획일화된 사회와 통제된 현실을 상징하며, 현대인이 마주한 압박과 질서를 은유적으로 드러낸다.

하지만 작가는 그 질서에 순응하지 않는다. 상처를 가리는 피부색 밴드 대신 원색의 스마일 밴드를 더하고, 거친 현실을 지나온 얼굴에는 밝은 미소를 담는다. 화면을 가로지르는 로켓 주먹은 답답한 현실을 깨뜨리는 상징으로 작용하며, 상처를 긍정으로 전환하는 힘을 보여준다.

작품 속 문구 'ENJOY YOURSELF'는 이번 전시의 핵심 메시지다. 목적과 성과에 얽매인 삶에서 잠시 벗어나, 특별한 이유 없이도 자신의 존재와 현재를 즐길 수 있음을 일깨운다.

작가가 말하는 'No Reason'은 허무주의가 아니라 의미를 강요받기 이전의 자유를 회복하자는 제안이다. 타인의 평가나 사회적 기준으로 자신을 증명하기보다, 이유를 모두 갖추지 못한 채 내딛는 한 걸음 속에서 삶의 새로운 가능성을 발견할 수 있다는 메시지를 전한다.

이번 전시는 이유를 증명해야 한다는 부담을 잠시 내려놓고, 자유롭고 주체적인 삶의 감각을 되새기는 시간을 선사할 것으로 기대된다.

이번 전시는 우창훈 작가가 오랫동안 탐구해 온 다차원적 세계관과 생명의 근원적 에너지를 회화로 풀어낸 신작들을 선보이는 자리다. 전시에는 〈사랑의 입자〉, 〈카오스Ⅰ〉, 〈불안〉 등 대표작을 비롯한 다양한 작품이 소개되며, 하나의 현실을 재현하는 기존 회화의 틀을 넘어 복수의 가능성과 생성의 과정을 담아낸 독창적인 조형세계를 제시한다.

카오스 I, 90.9x72.7cm , Oil painting, 2026  ⓒ 작가, 갤러리 내일

사랑의 입자, 53x45.5cm, Oil painting, 2026  ⓒ 작가, 갤러리 내일

불안, 90.9x72.7cm, Oil painting, 2026 ⓒ 작가, 갤러리 내일

우창훈의 작품은 완성된 이미지를 계획하고 구성하기보다 화면 위에서 형상이 스스로 생성되는 과정을 중요하게 다룬다. 작가는 붓질을 통해 보이지 않는 에너지와 감각의 흐름을 시각화하며, 관람객들에게 현실 이면에 존재하는 또 다른 질서와 존재의 가능성을 경험하도록 이끈다.

이번 전시는 작품 감상뿐 아니라 창작의 순간을 직접 마주할 수 있는 특별한 프로그램도 마련했다. 전시 기간 동안 우창훈 작가는 갤러리에서 라이브 페인팅을 진행하며, 관람객들은 한 점의 작품이 탄생하는 과정을 가까이에서 지켜볼 수 있다. 즉흥적인 붓질과 화면 위에서 형상이 생성되는 과정을 실시간으로 경험할 수 있어 창작 자체가 전시의 일부가 되는 색다른 볼거리를 제공한다.

또한 8월 13일(목) 오후 3시에는 '작가와의 만남' 행사가 열린다. 이 자리에서는 우창훈 작가가 직접 작품의 제작 과정과 창작 배경, 작품 속에 담긴 철학과 예술 세계를 소개하며 관람객들과 소통하는 시간을 가질 예정이다.

전시의 이론적 배경은 홍가이 MIT 공대 철학박사가 제시한 '기오스모시스(Qiosmosis)' 개념과 맞닿아 있다. 기오스모시스는 카오스(Chaos)와 오스모시스(Osmosis)의 합성어로, 존재와 세계가 서로 침투하며 끊임없이 생성과 변화를 이어가는 과정을 의미한다. 홍 박사는 우창훈의 회화를 단순한 표현이 아닌 존재의 생성이 드러나는 사건으로 해석하며, 작가의 드로잉과 붓질을 무의식과 감각이 물질화되는 수행적 과정으로 설명한다.

특히 우창훈의 화면은 들뢰즈와 가타리의 '기관 없는 몸(Body without Organs)' 개념과도 연결된다. 자유로운 선과 리듬, 시간의 축적은 기능적으로 분절된 신체가 아닌 흐름과 강도가 작동하는 생성의 신체성을 보여주며, 평면 위에 펼쳐진 형상들은 하나의 현실이 아닌 다세계(Many-Worlds)적 가능성이 중첩된 공간으로 읽힌다.

홍가이 박사는 "우창훈의 예술은 완성된 결과물이 아니라 존재의 깊은 리듬이 표면으로 출현하는 사건이며, 인간의 무의식과 우주의 흐름이 예술가의 몸을 통해 현현되는 과정"이라고 평가했다.

갤러리 내일 관계자는 "이번 전시는 회화를 바라보는 새로운 시각을 제시하는 동시에 창작의 현장을 직접 경험할 수 있는 특별한 기회가 될 것"이라며 "작품 감상과 라이브 페인팅, 작가와의 대화를 통해 예술이 생성되는 순간을 함께 만나보길 바란다"고 전했다.

한편 우창훈 초대전 《형상과 중첩》은 8월 7일부터 19일까지 갤러리 내일에서 개최되며, 8월 13일 오후 3시에는 작가와의 만남이 진행된다. 전시 기간 동안에는 상시 라이브 페인팅 프로그램도 함께 운영된다.

두 작가는 일상에서 경험한 기억과 감정을 화면 위에 풀어낸다는 공통점을 지닌다. 이들의 작품은 상실이나 불안의 정서를 감추지 않으면서도, 그 안에서 발견한 회복의 가능성을 담담하게 전한다. 전시 제목 《두 개의 달》은 이러한 공통점을 지닌 두 작가가 하나의 공간에서 만나 이루는 조화를 상징한다.

ⓒ 작가, 갤러리 지우헌

김보경 작가에게 회화는 지나간 시간과 놓쳐버린 찰나의 순간을 다시 불러오는 도구다. 작가는 화려한 색채를 사용했던 과거 작품과 다르게 이번 전시에서는 흑백의 목탄을 주재료로 사용해, 명암과 농담의 차이만으로 기억의 선명함과 흐릿함을 한 화면에 그려낸다.

출품작 《밤의 잔상》은 새벽 드라이브 중 가로등 빛에 잠시 드러났다가 어둠 속으로 사라지는 숲의 이미지를 포착한 작업이다. 《하얀들풀》 연작은 바람에 흔들리는 들풀의 불규칙한 움직임을 화면에 옮겼으며, 신작 《두 겹의 바다, 두 겹의 불꽃》은 작가의 고향인 부산과 현재 거주지인 인천, 두 바닷가에서 마주한 불꽃의 기억을 담아냈다.

작가는 이번 전시에 대해 "갤러리 지우헌은 작품과 관람객의 거리가 가깝게 느껴지는 공간"이라며, "내밀한 시선으로 관람객과 만날 수 있기를 바란다"라고 말했다.

서민정 작가 작업의 핵심 키워드는 '공행(함께 간다)'이다. 작가는 기쁨과 불안, 삶과 죽음처럼 상충하는 감정들이 순환하는 상태를, 동양화 채색 물감인 분채를 무수히 겹쳐 올리는 방식으로 표현한다.

이번 전시에서 선보이는 신작 《메아리》 시리즈는 어두운 새벽녘을 배경으로 세 개의 빛을 그려 넣어, 존재와 공간을 잇는 에너지를 다룬다. 이 세 개의 빛은 서로 닿아 있지 않으면서도 같은 방향으로 나아가며 하나를 이루는데, 작가는 이를 통해 서로 다른 존재와 시간을 잇는 보이지 않는 흐름을 이야기한다.

작가는 이번 전시에 대해 "한옥의 역사성이 쌓인 갤러리 지우헌 공간에서, 예술이 사람과 장소를 이어주는 매개체가 될 수 있음을 보여주고자 이번 전시를 준비했다"라고 말했다.

고즈넉한 한옥의 정취 속에서 관람객과 가까운 거리로 마주하는 갤러리 지우헌만의 공간적 특성은 두 작가의 내밀한 시선을 한층 깊이 있게 전달한다. 전시를 기획한 김아름 큐레이터는 "이번 《두 개의 달》 전시는 관람객에게 정답이나 하나의 감정을 강요하지 않는다"라며, "찰나의 기억을 붙잡는 김보경의 작품과 불안 속에서도 희망을 찾는 서민정의 작품을 통해, 관람객 각자가 마음속에 묻어둔 소중한 기억과 마주하는 시간이 되기를 바란다"라고 밝혔다.

권민철 개인전, 《완벽한 날씨》, 2026, 전시전경  ⓒ 작가, 아트센터예술의시간

조소를 전공한 권민철은 평안, 행복, 그리움 등 보편적인 감정과 이를 불러일으키는 일상의 풍경을 조형 언어로 탐구해 왔다. 이번 전시에서는 '완벽한 날씨'라는 이상적인 풍경이 어떻게 형성되고 소비되는지를 통해 이상과 현실 사이에서 만들어지는 인간의 심리와 감성을 살펴본다.

대표작 〈인형의 원단으로 지은 언덕〉은 윈도우 XP의 유명한 배경화면 'Bliss'를 재구성한 설치 작품이다. 자연을 닮은 인공 재료를 사용해 이상적인 풍경을 구현하면서도 서로 다른 물성과 질감을 통해 '완벽함'에 대한 고정관념을 흔든다. 〈모든 요소들은 각자의 전략을 고백해야 한다〉는 자연의 형상은 재현하지만 실제 감각은 결여된 풍경을 통해 인간의 인식이 현실보다 관념에 의존하고 있음을 보여준다.

사진 연작 〈완벽한 날씨〉는 직접 촬영한 사진과 스톡 이미지, AI 생성 이미지를 함께 배치해 이상적인 풍경이 반복적으로 소비되는 시각적 코드일 수 있음을 제시한다. 또한 〈짓궂은 개 짖는 소리와 여름 날씨〉, 〈잃어버린 물건을 가지러 돌아가는〉 등은 현실과 이미지, 기억과 경험의 차이를 드러내며 '완벽함'이 개인의 주관적 인식에서 비롯된다는 점을 이야기한다.

이와 함께 〈코모레비 연인들〉, 〈어쿠스틱 플레이리스트 썸네일〉은 빛과 그림자, 반사를 활용해 존재와 부재, 이상과 현실 사이를 오가는 감정을 시각화한다.

권민철은 이번 전시를 통해 이상적인 삶과 행복에 대한 사회적 관념을 되짚으며, 우리가 믿어온 '완벽함'의 기준을 새로운 시각에서 바라볼 것을 제안한다. 전시는 9월 19일까지 아트센터예술의시간에서 열린다.

이번 전시는 쉽게 붙잡히지 않는 불안의 감각을 하나의 삶의 조건으로 바라보며, 이를 극복의 대상으로 규정하기보다 흔들림 속에서 스스로의 균형을 찾아가는 몸의 움직임과 감각에 주목한다. 기억을 되짚고, 흔적을 바라보며, 무너진 구조를 다시 세우는 과정을 통해 관람객 각자가 불안과 함께 살아가는 방식을 성찰하도록 제안한다.

김소정•홍우진 2인전 《모래 가득 쥔 손》포스터

김소정•홍우진 2인전 《모래 가득 쥔 손》전시전경 ⓒ 작가, 컷더케이크

김소정은 오랫동안 사진을 기록하고 반복해서 바라보는 행위를 통해 기억과 시간의 감각을 탐구해 왔다. 약 10년 전 뇌전증으로 기억의 일부를 잃은 이후, 작가에게 사진은 사라지는 기억을 붙잡기 위한 기록이자 몸의 리듬이 되었다. 이번 전시에서 작가는 길게 이어진 화면 위에 수많은 이미지를 펼쳐 놓으며, 사진첩을 반복해서 스크롤 하는 경험을 하나의 풍경으로 옮겨온다. 흩어진 장면들은 하나의 흐름을 이루고, 반복되는 기록은 기억을 붙잡기보다 기억과 함께 살아가는 시간을 보여준다.

홍우진은 한지의 물성과 디지털 이미지의 구조를 결합하며 표면 아래 축적된 시간과 감정의 흔적을 탐구해 왔다. 이번 전시에서 작가는 워크숍에서 만들어진 구조물을 가까스로 지탱하던 마스킹테이프와 천, 철사, 지점토 등의 물질에 주목한다. 형태를 유지하기 위해 존재했던 사소한 흔적들은 한지를 겹치고 벗겨내는 반복 속에서 새로운 화면으로 이어지고, 서로 다른 시간과 손길은 하나의 표면 위에 겹치며 불안을 지탱해 온 과정들을 드러낸다.

전시장에는 두 작가의 공동 작업이 함께 설치된다. 일상의 재료를 이용해 하나의 구조를 세우고 무너뜨리는 과정을 반복하며, 가장 단순한 공간의 단위인 육면체는 여러 사람의 손길 속에서 끊임없이 중심을 바꾸고 일시적인 균형을 만들어낸다. 완결된 형태보다 함께 쌓아 올리는 과정에 주목하는 이번 작업은, 흔들림 속에서 관계와 움직임이 만들어지는 경험을 전시장 안으로 확장한다.

《모래 가득 쥔 손》은 붙잡으려 할수록 흘러내리는 모래처럼 쉽게 설명하거나 붙들 수 없는 불안의 감각을 이야기하는 전시이다. 기억을 되짚고 흔적을 오래 바라보며, 무너진 구조를 다시 세우는 몸의 움직임은 불안을 없애기 위한 방법이 아니라 그것과 함께 살아가는 하나의 방식이 된다. 이번 전시는 흔들림 속에서도 저마다의 균형을 만들어가는 몸의 감각을 바라보며, 오늘을 살아가는 우리 자신의 시간을 살펴보게 한다.

캐릭터를 예술로 재해석하는 새로운 전시가 찾아온다. 월간 <아이러브캐릭터>는 오는 11월 27일부터 사흘간 서울시 중구 동대문디자인플라자(DDP) 쇼룸 1층에서 ‘파인캐릭터 2026(FineCharacter 2026)’을 개최한다.

국내 최초로 캐릭터와 파인아트를 융합한 전시회인 파인캐릭터 2026은 현재 참가 신청 접수를 진행 중이다. 파인캐릭터 사무국은 8월 31일까지 창작자 얼리버드 신청을 접수하며, 9월 1일부터 30일까지 2차 참가 신청을 받는다고 밝혔다.

참가 대상은 캐릭터 아티스트 및 창작자, 일러스트•회화•조형 아티스트, 아트토이•피규어•오브제 기반 창작자, IP 보유 기업 및 브랜드, 기관 등이다. 신청 및 접수는 온라인으로 이뤄지며, 참가 희망자는 파인캐릭터 2026 홈페이지에서 신청 링크를 확인한 뒤 신청서를 작성하고 포트폴리오를 제출하면 된다.

파인캐릭터는 순수예술을 뜻하는 파인 아트(Fine Art)와 대중예술인 캐릭터를 결합한 합성어로 캐릭터 IP를 예술로 확장한다는 의미를 담고 있다.

이 전시는 참신하고 개성 넘치는 캐릭터 아트들을 한자리에서 감상하고, 마음에 드는 작품을 구매할 수도 있는 대중적인 아트 페어를 추구한다.

최근 다양한 일러스트 행사와 아트페어가 열리면서 캐릭터를 작품 중심으로 선보이려는 작가들도 꾸준히 늘고 있다.

파인캐릭터는 이러한 갈증을 해소할 최적의 전시로 기대를 모은다.

이 전시는 그간 주로 상품으로 소비하던 캐릭터 아트의 예술적 가치를 끌어올려 작가의 감정과 의도, 땀과 노력이 배어 있는 ‘컬렉션’을 감상하고, 소장하고 싶은 작품을 구매하는 ‘갤러리 공간’을 지향한다.

주최 측은 “이 전시는 캐릭터 아트를 예술로 확장해 아티스트에게 또 다른 방향을 제시하는 새로운 플랫폼으로 대중예술의 한 장르인 캐릭터를 순수예술로 만나보는 특별한 자리”라며 “아티스트 100여 명의 작품을 선보이려고 준비 중이니, 관심 있는 분들의 많은 참여 바란다”고 전했다.

이 전시는 월간 <아이러브캐릭터>가 주최하고 서울경제진흥원(SBA)이 주관한다.

 예술사진전 《RE: Image — Photography as Art Object》 작품

전시를 기획한 길파인아트 이경택 대표는 "한국 사진은 오랫동안 세계의 문 앞에서 스스로 작아지곤 했지만, 우리는 기다리는 대신 직접 문을 두드렸다"며 "세계가 먼저 알아본 사진의 새로운 가능성을 이제 국내 관객 앞에 펼쳐 보이고자 한다"고 밝혔다. 익숙했던 사진을 낯선 눈으로 다시 마주하는 자리, '사진 이후의 사진'이 여기에 있다.

참여작가(45인 가나다순) 강희경, 고성희, 고연미, 구수옥, 김경희, 김계남, 김노연, 김대석, 김봉영, 김선애, 김영남, 김정원, 김정태, 김춘경, 나윤용, 류은미, 박은경, 박진환, 박향숙, 성명화, 성주희, 송경홍, 신숙희, 신해영, 오금희, 오세영, 유순옥, 윤세명, 이광숙, 이문선, 이수정, 이영주, 이은주, 이해옥, 이홍주, 장문정, 장신덕, 주미순, 최미란, 최현금, 태성길, 한경자, 한인영, 홍효숙, 황승희

윤지선 개인전 《도시 속 스마일미러볼》포스터

개관 첫 초대전으로는 ‘스마일미러볼’ 시리즈를 통해 독창적인 작품세계를 구축한 윤지선 작가의 개인전 《도시 속 스마일미러볼》이 오는 8월 11일부터 17일까지 열린다. 전시는 대표작인 ‘스마일미러볼’을 비롯해 ‘뉴욕 도시 시리즈’, ‘마이클 잭슨 시리즈’를 함께 소개한다.

‘스마일미러볼’은 외부의 빛을 반사하는 미러볼에서 착안한 상징으로, 상처와 불안을 딛고 다시 빛나는 존재이자 작가 자신의 페르소나를 의미한다. 이번 전시는 경쟁과 다양한 사회적 역할 속에서도 자신의 본모습을 지켜가는 현대인의 내면을 따뜻한 시선으로 조명한다.

신지연 대표는 “윤지선 작가의 작품에는 완벽하지 않아도 존재 자체로 충분히 빛날 수 있다는 메시지가 담겨 있다”며 “관람객들이 이번 전시를 통해 각자의 삶을 다시 비춰보는 시간을 갖길 바란다”고 말했다.

윤지선 작가는 2025년 첫 개인전 이후 초대전을 이어가며 활동을 넓히고 있으며, 오는 8월 말에는 그림과 삶의 이야기를 담은 첫 에세이를 출간할 예정이다.

한편, 지지오오엠 갤러리는 올가을 미국 시카고를 기반으로 온라인 플랫폼 ‘지지오오엠갤러리닷컴’을 공식 오픈하고, ‘지지오오엠 매거진’을 통해 국내 작가들을 해외 미술시장에 지속적으로 소개하며 K-아트의 세계화를 추진할 계획이다.

Unconscious_36, Acrylic, oil stick, oil pastel, and gold paper on canvas, 227.3x181.8cm (150F), 2026  ⓒ 작가, 갤러리위

Unscripted, acrylic, oil stick, gold paper, and spray paint on canvas, 130.3x162.2cm (100F), 2025 ⓒ 작가, 갤러리위 

작가는 '풍경'을 자연이나 특정 장소의 재현이 아닌, 신체를 통과한 경험과 기억이 쌓인 감각의 공간으로 해석한다. 화면 위에 반복적으로 쌓이는 색채와 선, 제스처는 일상의 미세한 감정과 순간적인 감응을 담아내며, 관람자의 기억과 감각을 불러들이는 열린 회화로 기능한다.

이번 전시에서 핑크, 블루, 옐로, 골드 등 강렬한 색채는 감정을 상징하는 요소가 아니라 화면의 구조와 리듬을 만드는 조형 언어로 작동한다. 또한 아크릴, 오일스틱, 오일파스텔, 금박 등 다양한 재료를 중첩해 제작 과정을 화면에 그대로 드러내며, 시간의 흔적과 물질의 밀도를 표현한다.

화면을 가로지르는 유기적인 선과 즉흥적인 제스처는 작가의 신체적 움직임이 남긴 흔적이다. 작품은 완성된 결과보다 생성의 과정을 강조하며, 의미 역시 관람자의 경험과 감상이 더해질 때 새롭게 형성된다.

신지아의 《내면의 풍경》은 색채와 물질, 신체와 시간이 교차하는 회화적 공간을 통해 감각이 생성되는 방식을 탐구하는 전시다. 작가는 추상을 형식적 실험에 머물게 하지 않고, 관람자가 자신의 기억과 감각을 새롭게 경험할 수 있는 열린 회화의 가능성을 제시한다.

Jiang Miao_Heavenly Eyes 2024.4.28(1)_Acrylic on aluminum panel, carving_120x190cm_2024

Jiang Miao_Taoist Trinity and the Self 20260228_Acrylic on wooden board, carving_100Ø_2026

지앙 미아오는 오래전부터 동양 철학과 생명의 근원에 관심을 가져왔다. 음양과 점·선, 나선의 구조를 탐구하며 '천인합일(天人合一)', 즉 인간과 자연은 하나라는 동양 철학의 근본 사상을 작품 속에 녹여왔다. 작가에게 나선은 생명과 시간, 우주의 순환을 상징하는 근원적인 구조이며, 색은 물질을 넘어 보이지 않는 에너지를 담는 매개체이다. 또한 반복적으로 쌓고 드러내는 작업의 특징은 시간과 존재를 되짚어보는 하나의 수행에 가깝다. 

이번 전시에서는 〈Heavenly Eyes〉, 〈Mindfulness〉, 〈Origin〉을 비롯한 작가의 주요 연작을 만나볼 수 있다. 〈Heavenly Eyes〉는 인간의 시선을 넘어 존재의 본질과 우주의 질서를 바라보는 또 하나의 시선을 제안하며, 〈Mindfulness〉는 내면을 향한 성찰과 깨어 있는 의식을 통해 삶의 본질을 탐구한다. 특히 원형 캔버스의 〈Taoist Trinity and the Self〉는 지앙 미아오의 작업 세계를 가장 함축적으로 보여주는 연작이다. 시작도 끝도 없는 원의 형상은 생성과 재생이 끊임없이 반복되는 우주의 질서를 상징하며, 생명과 시간, 순환에 대한 작가의 세계관을 응축해 보여준다. 

서로 다른 이름의 연작은 모두 하나의 질문으로 이어진다 인간은 시간과 자연, 그리고 우주와 어떤 관계를 맺으며 살아가는가. 이번 전시는 지앙 미아오의 주요 연작을 통해 작가가 오랜 시간 구축해 온 조형 언어와 세계관을 조망한다. 화면 위에 축적된 색과 형태는 생명과 시간, 그리고 보이는 세계 너머의 에너지를 향한 작가의 탐구를 보여준다.

 ⓒ 작가, 갤러리한결

「바다와 나비」는 세상의 냉혹함을 모르는 흰나비가 푸른 바다를 이상향인 청무밭으로 착각해 날아들었다가 상처를 입는 이야기를 담고 있다. 흰나비는 순수한 존재를, 바다는 냉혹한 현실을, 청무밭은 이상과 희망을 상징하며, 일제강점기 인간 존재의 고독과 좌절을 은유적으로 표현한 작품이다.

박상준 작가는 이러한 시적 세계를 재현하는 데 그치지 않고, 현실에 지친 '나비'가 잠시 쉬어갈 수 있는 공간을 만들고자 했다. 전시 작품에는 상처받은 순수함이 다시 날아오를 수 있도록 위로와 희망을 전하는 메시지가 담겨 있다.

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결 

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결 

박상준 개인전 《바다와 나비》 작품 중 ⓒ 작가, 갤러리한결
 

전시에서는 슬립 캐스팅 기법으로 제작한 다양한 도예 작품을 선보인다. 대표작은 바다를 건너려는 나비를 위해 자갈과 징검다리를 놓아준 작품으로, 작은 희망과 용기를 전하려는 작가의 따뜻한 시선을 담았다. 또 다른 작품에서는 나비가 바다를 향해 떠나기 전 조약돌 위에서 쉬어가는 모습을 통해 현실을 마주하기 전의 쉼과 성찰을 표현했다.

특히 작품 속에 반복적으로 등장하는 돌은 단순한 자연물이 아니라 나비가 잠시 쉬어가는 안식처이자 현실을 견디게 하는 희망의 상징이다. 이는 김기림의 시가 말한 좌절 이후의 이야기를 작가만의 조형 언어로 확장한 결과라 할 수 있다.

박상준 작가는 "김기림의 「바다와 나비」를 읽으며 순수한 존재가 현실 앞에서 상처받는 모습이 오래도록 마음에 남았다"며 "이번 전시를 통해 누구나 잠시 쉬어갈 수 있는 작은 쉼터와 위로를 전하고 싶었다"고 말했다.

이번 전시는 문학과 도예가 만나 시의 상징을 입체적 조형 언어로 재해석한 전시로, 관람객들에게 현실 속에서 잃어버린 순수와 희망, 그리고 다시 날아오를 용기를 생각해 보는 시간을 선사할 것으로 기대된다.

한편 박상준 작가는 홍익대학교 및 동 산업미술대학원 도예전공 졸업, 이후 인천대학교 교육대학원 미술교육전공을 졸업했으며, 전 경희대학교 미술대학 출강, 현재 박상준 도예공방을 운영하고 있다. 한국미술협회 회원으로 활동 중이다.

<Forest 12>, 2017, Oil on canvas, 181,8 × 291cm ⓒ 작가, 기형도문학관 

ⓒ 작가, 기형도문학관

 ⓒ 작가, 기형도문학관 

허수영 작가는 기형도 전집에 수록된 시인의 사진과 소하동의 옛 풍경 사진을 바탕으로 작업을 시작했다. 이후 실제 장소를 찾았을 때 그곳은 모든 것이 사라지고 천이 흐르는 공원으로 변해 있었다. 작가는 시인의 모습이 담긴 화면 위에 다시 벚꽃을 덧그리며 시간의 흐름과 기억의 흔적을 담아냈다.

작가는 “꽃을 그리는 동안 비가 내리고 꽃은 졌다. 덧칠과 소멸 사이를 떠도는 흔적들이 그림의 중얼거림이 될 수 있을지 질문하고 싶었다”고 말했다. 전시는 기형도의 시를 단순히 시각화하는 데 그치지 않고, 기억과 시간, 부재와 흔적이 겹쳐지는 과정을 통해 시인의 내면과 오늘의 풍경을 하나의 화면 안에 담아낸다. 반복적으로 더해지고 지워지는 이미지는 과거와 현재를 연결하며 시와 회화가 만나는 새로운 서정을 완성한다.

한편 2026 기형도문학관 기획전시 〈다시, 그 길 위의 우리: 길 위에서 중얼거리다〉는 6월 2일부터 9월 27일까지 기형도문학관 1층 기획전시실에서 진행된다.

이번 전시는 어린 시절 이불을 뒤집어쓰고 만들었던 작은 은신처인 '이불집'에서 출발한다. 연진영은 이불을 몸을 감싸는 사물이 아닌 기억과 감정을 품은 공간으로 바라보며, 관람객이 각자의 기억과 감각을 다시 마주하는 경험을 제안한다.

ⓒ 작가, 갤러리 느와

ⓒ 작가, 갤러리 느와

전시는 프랑스 철학자 가스통 바슐라르가 『공간의 시학』에서 제시한 '친밀한 공간' 개념에서 영감을 받았다. 작가는 이를 직접 재현하기보다 섬유의 질감과 공간 구성을 통해 관람객 스스로 기억을 떠올리도록 유도한다. 작품은 관람자의 경험과 감정을 담아내는 심리적 공간으로 기능한다.

이번에 선보이는 작품들은 작가가 꾸준히 탐구해 온 산업 소재와 섬유의 관계를 기억의 영역으로 확장한 결과물이다. 패딩, 에어백, 산업용 직물 등 기능적 재료는 새로운 조형 언어로 재구성되며, 사물은 기억과 공간을 연결하는 매개체로 변화한다.

연진영은 2021년 밀라노 디자인위크 Christian Dior 프로젝트를 시작으로 프랑스 파리 Printemps, 뉴욕 The Future Perfect Gallery 그룹전에 참여하며 국제 무대에서 활동해 왔다. 이후 2025년 개인전 《Skinship》, 2026년 Frieze House Seoul 전시 《Summer Sparks I: Impulse》 등을 통해 산업 소재를 활용한 설치 작업을 지속적으로 선보이고 있다.

1993년 론칭한 송지오(SONGZIO)는 20여 년간 파리 패션위크에서 컬렉션을 발표하며 패션과 예술의 접점을 확장해 온 글로벌 패션 하우스다. 플래그십 스토어 갤러리 느와(GALERIE NOIR)는 국내외 동시대 작가들의 실험적인 전시를 선보이는 문화 플랫폼으로 운영되고 있으며, 송지오는 올해 말 뉴욕 플래그십 스토어 개관을 통해 패션과 예술이 공존하는 글로벌 창작 생태계를 더욱 확대해 나갈 계획이다.

전시 제목 《Here I am》은 기억 속에 머물러 있던 과거의 나와 현재의 내가 하나의 화면 안에서 마주하는 순간을 의미한다.

Go out 45.5 x 53.0 cm Oil & mixed media on Canvas 2026 ⓒ 작가, 갤러리조은

 ⓒ 작가, 갤러리조은

이번 전시에서는 작가가 꾸준히 탐구해 온 기억과 감정의 서사를 바탕으로, 익숙한 일상의 풍경에 스며든 유년의 기억과 현재의 시간을 회화적으로 풀어낸 신작들을 선보인다.

이재현 작가는 일상 풍경 속에 과거의 기억과 현재의 감정을 겹쳐 표현하며, 시간의 흐름과 감정의 흔적을 자신만의 회화 언어로 담아낸다. 작품은 개인의 추억을 넘어 관람객들이 자신의 기억과 삶을 되돌아볼 수 있는 공감의 공간을 제시한다.

갤러리조은 관계자는 "이번 전시는 과거와 현재가 하나의 화면에서 만나 새로운 의미를 만들어가는 과정을 담고 있다"며 "관람객들이 작품을 통해 각자의 기억과 시간을 되새기는 계기가 되길 바란다"고 밝혔다.

장철 초대전 《빛은 검음에서 태어난다》가 오는 7월 18일부터 8월 7일까지 서울 마포구 상수동 홍갤러리에서 열린다.

이번 전시는 한국 수묵화의 정신을 현대적으로 재해석해 온 장철 작가의 대표작 '수묵진경', '돌 시리즈', '북한산' 등을 선보이며, 자연과 인간의 내면을 하나의 화면에 담아낸 작품 세계를 소개한다.

장철 81.0x123.0cm  ⓒ 작가, 홍갤러리

장철 100.0x144.0cm ⓒ 작가, 홍갤러리 

 장철 490.0x919.0cm ⓒ 작가, 홍갤러리

작가는 오랫동안 방황했던 자신의 삶을 '돌'의 이미지에 투영해 왔다. 화면 속 바위는 단순한 자연물이 아니라 삶의 무게와 수행, 인간 존재를 상징하며, 북한산 연작에서는 웅장한 산세와 신비로운 기운을 먹의 깊이와 여백으로 표현해 수묵화의 정신성을 현대적으로 확장한다.

전시 제목 《빛은 검음에서 태어난다》는 작가의 예술 철학을 담고 있다. 장철 작가는 "먹은 어둠이 아니라 모든 빛이 태어나기 전의 자리"라고 말하며, 작품 속 검음은 절망이 아닌 가능성, 안개는 생성의 순간, 침묵은 생명이 움트는 공간으로 해석한다.

또한 그는 풍경을 재현하기보다 산이 품은 시간과 침묵, 인간의 내면을 표현하는 데 집중한다. 산은 바위이면서 수행자의 얼굴이고, 우리의 마음을 비추는 상징으로 제시된다.

작가는 "나는 산을 그리지 않는다. 나는 산이 품은 시간과 침묵을 그린다"며 "이번 전시는 산을 바라보는 전시가 아니라 관람자가 검음 속으로 들어가 자신의 빛을 만나는 여정"이라고 밝혔다. 이어 "빛은 밖에서 오는 것이 아니라 가장 깊은 어둠을 통과할 때 비로소 태어난다"고 전했다.

한편, 이번 전시는 7월 18일부터 8월 7일까지 개최된다.

마리노 후나하시, Passing, Falling#28, Oil, acrylic, sand, spray, canvas, 97 x 130.3cm, 2026 ⓒ 작가, 갤러리 그라프 

유가월, 云山，순지에 채색, 41 x 113cm, 2025 ⓒ 작가, 갤러리 그라프 

영국의 역사학자 사이먼 샤마(Simon Schama)는 『풍경과 기억』에서 풍경을 자연 그 자체가 아니라 인간의 기억과 문화, 감정이 투사된 정신적 산물로 바라본다. 즉 풍경은 단순한 경관 의 재현이 아니라, 경험과 정서가 축적되어 형성된 내면의 이미지라 할 수 있다. 유가월과 마리노 후나하시는 서로 다른 조형 언어를 사용하지만, 모두 풍경을 외부 세계의 재현이 아 닌 시간과 기억, 지각이 축적되는 내면의 장소로 바라본다. 

유가월은 중국 화난사범대학교에서 중국화를 전공하고, 서울대학교 대학원에서 동양화 석사 학위를 받았으며, 미술학 박사과정을 수료하였다. 작가는 인간과 자연이 서로를 비추고 대화 하는 장이자 존재의 언어로서의 산수를 화면에 구현한다. 그는 한지에 스며드는 물과 채색, 우연성이 빚어내는 형상을 통해 현실과 이상이 교차하는 산수의 세계를 펼쳐 보인다. 그의 화면에서 자연은 인간의 내면을 비추는 거울이자 사유가 머무는 공간으로 확장된다. 

마리노 후나하시는 일본 무사시노 미술대학에서 공간디자인을 전공하였다. 작가가 ‘상징적 추상‘이라 명명한 반입체적 화면을 통해 시간의 밀도와 순간의 빛을 담아내는 작업을 전개 해왔다. 그는 명확한 에피소드로 남지 않는 기억의 구조를 색채와 마티에르, 신체적인 붓질 의 층위로 풀어낸다. 그의 회화에서 풍경은 지나간 장면의 재현이 아니라, 시간 속에서 여과 된 감각과 응축된 기억의 골격으로 남는다. 

《여과된 풍경》은 풍경을 다시 천천히 바라보는 시간을 제안한다. 빠르게 소비되는 이미지의 시대 속에서 회화는 하나의 화면 앞에 머물게 하며, 보이지 않는 기억과 감정이 머무는 조 용한 장소가 된다. 우리는 작품 속에 켜켜이 쌓인 감각과 기억의 층위를 따라가며, 눈앞의 풍경 너머 각자의 기억과 감정이 빚어낸 또 하나의 풍경과 마주하게 될 것이다.

이번 전시는 연극의 구조인 '막'과 '장'을 모티프로 삼아, 시작도 끝도 아닌 삶의 한순간을 회화로 풀어낸다. 전시 제목 《3막 2장》은 감정과 기억, 긴장과 침묵이 가장 깊어지는 순간을 의미하며, 관람객에게 자신의 현재를 돌아보는 질문을 던진다.

Galopp 질주  ⓒ 작가, 갤러리 자인제노

Frohsinn 명랑함  ⓒ 작가, 갤러리 자인제노

장정연의 작품은 하나의 사건을 설명하기보다 연극의 한 장면처럼 화면을 구성한다. 등을 보인 인물, 깨진 유리창 너머의 풍경, 빗속을 걷는 사람들, 질주하는 말과 기수 등은 모두 이야기가 시작되기 직전 또는 끝난 직후의 순간을 담아낸다.

관람객은 작품 앞에서 '무슨 일이 있었을까', '앞으로 어떤 이야기가 이어질까'를 자연스럽게 상상하게 된다. 작가는 이에 대한 답을 제시하지 않고, 각자의 기억과 경험으로 빈자리를 채우도록 유도한다. 작품은 완결된 서사가 아니라 관람객의 삶이 투영되는 무대가 된다.

스위스에서 오랫동안 활동해 온 장정연은 유럽의 도시와 사람, 예술과 일상의 풍경을 사실적으로 묘사하면서도 그 안에 설명되지 않는 심리와 시간의 흔적을 담아낸다. 현실을 재현하면서도 현실 너머의 감정과 기억을 환기시키는 것이 그의 회화가 지닌 특징이다.

이번 전시에는 인물과 도시, 조각상, 미술관, 일상의 풍경 등을 담은 작품들이 소개되며, 결국 '우리는 지금 삶의 어느 장면을 살아가고 있는가'라는 하나의 질문으로 모아진다.

갤러리 자인제노는 이번 전시를 통해 회화와 연극, 현실과 기억이 만나는 특별한 무대를 선보인다. 관람객은 작품을 감상하는 데 그치지 않고 자신만의 이야기를 완성하는 또 다른 등장인물이 된다. 《3막 2장》은 삶을 하나의 직선이 아닌 수많은 장면으로 이루어진 연극처럼 바라보게 하는 전시다.

아트센터 화이트블럭 기획전 《선 너머 선》포스터

전시는 자연과 인공, 문명과 비문명, 인간과 기계, 아날로그와 디지털 등 현대 사회를 규정해 온 경계에 주목한다. 기술과 문명이 발전할수록 이러한 구분은 더욱 견고해졌지만, 그 이면에 존재하는 다양한 가치와 관계는 점차 가려지고 소외되어 왔다. 

참여 작가들은 서로 다른 영역이 충돌하고 융합하는 지점을 작품으로 풀어내며, 우리가 익숙하게 받아들였던 경계와 질서를 새롭게 바라보도록 이끈다. 전시 제목인 '선 너머 선'은 경계를 넘어서는 행위이자, 서로 다른 존재들이 관계를 맺고 공존하는 방식을 다시 모색하는 의미를 담고 있다. 

아트센터 화이트블럭은 "이번 전시가 인간과 자연, 기술의 복합적인 관계를 새롭게 사유하는 계기가 되길 바란다"며 "관람객들이 '<산 넘어 산>' 같은 일상을 잠시 벗어나 확장된 시각으로 '<선 너머 선>'의 세계를 경험하기를 기대한다"고 밝혔다.

이번 전시는 경기도와 파주시의 후원으로 마련됐으며, 전시 기간 중 오프닝 리셉션과 작가와의 만남 등 다양한 연계 프로그램도 함께 운영된다. 자세한 일정은 아트센터 화이트블럭 홈페이지에서 확인할 수 있다.

참여형 기획전 《진품명품: What We See》작품 ⓒ 작가, 갤러리 신라

우리는 흔히 작품을 본다고 생각하지만 실제로는 작품 그 자체보다 작가의 이름, 제작 연도, 가격, 전시 이력과 같은 수많은 정보들을 함께 바라본다. 그렇다면 이러한 정보가 제거된 상황에서도 우리는 작품을 온전히 인식할 수 있을까? 또한 원본과 모작 사이에서 우리가 느끼는 차이는 과연 시각적 경험에서 비롯된 것일까 아니면 이미 알고 있는 지식과 믿음에서 비롯된 것일까?

《진품명품 : What We See》는 이러한 질문을 관람객이 직접 경험하도록 구성된다. 전시장은 하나의 시험장이자 실험실이 된다. 관람객은 전시장에 입장하며 OMR 카드를 받고 각 층에 마련된 질문에 답하며 작품이 진품인지 모작인지를 판단하게 된다. 관람은 단순한 감상에서 끝나지 않는다. 관람객은 선택하고, 기록하고, 확인하며, 다시 바라보게 된다.

전시는 6층과 7층에서 진행되는 질문들로 시작된다. 관람객은 원작과 모작, 작가와 이미지, 진품과 복제의 경계를 넘나들며 자신의 감각을 시험하게 된다. 이후 8층에서는 정답을 확인하고 채점한 뒤 다시 전시장으로 돌아가 작품을 재관람할 수 있다. 정답을 알기 전과 후의 감상이 어떻게 달라지는지 체험하는 과정 역시 전시의 중요한 일부다.

이번 전시는 미술계에서 오랫동안 논의되어 온 ‘원본성’에 관한 질문을 관람객의 몸과 감각의 영역으로 끌어온다. 발터 벤야민이 말한 아우라의 문제에서부터 복제와 진정성에 대한 현대적 논의까지 이론 속 담론은 관람객의 선택과 경험을 통해 현실 속 질문으로 전환된다.

전시 종료 후에는 전시에 사용된 모작 작품들이 새로운 전환점을 맞이한다. 참여 작가들은 각 모작의 전면에 전시명과 장소, 전시 기간을 직접 기입한다. 이는 단순한 복제물이었던 작업에 새로운 맥락과 이력을 부여하며 모작이 또 다른 원본으로 변화하는 과정을 보여준다. 전시는 진품과 모작의 구분에 대한 질문에서 출발하지만 궁극적으로는 무엇이 작품의 가치를 형성하는지에 대한 보다 근본적인 질문으로 확장된다.

이번 전시는 실제 풍경의 재현을 넘어 기억과 시간, 빛과 공기, 몸에 남겨진 감각이 회화 속에서 새로운 풍경으로 형성되는 과정을 탐구한다. 세 작가는 경험과 기억, 상상과 감각이 교차하는 지점을 각자의 회화 언어로 풀어내며, 익숙한 현실 너머의 또 다른 장소를 제안한다.

전시 제목인 'Elsewhere'는 '어딘가 다른 곳'이라는 의미를 넘어, 누구나 경험했지만 설명하기 어려운 감각의 공간을 상징한다. 우리는 장소를 기억할 때 풍경의 형태보다 당시의 빛과 온도, 공기의 밀도, 바람의 움직임, 몸에 남은 감각을 더 오래 기억한다. 전시는 이러한 비가시적 경험이 회화를 통해 새로운 풍경으로 변모하는 과정을 조명한다.

김연홍_Lingering Reflections, Acrylic on canvas, 80x100cm, 2025

서지인_Yellow desert, Gouache on canvas, 45x45cm, 2020

하정현_낯선 보통의 아름다움들-8월 31일부터 12월 27일까지, Oil on linen, 75.5 x 110.3cm, 2026

참여 작가들은 서로 다른 방식으로 감각이 만들어내는 풍경을 구축한다.

김연홍 작가는 온라인에서 수집한 익명의 자연 이미지를 바탕으로 실제 자연이 아닌 '감각된 자연'을 그린다. 물감을 머금은 천 위에서 번지고 스며드는 우연의 흔적을 통해 현실과 비현실의 경계에 놓인 풍경을 만들어낸다.

서지인 작가는 이스라엘 유대사막과 팀나사막, 길갈에서 경험한 장소의 기억을 회화로 확장한다. 강렬한 빛과 척박한 환경, 정치적 긴장감 등 신체에 축적된 감각은 화면 위에서 끊임없이 증식하며, 고정되지 않은 풍경으로 재탄생한다.

하정현 작가는 평범한 일상이 낯설게 다가오는 순간을 포착한다. 긋고, 덮고, 문지르는 반복적인 행위를 통해 기억과 감각이 현재 안에서 새롭게 형성되는 과정을 담아내며, 현실과 환상이 공존하는 회화적 공간을 구축한다.

히든엠갤러리는 "세 작가의 작업은 경험 이후 몸에 남겨진 감각이 회화 안에서 새로운 풍경으로 생성되는 과정을 보여준다"며 "관람자는 작품 속에 축적된 빛과 시간, 기억의 흔적을 통해 자신의 감각과 경험을 다시 마주하게 될 것"이라고 밝혔다.

이번 전시는 현실을 벗어난 상상의 공간이 아니라, 우리가 경험한 세계가 기억과 감각을 거치며 어떻게 새로운 풍경으로 변화하는지를 보여준다. 세 작가의 회화는 보이는 풍경 너머의 감각을 드러내며, 익숙한 현실 속 또 다른 장소를 발견하는 시간을 선사한다.

이번 전시는 일상 속에서 무심히 지나치는 흔적과 감각의 층위를 탐구하며, 도시와 자연, 몸과 환경이 만들어내는 미세한 변화와 시간의 결을 살펴본다. 김지혜는 디지털 사진을 기반으로 현실의 이미지를 압축하고 중첩하는 작업을 통해 구체적인 장소와 사건의 서사를 희미하게 만드는 대신, 시간의 흔적과 감각의 잔상을 화면 위에 축적한다.

김지혜 개인전 《감각의 지층: Strata of Senses》 작품  ⓒ 작가, 아트스페이스엑스 

김지혜 개인전 《감각의 지층: Strata of Senses》 작품  ⓒ 작가, 아트스페이스엑스

김지혜 개인전 《감각의 지층: Strata of Senses》 작품  ⓒ 작가, 아트스페이스엑스

전시 제목인 ‘감각의 지층(Strata)’은 단순한 물리적 층이 아닌, 시간과 감각, 신체의 경험이 반복적으로 쌓이며 형성되는 인식의 층을 의미한다. 작가는 다양한 매체를 화면에 중첩하며 보이지 않는 흔적을 드러내고, 관람객에게 세계를 감각하는 새로운 방식을 제안한다.

전시에서는 「숨은 결」, 「드러나는 표면」, 「도시-피어난 틈새」, 「우리가 미처 다 보지 못한 것들」, 「자연을 마주하는 방법」 연작을 선보인다. 작품들은 도시와 자연의 경계, 보이는 것과 보이지 않는 것 사이를 탐구하며, 서로 다른 시간과 경험이 축적된 감각의 풍경을 펼쳐 보인다.

김지혜는 이번 전시를 통해 이미지가 빠르게 소비되는 시대에 우리는 세계를 어떻게 보고, 기억하며, 감각하는가라는 질문을 던진다. 사진을 단순한 기록 매체가 아닌 시간과 감각이 축적되는 물질적 화면으로 확장하며, 사진의 새로운 가능성을 모색한다.

김지혜(1976년생)는 홍익대학교 미술대학 판화과를 졸업하고 동 대학원에서 판화 전공 석사와 미술학 박사 학위를 취득했다. 지금까지 28회의 개인전을 개최했으며, 《흔들리는 땅, 더듬이 솟기》, 《회복의 시간-원초성의 회복》, 《Line of the City》, 《보는 시간, 만지는 추상》 등을 발표했다.

또한 여주미술관, 양평군립미술관, 토탈미술관, 영은미술관 등의 단체전과 PHOTOFAIRS SHANGHAI, Kiaf Plus 등 국내외 아트페어에 참여했으며, 영은미술관과 신당창작아케이드 레지던시를 비롯해 국립현대미술관 미술은행, 정부미술은행 작품 선정 등 활발한 활동을 이어오고 있다

 ⓒ 작가, 아트스페이스엑스

이번 전시는 전통 산수화를 바탕으로 동박(copper leaf)의 부식 과정을 회화적 언어로 풀어내며, 시간의 흐름과 자연의 순환을 시각화한다. 작가는 화면에 입힌 동박이 자연스럽게 산화·부식되는 과정을 작업의 일부로 받아들여, 인간의 의도와 물질의 자율성이 함께 만들어내는 생동하는 화면을 구현한다.

조현수, Painting of Bamboo Forest 7, 2026, Copper leaf on Korean paper, 193.9 × 224.2cm

조현수, Thicket 5, 2026, Copper leaf on Korean paper, 97 x 193.9cm

예측할 수 없는 부식의 흔적은 자연의 시간과 변화의 과정을 드러내며, 전통 산수화의 공간성과 사유를 현대적 재료와 기법으로 확장한다. 이를 통해 한국화의 조형 언어를 동시대적 감각으로 새롭게 해석한 작품들을 선보인다.

전시 제목 《돌로 된 잎사귀》는 나희덕 시인의 시집 『어두워진다는 것』(창작과비평사, 2001)에 수록된 동명의 시에서 인용했다. 시간의 축적과 생명의 순환을 담은 시적 이미지가 이번 전시의 주제와 맞닿아 있다.

조현수는 창원대학교에서 한국화를 전공하고 동 대학원에서 한국화 석사 과정을 마쳤다. 자연과 물질, 시간의 관계를 탐구하며 전통 한국화의 가능성을 현대적으로 확장하는 작업을 이어가고 있다.

한편, 조현수 개인전 《돌로 된 잎사귀》는 7월 11일부터 31일까지 드로잉룸에서 개최된다.

ⓒ 작가, ARTSPACE FROMTIME 갤러리 

전시의 중심을 이루는 대표 연작 〈OH! 파라다이스〉는 '공간의 기억'을 주제로 한 작품이다. 'OH!'는 다섯 가지 공간을, '파라다이스'는 근심 없는 이상향을 의미한다. 작가는 영화 제5원소에서 영감을 받아 물, 불, 흙, 공기의 네 가지 자연 원소에 자신의 내면에 존재하는 '기억'을 더해 다섯 번째 공간을 완성했다. 바다와 태양, 나무숲, 오로라, 그리고 기억이 하나의 이상적인 풍경으로 연결되며 관람객을 사유의 공간으로 이끈다.

작품은 따스한 빛의 색채와 물의 번짐, 물방울 이미지를 여러 겹의 색면으로 중첩해 깊이 있는 공간감을 형성한다. 화면 속 반복되는 유기적 형태는 자연의 생명력을 상징하며, 붓 대신 롤러를 활용한 유화 기법은 독특한 질감과 역동적인 화면을 만들어낸다. 특히 작가가 직접 경험한 바다의 색을 자신만의 시선으로 재해석해 자연과 공간, 그리고 기억에 대한 철학적 사유를 담아낸 점이 특징이다.

임영진 작가는 "현대인들이 작품 속 다섯 가지 자연의 공간에서 잠시나마 여유와 낭만을 느끼고, 따스한 빛 속에서 희망을 발견하길 바란다"며 "인간과 자연이 조화롭게 공존하는 세상을 함께 꿈꾸는 계기가 되었으면 한다"고 전했다.

이번 전시는 빛과 자연, 기억이 만들어내는 서정적인 풍경을 통해 관람객들에게 사색과 위로, 그리고 희망의 메시지를 전하며, 자연과 인간의 관계를 다시금 성찰하는 시간을 선사할 것으로 기대된다.

한편, 임영진 작가는 부산대학교 예술대학 일반대학원 미술학과 서양화전공을 졸업했으며, 자연과 빛, 기억을 주제로 한 회화 작업을 지속적으로 선보이며 자신만의 작품 세계를 구축해 오고 있다.

이번 전시는 김연홍, 서지인, 하정현 작가가 참여해 기억과 경험, 상상과 감각이 교차하는 지점을 각기 다른 회화적 언어로 탐구한다. 세 작가는 눈앞의 풍경을 사실적으로 재현하는 데 머무르지 않고, 개인의 내면에 축적된 시간과 감각을 새로운 시각적 장면으로 재구성하며 현실과 비현실의 경계를 넘나드는 작품세계를 선보인다.

ⓒ 작가, 히든엠갤러리 

전시 제목인 《Elsewhere》는 특정한 물리적 장소를 의미하지 않는다. 오히려 기억과 감각이 만들어내는 또 하나의 세계, 어디에도 존재하지 않지만 분명히 존재하는 것처럼 느껴지는 심리적 공간을 상징한다. 익숙한 일상이 어느 순간 낯설게 다가오고, 희미한 기억이 새로운 풍경으로 떠오르는 경험을 회화를 통해 관람객과 공유하고자 한다.

참여 작가들은 각자의 독창적인 표현 방식을 통해 시간의 흔적과 빛의 변화, 공기의 결, 몸에 각인된 감각들을 화면 위에 펼쳐낸다. 서로 다른 조형 언어는 하나의 전시 안에서 유기적으로 연결되며, 관람객들에게 감각의 새로운 가능성과 회화가 만들어내는 또 다른 현실을 경험할 수 있는 시간을 제공할 예정이다.

히든엠갤러리 관계자는 "이번 전시는 우리가 일상 속에서 지나쳤던 기억과 감각을 다시 마주하며, 현실 너머에 존재하는 또 다른 풍경을 사유하는 계기가 될 것"이라며 "관람객들이 각자의 'Elsewhere'를 발견하는 특별한 시간이 되기를 기대한다"고 전했다.

한편, 《Elsewhere》 전시는 오는 7월 9일부터 30일까지 히든엠갤러리에서 개최되며, 기억과 감각이 만들어내는 새로운 회화적 풍경을 만나볼 수 있다.

이번 전시는 현실과 상상이 맞닿은 풍경을 통해 관람객들이 각자의 기억과 감정을 되돌아볼 수 있도록 기획됐다. 전시의 중심에는 동명의 신작 시리즈 《창 너머에》가 자리하며, 작품 속 '창'은 새로운 삶과 가능성을 바라보는 상징으로 표현된다.

노마 개인전 《창 너머에》, 날아 ⓒ 작가, 아리아갤러리

노마 개인전 《창 너머에》, 각자의 여행 ⓒ 작가, 아리아갤러리 

 노마 개인전 《창 너머에》, 숲의가호 ⓒ 작가, 아리아갤러리

노마는 "창 너머의 세상은 멀어진 것이 아니라 새로운 삶 속에서 또 다른 모습으로 이어지고 있었다"며 "이 창이 각자의 삶 속에서 새로운 세상을 바라보는 모든 사람들의 창이 되기를 바란다"고 말했다.

작품에는 사람과 동물, 자연이 함께 어우러지며 현실과 동화의 경계를 넘나든다. 등장인물에게 정답이나 이름을 부여하지 않아 관람객이 자신의 기억과 상상으로 작품을 완성하도록 했다.

전시장에서는 신작과 함께 대표작 〈날아〉, 〈그네〉, 〈안시 호수〉도 선보인다. 빗자루를 타고 하늘을 나는 아이를 통해 상상의 힘을 그린 〈날아〉, 평범한 여행의 순간을 추억으로 담아낸 〈그네〉, 일상의 아름다움을 표현한 〈안시 호수〉 등은 노마 특유의 따뜻한 감성을 보여준다.

노마는 과슈(Gouache)를 활용해 아날로그 특유의 질감과 온기를 화면에 담아낸다. SNS 약 60만 명의 팔로워를 보유한 그는 pH-1, DAY6, 권은비의 앨범 아트워크를 비롯해 영화 〈대도시의 사랑법〉, 〈행복의 나라〉 포스터, 도서 표지, 노브랜드 버거 협업 등 다양한 분야에서 활동해왔다.

아리아갤러리 관계자는 "이번 전시는 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 자신의 감정과 추억을 돌아보는 시간이 되길 바란다"며 "노마 작가의 확장된 작품 세계를 가까이에서 만날 수 있는 전시가 될 것"이라고 말했다.

이번 전시에서는 신작 원화와 대표작은 물론 다양한 아트 굿즈도 함께 만나볼 수 있다.

김종영미술관은 한국 추상조각의 선구자인 김종영(1915~1982)의 예술 정신과 창작 철학을 계승하기 위해 매년 역량 있는 젊은 작가를 선정, 창작지원작가전을 개최하며 동시대 조각의 새로운 흐름을 소개하고 있다.

2026 김종영미술관 창작지원작가전 포스터  ⓒ 작가, 김종영미술관

2026 김종영미술관 창작지원작가전 포스터   ⓒ 작가, 김종영미술관

이번 전시에서 신종훈 작가는 조각의 전통적인 재료와 개념을 넘어서는 실험적 작업을 선보인다. 그는 돌이나 금속처럼 견고하고 영속적인 재료 대신 얼음, 연기, 드라이아이스처럼 시간이 지나면 사라지는 물질과 종이, 밧줄, 포대의 원료인 마닐라삼 등 연약한 재료를 활용해 인간의 형상을 구현해 왔다.

신 작가는 조각이 단순한 사실적 재현을 넘어 존재가 남기는 기척과 흔적, 그리고 사라짐의 순간까지 담아낼 수 있는지를 탐구하며, 재료의 물성과 형식적 실험을 통해 인체 조각의 새로운 가능성을 제시한다. 작품은 물질의 변화와 소멸을 통해 존재의 본질을 사유하도록 이끈다.

유상우 작가는 버려진 나무와 식물, 흙, 비누 등 시간성과 소멸을 내포한 재료를 활용해 사라져가는 사물과 장소, 그리고 사회의 경계에 놓인 존재들을 조명한다.

특히 버려진 크리스마스트리와 폐목을 수집해 향과 디퓨저를 제작하거나, 사물과 공간의 표면을 비누로 캐스팅하는 작업 등을 통해 물질의 순환과 감각의 전환을 실험한다. 시각 중심의 조각을 넘어 후각까지 작품의 영역을 확장하며 새로운 조각적 경험을 제안하는 점이 특징이다.

유 작가의 작업은 개인의 기억과 사회적 풍경이 교차하는 공간을 구축하는 동시에 상실과 소속, 안과 밖, 내부와 외부를 가르는 보이지 않는 경계의 의미를 다시 묻는다. 이를 통해 장소성과 기억, 관계의 본질에 대한 사유를 관람객에게 제시한다.

김종영미술관 채길원 학예사는 "창작지원작가전은 동시대 미술의 새로운 가능성을 모색하는 젊은 작가들의 실험정신을 지원하는 대표 프로그램"이라며 "올해 선정된 두 작가 역시 서로 다른 조형 언어를 통해 조각의 확장성과 현대적 의미를 깊이 있게 보여줄 것으로 기대된다"고 밝혔다.

한편 2026 김종영미술관 창작지원작가전은 7월 3일부터 8월 23일까지 김종영미술관 별관 1·2·3전시실에서 진행되며, 신종훈의 《번져가는 형상들》, 유상우의 《Blue Wall》을 통해 동시대 조각이 제시하는 새로운 감각과 예술적 질문을 만나볼 수 있다.

Eimei Kaneyama, Granary, 2025, Oil on canvas, stainless tacks, wood and aluminum, 62.5 x 66.5 cm  ⓒ 작가, 눈컨템포러리 

Jong Oh, Folding Drawing (triple dot) #4, 2026, wood panel, paint, string, pencil line, wire, bead, 37.5 x 17 x 5.5 cm ⓒ 작가, 눈컨템포러리 

전시는 작품을 한자리에 모으는 일이면서도 동시에 작품과 작품 사이에 적절한 거리를 만들어내는 과정이다. 각각의 작품은 독립적으로 존재하지만 같은 공간에 놓이는 순간 서로를 비추며 새로운 의미를 만들어낸다. 관람자의 시선 역시 하나의 작품에 머무르지 않고 작품과 작품 사이를 오가며 전시 전체를 하나의 경험으로 완성한다.

이번 전시의 제목인 《사이》는 관계를 하나의 개념으로 정의하거나 특정한 연결을 설명하려는 데 목적을 두지 않는다. 오히려 서로 다른 존재들이 하나의 공간 안에서 각자의 독립성을 유지한 채 함께 머무르는 상태에 주목한다. 여기서 '사이'는 서로를 하나의 의미로 환원하지 않는 열린 공간이자, 아직 규정되지 않은 감각들이 공존하는 장소로 제시된다.

참여작가 오종은 전시 공간을 면밀히 관찰하고 장소의 조건을 이해하는 과정에서 작업을 시작한다. 가는 쇠막대와 나무판, 아크릴 관, LED 조명, 구리선, 낚싯줄, 구슬과 비즈 등 다양한 재료로 구성된 설치 작업은 공간을 채우기보다 그 안에 이미 존재하던 빛과 공기, 건축적 질서를 드러내는 데 집중한다. 그의 작품은 장소와 끊임없이 관계를 맺으며 전시 공간에 따라 새로운 형태와 의미를 만들어낸다.

에이메이 카네야마의 회화는 명확한 형상을 제시하기보다 기억과 감각의 흔적을 화면 위에 겹겹이 쌓아 올린다. 완전한 추상도 구상도 아닌 경계의 상태를 유지하는 그의 작업은 벽에 캔버스 원단을 직접 타커로 고정한 뒤 오랜 시간 응시하며 완성된다. 작업이 끝난 뒤 프레임을 결합하는 독특한 제작 방식은 화면 가장자리에 남겨진 타커 자국과 못, 프레임 자체를 작품의 일부로 드러내며 회화의 물질성과 시간성을 더욱 강조한다. 작가에게 회화는 이미지를 재현하는 행위가 아니라 설명할 수 없는 감각이 화면에 스며드는 과정을 담아내는 작업이다.

두 작가의 작업은 매체와 표현 방식에서 뚜렷한 차이를 보인다. 그러나 전시는 이러한 차이를 해소하거나 하나의 공통된 의미로 묶으려 하지 않는다. 오히려 서로 다른 작업이 일정한 거리를 유지한 채 공존할 때 발생하는 긴장과 울림에 주목한다. 관람자는 작품과 작품 사이를 이동하며 각각의 작품을 새로운 맥락 속에서 경험하게 되고, 그 과정 자체가 이번 전시의 중요한 감상 방식으로 제안된다.

기획자는 "'사이'는 단순한 빈 공간이 아니라 하나의 의미가 아직 굳어지지 않은 상태이며, 서로 다른 감각들이 잠시 함께 머무는 자리"라며 "이번 전시는 그 공간을 해석하기보다 관람자가 자신의 시선으로 천천히 경험하기를 제안한다"고 설명했다.

이번 《사이》는 서로 다른 예술 언어가 하나의 공간에서 어떻게 공존하고 새로운 감각을 생성하는지를 보여주는 자리로, 작품과 작품 사이를 천천히 걸으며 관계와 거리, 그리고 감각의 풍경을 경험할 수 있는 전시가 될 것으로 기대된다. 

한편 에이메이 카네야마(1981년생)는 재일교포 3세로 일본과 미국, 한국을 오가며 형성된 경계인의 시선을 바탕으로 일상의 감각과 기억을 회화로 풀어내고 있다. 시카고 미술대학에서 회화를 전공했으며 국내외 개인전과 기획전에 꾸준히 참여해왔다.

오종(1981년생)은 홍익대학교 조소과를 졸업하고 미국 스쿨 오브 비주얼 아트(SVA)에서 순수미술 석사학위를 취득했다. 뉴욕, 서울, 마드리드 등 국내외에서 활발히 개인전을 개최했으며, 김세중청년조각상과 송은미술대상전 우수상을 수상했다. 그의 작품은 미국 넬슨 아킨스 미술관, 호주 빅토리아 국립미술관 등 주요 기관에 소장되어 있다.

Sunflower colored pencil ballpen on paper 39x50cm 2024 ⓒ 작가, 한벽원미술관

 ⓒ 작가, 한벽원미술관

전시 제목인 'nami Mon ami'는 프랑스어 'Mon ami(나의 친구)'에서 착안했다. 여기서 '친구'는 특정한 인물을 의미하는 것이 아니라 자연과 삶, 자신과 타인, 그리고 서로 다른 작품들이 맺는 관계와 보이지 않는 연결을 상징한다.

전시는 각각의 작품을 개별적인 결과물로 제시하기보다 하나의 흐름 속에서 서로를 비추고 이어지는 기록으로 구성했다. 작품 〈동백이 질 때〉는 소멸의 순간을, 〈사라지며 피는〉은 생성과 소멸이 맞닿는 순환을, 〈겹의 기록〉은 시간의 층위를 차곡차곡 쌓아 올린 흔적을 담아낸다. 각각의 작품은 독립적으로 존재하기보다 서로를 이어받으며 하나의 서사를 완성한다.

전시에서는 이번 개인전을 위해 새롭게 제작한 대형 신작도 처음 공개된다. 신작은 앞선 세 개의 연작이 담아온 주제를 하나로 아우르며, 볼펜 드로잉이 지닌 물성과 표현 가능성을 한층 확장한 작품으로 기대를 모은다.

조남희는 볼펜을 주요 매체로 사용하는 회화 작가로, 자연의 형상을 반복적으로 그려내는 과정을 통해 시간의 축적과 기록의 의미를 탐구해 왔다. 작가는 선의 밀도와 중첩을 통해 형상과 시간, 생성과 소멸의 관계를 화면 위에 시각화하며 자신만의 조형 언어를 구축하고 있다.

이번 《nami Mon ami — 나의 친구》는 반복되는 선이 만들어낸 흔적을 통해 자연과 삶, 자신과 타인, 그리고 작품과 작품 사이를 오가는 보이지 않는 관계를 사유하게 하는 전시로, 관람객들에게 시간과 존재를 새로운 시선으로 바라보는 경험을 선사할 것으로 기대된다.

이사라 작가가 꿈꾸는 유토피아, ‘원더랜드’가 서울의 여름을 따뜻한 동심으로 물들인다.

노화랑은 지난 3개월간의 파리 레지던시를 통해 작업적 지평을 넓힌 이사라 작가의 개인전 ≪A Girl From Wonderland≫를 7월 2일부터 7월 23일까지 개최한다. 그간 40여 회의 개인전과 다양한 기업 협업을 통해 대중과 활발히 소통해 온 작가는 이번 전시에서 회화 13점과 입체 작품 16점을 새롭게 공개하며 한층 깊어진 예술 세계를 선보인다.

Wonderland, 99 x 99cm, Acrylic on wood, lavender frame, 2025 ⓒ 작가, 노화랑

Wonderland, 64 x 64cm, Acrylic on canvas, pink frame, 2026 ⓒ 작가, 노화랑

Crown - girl 1, 21 X 28 X 52(h)cm, Acrylic on Resin, 2026 ⓒ 작가, 노화랑

이사라 작가의 작품 세계는 사실주의 화풍에서 시작해 인간 내면에 대한 탐구, 어린 시절에 대한 동경을 거쳐 현재의 ‘원더랜드’라는 확고한 서사로 안착했다. 작가가 설정한 원더랜드의 핵심은 ‘동심(童心)’이다.

작품 속 등장하는 인물들은 관람객을 행복과 호기심이 가득한 꿈의 공간으로 초대한다. 이는 현대인들이 일상 속에서 잊고 지냈던 순수한 감각과 감정을 따뜻하게 환기하는 매개체가 된다.

작가의 화면은 극도로 평면적이면서도 압도적인 밀도를 자랑한다. 이는 작가만의 독창적이고 고된 작업 방식에서 기인한다. 건축 재료 등을 섞어 바르고 사포질하는 밑 작업을 수차례 반복한 뒤, 아크릴 물감을 얇게 겹겹이 쌓아 올린다. 그 후 뾰족한 칼날로 표면을 세밀하게 긁어내어 흰 선의 패턴을 완성한다.

이러한 노동집약적인 과정은 작가에게는 고요한 수행의 시간이며, 작품을 마주하는 관람객에게는 행운과 정화를 바라는 의식적인 행위로 다가간다.

이번 전시의 백미는 평면 속 소녀들이 입체 조각으로 구현된 점이다. 이사라 작가는 매체를 확장하면서도 페인터 특유의 섬세한 색채 운용과 표면 처리 감각을 그대로 조각에 투영했다.

조각 위에 덧입혀진 화려한 색감과 세밀한 터치는 관람객으로 하여금 작품 속 소녀들과 더욱 밀접하게 마주하는 특별한 경험을 선사한다. 회화와 조각의 경계를 유연하게 넘나드는 이번 신작들은 작가의 예술 세계를 더욱 입체적으로 조망할 수 있는 중요한 감상 포인트가 될 전망이다.

노화랑은 “이번 전시는 작가가 오랜 시간 구축해 온 원더랜드의 세계를 깊이 있게 경험할 기회”라며 “관객들은 현실과 상상, 기억과 감정의 경계를 유영하며 그 안에서 자신만의 이야기를 발견하는 소중한 시간을 보낼 수 있을 것”이라고 전했다.

전시는 7월 23일까지 이어지며, 관람객들에게 작가가 정성껏 펼쳐 놓은 동화 같은 세계로의 여행을 제안한다.

맛은 혀끝에서 잠시 머물다 사라지지만, 그 감각은 오히려 기억 속에서 더욱 깊고 선명하게 남는다. 특정 음식의 맛은 정확한 조리법이나 이름보다 색채와 질감, 그리고 설명하기 어려운 감정의 형태로 되살아나기도 한다. 이러한 '사라진 감각의 흔적'을 회화로 탐구해 온 성은 작가의 개인전 《Fragments of Flavor: 풍미의 파편들》을 오는 7월 9일부터 16일까지 갤러리한결에서 개최한다.

Savory Immersed in Sweetness & Lonely Bitterness Longs for Sweetness, 2025, 

Acrylic, gel medium and sand on canvas, 17.9 x 17.9cm.(4 panels) ⓒ 작가, 갤러리한결

Starting with the Four Basic Tastes : Sweet, 2025, 

Oil, acrylic, gel medium, sand and gold leaf on canvas, 91 x 91cm. ⓒ 작가, 갤러리한결

Sweet Gustatory Cube Series, 2026, 

Acrylic, gel medium, modeling paste and sand on wood panel, 24.2 x 24.2cm. ⓒ 작가, 갤러리한결

이번 전시는 2026 갤러리한결 신진작가 창작지원 선정작가전으로 마련됐으며, 작가가 오랫동안 탐구해 온 기억과 감각, 그리고 미각의 흔적을 시각 언어로 풀어낸 신작들을 선보인다.

성은 작가에게 유년기의 맛은 단순한 추억이 아니라 현재까지 이어지는 감각의 원형이다. 어린 시절 경험했던 미각은 시간이 흐르며 변형되고 축적되어 현재의 감각과 기억을 형성하며, 이는 작품 속에서 새로운 조형 언어로 재탄생한다.

전시장에 소개되는 작품들은 반복적으로 등장하는 선과 작은 색면이 화면을 구성한다. 얼핏 정돈된 기호처럼 보이는 이 요소들은 기억 속에 흩어진 감각의 파편들이 잠시 머무는 지점을 상징한다. 단맛과 짠맛, 신맛, 쓴맛 등 미각의 다양한 경험은 하나의 이름으로 고정되지 않고 서로 스며들며 새로운 층위를 만들어낸다. 관람객은 이러한 화면을 통해 단순히 작품을 '보는 것'을 넘어 시각으로 맛을 경험하는 공감각적 체험을 하게 된다.

특히 이번 전시에서 주목할 부분은 색채를 단순한 시각적 요소가 아닌 '물질적 사건'으로 확장한 점이다. 성은 작가는 아크릴 물감과 겔 미디엄, 모래 등을 활용해 화면에 다양한 두께와 입자를 형성하며 감각의 밀도를 구현했다.

매끈하게 이어지는 선과 거친 질감, 얇게 퍼진 색면과 두텁게 쌓인 물성은 서로 다른 감각의 리듬과 속도를 만들어낸다. 어떤 색은 시선을 빠르게 통과하고, 또 다른 색은 화면 위에 깊게 머물며 긴 여운을 남긴다. 이처럼 캔버스는 정적인 평면을 넘어 감각이 시간 속에서 축적되고 변화해 온 흔적을 담아내는 기록의 공간으로 기능한다.

전시 서문을 맡은 김규태 연구자는 "이번 전시는 사라진 맛을 재현하려는 것이 아니라, 그 맛이 남긴 감각의 흔적을 따라가는 여정"이라며 "성은은 맛을 직접 설명하기보다 기억 속에서 끊임없이 변형되고 다시 감각되는 조건을 회화의 표면 위에 구축했다"고 평가했다.

이번 전시는 관람객들에게 각자의 기억 속에 남아 있는 풍미와 감각을 새롭게 떠올리는 계기를 제공할 것으로 기대된다. 작품 앞에서 색채와 질감이 만들어내는 감각의 잔상을 따라가다 보면, 오래전 잊고 있던 기억의 조각들이 자연스럽게 현재와 연결되는 특별한 경험을 선사할 전망이다.

한편 성은 작가는 2025년 경희대학교 일반대학원 회화전공 석사과정을 졸업했으며, 이번 개인전은 갤러리한결의 2026 신진작가 창작지원 프로그램 선정(최우수) 이후 처음 선보이는 개인전이다. 감각과 기억, 물성을 유기적으로 결합한 이번 전시는 동시대 회화가 감각의 영역을 어떻게 확장할 수 있는지를 보여주는 의미 있는 전시로 주목받고 있다.

 ⓒ 작가, 갤러리한결