오승아, Dream, 2025, Acrylic on canvas, 130.30x130.30cm. © 작가, 갤러리마리

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오승아 작가는 일상과 자연의 풍경에서 출발한 시선을 바탕으로 기억과 감정, 존재에 대한 사유를 화폭에 담아왔다. 이번 전시에서도 나무와 잎, 새, 집, 나룻배, 달, 소녀 등 익숙한 이미지들이 등장하지만, 특정한 현실을 재현하기보다는 스쳐 지나온 감정의 기억을 떠올리게 하는 장면으로 표현된다. 단순하게 정리된 공간과 색면 속에서 사물들은 뚜렷한 서사보다 느슨한 관계를 이루며 화면의 균형을 만든다.

특히 절제된 색채와 공간 구성이 눈에 띈다. 화면을 감싸는 청색과 녹색의 층위는 차분하면서도 깊은 분위기를 형성하고, 곳곳의 붉은색은 고요한 화면 속에 미묘한 온기를 더한다. 반복적으로 등장하는 나뭇잎의 형상은 시간의 흐름과 생명의 순환을 떠올리게 하며 하나의 상징적 이미지로 확장된다.

작품 속 작은 집, 한 마리의 새, 물 위에 떠 있는 나룻배 등은 구체적인 이야기를 설명하기보다 관람자의 기억과 감정을 조용히 건드린다. 이는 작가 개인의 기억이면서도 동시에 보는 이의 기억으로 이어지는 풍경이 된다.

《DREAM》전에서 말하는 ‘꿈’은 단순한 환상이 아니라 삶 속에서 쌓여온 기억과 감정 속에서 떠오르는 하나의 감각에 가깝다. 작가는 이를 명확히 설명하기보다 화면의 여백 속에 남겨두며 관람자 스스로 질문을 떠올리게 한다.

갤러리마리는 “이번 전시가 관람객 각자의 기억과 감정을 환기하는 시간이 되기를 기대한다”고 밝혔다. 이번 전시는 익숙한 풍경과 절제된 색채를 통해 관람객에게 조용한 사색의 시간을 선사할 것으로 보인다.

신리, 2025, oil on canvas, 130.3 x193.9, © 작가, 오앤갤러리

녹색불씨, 2025, oil on canvas,145.5 x112.1  © 작가, 오앤갤러리

전시 ‘녹.색.불.꽃’은 생명과 변화, 성장과 소멸이 교차하는 자연의 역동성을 시각적으로 탐구하는 자리다. 작가는 녹색이 지닌 생명의 상징성과 불꽃의 에너지 이미지를 결합해 자연 속에서 반복되는 생성과 변화의 순간을 화면 위에 구현한다.

불꽃은 생명을 지키는 따뜻한 에너지이면서 동시에 모든 것을 소멸시키는 힘을 지닌다. 녹색 역시 자연의 성장과 생명의 색이지만 때로는 불안의 상징이기도 하다. 정철교 작가는 이러한 이중적 감각에서 출발해 자연의 평온함과 그 이면의 긴장을 회화적으로 드러낸다.

작가가 작업하고 살아가는 울주군의 한 마을은 바다와 산이 어우러진 자연 환경을 지니고 있지만, 동시에 국내 최대 원자력 발전 단지 중 하나인 고리 원자력발전소와 가까운 곳이기도 하다. 평온한 자연 풍경과 보이지 않는 에너지의 긴장감이 공존하는 환경은 작가 작업의 중요한 배경이 된다.

이번 전시에서 등장하는 ‘녹색불꽃’은 이러한 감각의 은유다. 녹색은 숲과 생명의 색이면서 동시에 방사능 경고 표지의 색이기도 하고, 불꽃은 자연의 에너지이자 인간이 통제하려는 거대한 힘을 상징한다. 작가는 이 두 이미지를 겹쳐 자연과 기술, 생명과 위험이 공존하는 현대의 풍경을 시각화한다.

작품 속 형태들은 식물의 성장처럼 보이기도, 불꽃의 흔들림처럼 보이기도 한다. 이는 특정 대상의 재현이라기보다 생명 에너지의 파동을 포착한 흔적에 가깝다. 화면 위에서 녹색은 번지고 증식하며 때로는 폭발하듯 확장되고, 그 움직임은 자연의 성장과 함께 어딘가 불안한 떨림을 품고 있다.

정철교의 회화는 특정 사건을 직접 고발하기보다 색과 물질, 화면의 밀도와 확산을 통해 불안의 감각을 서서히 증폭시킨다. 관객은 화면 속 생명적 움직임을 바라보는 동시에 그 이면의 미묘한 긴장을 감지하게 된다.

1953년 경북 감포에서 태어난 정철교는 부산 동래고와 부산대학교 사범대학 미술교육과, 부산대학교 대학원 미술학과를 졸업했다. 이번 전시는 자연의 생명성과 인간이 만들어낸 에너지 사이의 긴장을 사유하게 하는 자리로 마련된다.

전시 메인 포스터 © 작가, 플랫폼엘 컨템포러리 

안자이 미즈마루가 그린 무라카미 하루키​ © 작가, 플랫폼엘 컨템포러리

강애란, The Towering of Intelligence ​© 작가, 플랫폼엘 컨템포러리

무라카미 하루키는 일본 교토에서 태어나 와세다대학교 제1문학부 영화연극과를 졸업 후 1979년 ‘바람의 노래를 들어라’로 곤조 신인문학상을 수상하며 본격적으로 작가 활동을 시작했다. ‘1973년의 핀볼’, ‘양을 쫓는 모험’, ‘세계의 끝과 하드보일드 원더랜드’ 등 다수의 작품을 발표하며 인간 내면과 사회적 현실을 섬세하게 탐구해 국제적인 주목을 받았으며, 그의 작품은 여러 언어로 번역돼 세계 여러 나라에서 출간됐다. 특히 ‘노르웨이의 숲’이 대중적인 성공을 거두며 ‘하루키 신드롬’을 불러일으켰다. 국제적인 문학상인 프란츠 카프카문학상(2006), 예루살렘 상(2009), 한스 크리스티안 안데르센 상(2016) 등 주요 국제 문학상을 수상하며 작품성을 인정받았으며, 현재 세계 문학계에서 활발히 활동하고 있다. 

안현곤, Metamorphosis2, 2021, mm on Canvas, 100 x 100 cm  © 작가, 갤러리한결

안현곤, With or without you, 2021, MM on Canvas,  92 x 70 cm  © 작가, 갤러리한결

안현곤, With or without you, 2022, MM on Canvas, 100 x 50 cm  © 작가, 갤러리한결

안현곤의 작업은 정통 개념미술(Conceptual Art)의 흐름을 바탕으로 한다. 이미 드로잉 분야에서 국내 정상급 역량을 인정받아 온 그는 이번 전시에서 회화 작업에서도 독보적인 표현 영역을 보여준다. 출품작에 등장하는 나비와 코끼리, 별 등의 형상은 자연의 요소들을 개념적으로 재구성한 것으로, 개념미술이 지닌 형상의 미학을 섬세하게 드러낸다.

특히 이번 전시에 등장하는 ‘With or Without You’ 시리즈는 작가의 치밀한 작업 과정을 잘 보여준다. 화면 위에 균형 있게 그려진 원 하나를 완성하기 위해 하루 10시간씩 4일을 집중해 작업한다는 점에서, 시간과 집중이라는 작가의 예술적 태도가 그대로 반영되어 있다. 이 작업은 작가가 독일 체류 시절 낯선 환경 속에서 밤하늘을 바라보며 느꼈던 고독과 사색에서 비롯된 것으로 알려졌다.

안현곤 작가는 작업노트를 통해 자신의 작업을 “심상의 정경”이라고 설명한다. 그는 자연을 단순히 재현하는 풍경화에 관심을 두기보다, 자연이 작동하는 방식과 그 안에 숨어 있는 질서와 우연성에 주목한다. 별자리와 우주의 움직임, 식물에서 드러나는 시간의 흐름, 계절의 변화, 그리고 우연히 남겨진 흔적과 낙서 같은 드로잉까지 다양한 요소들이 그의 작업 세계를 구성한다.

작가에게 예술은 과학적 질서와 자연의 우연성이 만나는 지점에서 탄생하는 상상력의 산물이다. 그는 자연에서 느낀 감흥을 그대로 묘사하기보다 마음의 필터를 통해 압축된 감정과 에너지로 전환해 표현한다. 그 결과 작품 속에는 선과 빛, 실루엣, 긴장과 명료함, 희미한 감각 등이 상징적 기호로 등장하며 관람자에게 새로운 시각적 경험을 제공한다.

도시와 시골의 경계에 위치한 작업실로 옮긴 뒤 자연과 더욱 가까운 삶을 이어가고 있는 그는 일상에서 얻은 감각과 기억을 작품의 주요한 영감의 원천으로 삼고 있다. 작가는 이러한 경험을 ‘스튜디오 벽 드로잉 시리즈’ 등 다양한 형식으로 풀어내며, 자신의 내면과 현실 사이에서 떠오르는 생각들을 차곡차곡 쌓아가는 작업을 지속하고 있다.

안현곤 작가는 독일 브레멘 국립조형예술대학교(Hochschule für Künste Bremen)에서 순수미술을 전공하고 마이스터슐러 과정을 마쳤다. 성남아트센터 큐브미술관을 비롯해 서울, 성남, 강릉, 용인, 독일 등에서 20여 회의 개인전을 개최했으며, 그의 작품은 독일 브레멘의 독일의료보험본부와 St. Joseph Stift 종합병원, 국립현대미술관 미술은행, 경기도 광주시립도서관, 배재대학교 박물관 등 국내외 여러 기관에 소장되어 있다.

갤러리한결은 “이번 전시는 자연과 우주의 질서, 그리고 인간의 내면적 사유를 개념미술의 언어로 풀어낸 안현곤 작가의 예술 세계를 집중적으로 살펴볼 수 있는 자리”라며 “관람객들에게 사색과 상상의 시간을 제공하는 전시가 될 것”이라고 밝혔다.

김강용, Reality+Image 2001-1981, 2020, Mixed media, 163 × 132 cm © 작가, 앤갤러리

이헌정, Island, 2021, Ceramics, 56 × 56 × 52(H) cm. © 작가, 앤갤러리

모래와 흙은 인류 문명과 예술의 출발점이 되어온 원초적 재료다. 두 작가는 이러한 물질을 각기 다른 방식으로 탐구하며 반복과 축적의 수행적 과정, 그리고 형식의 현대적 변주를 통해 동일한 물성을 서로 다른 미학적 영역으로 발전시켜 왔다.

김강용 작가는 ‘모래’와 ‘벽돌’ 이미지를 중심으로 점·선·면의 반복적 조형 구조를 구축하며 실재와 재현, 존재와 인식의 경계를 탐구해왔다. 한국 극사실회화의 대표 작가로 평가받는 그는 1980년대 산업화 시기 일상 속 벽돌 이미지를 통해 사회 현실을 반영하는 작업을 선보였으며, 최근에는 모래의 미세한 질감과 촉각성을 통해 회화의 본질에 대한 탐구를 이어가고 있다.

이헌정 작가는 흙이 지닌 가변성과 생명성에 주목하며 도예를 기반으로 조각, 가구, 설치 등 다양한 매체로 작업을 확장해왔다. 손의 움직임과 흙의 물성이 결합하고 물과 불의 과정이 더해지며 형성되는 그의 작품은 완결된 형태라기보다 생성과 흐름의 상태를 드러낸다. ‘섬’이라 불리는 스툴 작품은 유기적 형태를 통해 우주의 물질이나 심해 생명체를 연상시키는 독특한 감각을 보여준다.

두 작가의 조형적 접근은 서로 다른 방향에서 전개된다. 김강용이 하나의 대상에 집중해 그 안에서 전체의 이치를 탐구한다면, 이헌정은 다양한 형식과 매체를 넘나들며 재료의 가능성을 확장한다. 이번 전시는 이러한 상반된 시선이 ‘모래’와 ‘흙’이라는 연결된 물성 속에서 공명하는 지점을 제시한다.

김강용 작가는 홍익대학교 회화과 및 동 대학원 서양화과를 졸업했으며, 1978년 극사실회화 단체 ‘사실과 현실’을 결성해 한국 극사실회화의 흐름을 주도했다. 국립현대미술관, 서울시립미술관 등 국내외 주요 기관에 작품이 소장돼 있다.

이헌정 작가는 홍익대학교 및 동 대학원에서 도예를 전공하고 샌프란시스코 아트 인스티튜트에서 조각 전공 석사 과정을 마쳤다. 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 전시 등에 참여했으며, 그의 작품은 메트로폴리탄 미술관, 로스앤젤레스 카운티 미술관, 리움미술관 등 주요 미술기관에 소장돼 있다.

김제민, 도약, acrylic on canvas, 피그먼트펜, 18x26cm, 2025,  © 작가, 청화랑

이경하, 그 물가, 2026, 캔버스의 목탄과 유채, 45x53cm, © 작가, 청화랑

이번 전시는 서울대학교 출신의 부부 작가인 두 사람이 자연을 바라보는 서로 다른 시선을 한 자리에서 선보이는 자리다. 청화랑은 2021년에도 두 작가의 전시 《풀, 잎》을 개최한 바 있으며, 이번 전시에서는 자연에 대한 더욱 깊어진 탐구와 신작을 소개한다.

1972년생 김제민 작가는 서울대학교 서양화과를 졸업하고 판화 전공으로 석사와 박사 과정을 마쳤으며, 고려대학교 동양사학과를 졸업한 이력도 지닌 작가다. 그의 작품에는 ‘잡초’가 주요 모티프로 등장한다. 작가는 잡초의 강한 생명력을 자신의 삶에 빗대어 유쾌하게 표현하며 자연 속 생명력을 작품에 담아낸다. 현재 전남대학교 미술대학 교수로 재직 중이며 지금까지 14회의 개인전과 다수의 단체전, 아트페어에 참여했다. 작품은 국립현대미술관 미술은행, 진천군립 생거판화미술관, 양구군립 박수근미술관, 양평군립미술관 등 여러 기관에 소장되어 있다.

1976년생 이경하 작가는 이화여자대학교 국어국문학과를 졸업한 뒤 홍익대학교 회화과 장학생으로 미술을 시작했으며 이후 서울대학교 서양화과와 대학원을 마쳤다. 청화랑과는 2014년 임태규 작가와의 2인전 〈Contrast〉를 통해 인연을 이어왔다.

이경하 작가는 목탄 작업을 통해 자연의 변화와 본질을 탐구한다. 작가는 “내 그림 속 자연은 색으로 정의할 수 없는 존재이며, 반복되는 그리기와 지우기의 과정 속에서 자연의 본질이 드러난다”고 설명한다. 그는 7회의 개인전과 다수의 단체전 및 아트페어에 참여했으며 작품은 국립현대미술관, Goldcoast City Gallery(호주), 포스코경영연구소 등 국내외 기관에 소장되어 있다.

청화랑은 “자연을 깊이 이해하고 관찰해온 두 작가의 신작을 통해 자연의 다양한 모습과 본질을 새롭게 느낄 수 있을 것”이라고 전했다.

  © 작가, 대전 아리아 갤러리

남지형, 나란히, 91x91cm, oil on canvas, 2025  © 작가, 대전 아리아 갤러리

김선, 달항아리-세상을품다, 53.0x45.5cm, mixed media, 2026  © 작가, 대전 아리아 갤러리

전시는 유럽 미술 시장과의 접점을 확장하기 위한 ‘프렐류드(Prelude)’라는 제목처럼, 국제 무대를 향해 나아가는 한국 작가들의 출발점을 보여준다. 서로 다른 조형 언어와 감각을 지닌 작품들이 한 공간에서 펼쳐지며, 동시대 한국 회화가 세계와 만나는 다양한 방식과 가능성을 제시한다.

참여 작가는 김선, 남지형, 박기훈, 송태화, 심봉민, 안하정 등 총 6명이다. 이들은 회화적 실험과 감각의 확장을 통해 각기 다른 시각적 밀도와 서사를 구축하며 한국 현대미술의 다층적인 면모를 드러낸다.

특히 이번 전시는 국내에서 공개되는 마지막 자리라는 점에서도 의미가 있다. 출품작들은 전시 종료 이후 독일에서 열리는 특별전으로 이어질 예정으로, 한국 작가들이 국제 무대에서 어떤 예술적 संवाद을 펼칠지에 대한 기대감을 높이고 있다.

아리아 갤러리 관계자는 “이번 전시는 유럽 무대를 향한 한국 회화의 서막과 같은 자리”라며 “국내 관람객들이 세계 무대로 나아갈 작가들의 주요 작품을 한자리에서 만날 수 있는 기회가 될 것”이라고 전했다.

김홍년, 화접(花蝶),  220x 220cm, acrylic, 2023 © 작가, 토포하우스

김홍년, 화접(花蝶), 185cm x 420cm, acrylic, 2018-2020 © 작가, 토포하우스

1996년 이후 나비를 주요 모티프로 작업해 온 김홍년은 꽃과 나비 이미지를 통해 삶과 공존, 존재와 감정의 본질을 사유해 왔다. 이번 전시는 그가 오랜 시간 구축해 온 ‘화접(花蝶)’ 연작을 통해 감정이 어떻게 형상을 이루고, 존재의 구조로 확장되는지를 미술사적·시장적 맥락 속에서 다시 환기한다.

작가의 화면에서 꽃은 단순한 자연의 재현이 아니다. 각각의 꽃은 ‘감정의 단위’로 기능한다. 수백, 수천 송이의 꽃이 화면 위에 축적되며 하나의 거대한 나비 형상을 이루는데, 이는 감정이 응결되고 조직화되어 존재의 형상을 만들어내는 과정을 시각화한 것이다. 김홍년은 감정을 직접적으로 드러내기보다, 감정이 어떻게 구조화되어 인간을 형성하는지를 보여주는 데 주력한다. 이때 나비는 장식적 상징을 넘어, 존재의 구조를 사유하게 하는 조형적 장치로 작동한다.

특히 나비의 좌우 날개는 유사해 보이지만 완전히 같지 않다. 색과 배열, 리듬의 차이는 결핍이 아니라 비행을 가능케 하는 조건으로 읽힌다. 연약한 한 송이 꽃이 모여 거대한 날개를 이루듯, 개인 역시 집합과 관계 속에서 더 큰 의미를 획득한다. 화면 속에서 서로 다른 요소들은 충돌하지 않고 균형을 이루며, 개인과 공동체, 그리고 공존의 구조를 시각적으로 드러낸다.

전통 회화에서 화접은 번영과 장수를 상징하는 길상의 이미지였다. 그러나 김홍년은 이를 외적 기원의 차원을 넘어 내면의 문제로 확장한다. 그의 나비는 행운을 기원하는 상징이 아니라 “감정은 살아 있는가”라는 질문을 던진다. 감정이 메마르지 않은 상태, 즉 ‘안쪽의 복’을 성찰하게 하는 것이다.

1978년 물성과 오브제 작업으로 출발한 작가는 1980년대 초 실험적 미술그룹 ‘난지도’를 창립하며 물질의 존재성을 탐구했다. 이후 1996년부터 나비를 상징 언어로 삼아 존재와 감정, 사회적 연대의 문제를 지속적으로 다뤄왔다. 2016년 한강 세빛섬에 설치한 〈날다 날다 날다 201603-diary〉는 24미터 규모의 거대한 날개 구조물로, 공공 공간에서 예술의 확장 가능성을 제시한 사례로 평가된다. 기업 협업과 공공기관 소장 이력 또한 그의 작업이 제도와 시장 안에서 지속성을 확보해 왔음을 보여준다.

이번 전시에서는 층고 4.6미터의 자연채광 전시장에 240×400cm, 220×420cm 대형 연작을 포함해 총 16점이 소개된다. 감정의 집적과 확산, 그리고 존재로의 비약이라는 주제가 압도적인 스케일 속에서도 일관되게 관통한다.

새봄의 문턱에서 열리는 이번 전시는 ‘감정은 어떻게 구조가 되고, 구조는 어떻게 존재가 되는가’라는 질문에 대한 김홍년의 조형적 응답을 확인하는 자리가 될 전망이다

고소미 개인전 《다양체: Multiplicity》 © 작가, 스페이스 톤

고소미는 모든 존재자를 각기 다른 기억과 인연의 결을 지닌 ‘다양체’로 바라본다. 존재자는 세계 속에서 변화와 운동을 거듭하며 생성과 소멸의 과정에 놓여 있고, 그 축적의 결과로 생긴 수많은 ‘습곡’을 통해 타자와 구별된다.

작품들은 겹겹의 주름과 중첩된 표면으로 개별자의 내면과 외부 세계의 관계를 드러낸다. 비슷해 보이지만 결코 동일하지 않은 형상들은 ‘부정 없는 차이’와 ‘생성과 창조로서의 반복’을 환기한다. 반복은 동일성의 복제가 아닌 차이를 낳는 창조적 행위이며, 그 차이는 곧 존재의 존엄을 드러낸다.

이번 전시는 특히 ‘흔적’에 주목한다. 흔적은 부재를 전제하지만, 그 부재를 통해 오히려 존재를 사유하게 한다. 타자와의 교류 속에서 남겨진 흔적은 개인 내부에 축적되며 새로운 생성의 동력이 된다. 《다양체》는 존재를 단일한 정체성으로 환원하지 않고 끊임없이 변화하는 복수적 과정으로 조명한다.

© 작가, 스페이스 톤
 

이대희, Hover, 24, Acrylic, on,  Canvas, 38cmx45.5cm, 2022  © 작가, 갤러리내일

이대희, Hover20-1, Acrylic on Canvas, 72.7cmx60.6cm, 2022 © 작가, 갤러리내일

이대희의 화면은 직관적으로 소비되는 이미지와 거리를 둔다. 반복적인 레이어링과 절제된 색의 중첩을 통해 화면 안에 시간의 밀도를 축적하며, 작품은 단번에 읽히지 않는다. 가까이 다가설수록 표면의 미세한 흔적과 깊이가 드러나고, 관람자의 시선을 지연시키며 ‘보는 행위’ 자체를 사유하게 만든다.

작가는 “화면은 하나의 장이 아니라 수많은 시간과 감각의 층이 엉겨 있는 감응의 지형”이라고 말한다. 온기와 냉기, 투명과 불투명은 충돌하지 않고 유기적으로 흐르며, 작업은 단일한 제스처가 아닌 얽히고 포개지는 움직임의 반복 속에서 형체를 얻는다.

그의 회화는 ‘덧입히기’와 ‘가리기’라는 두 행위를 축으로 전개된다. 브러시의 경로는 기록이자 삭제이며, 생성이자 침묵이다. 먼저 남겨진 흔적은 이후 행위에 의해 은폐되거나 재해석되고, 경계와 층의 순서는 끊임없이 뒤바뀐다.

특히 화면에는 물리적으로 불가능한 구조가 암시된다. 이는 Roger Penrose의 ‘펜로즈의 환영’을 떠올리게 하며, 2차원의 회화 안에서 불가능한 입체를 시도하는 실험으로 읽힌다.

전시는 무료로 관람할 수 있으며, 속도에 익숙한 동시대 관람 환경 속에서 ‘지연된 시선’의 가치를 환기하는 자리가 될 전망이다.

 권지안, Humming Letter, 227.3x181.8cm, Mixed media on Canvas, 2025 © 작가, 갤러리위 청담

 권지안Humming Letter, 112.1x145.5cm, Mixed media on Canvas, 2026 © 작가, 갤러리위 청담 

반복적으로 등장하는 사이프러스 나무와 꽃, 흔들리는 자연의 형상은 특정 장소의 기록이 아닌 정서의 잔향에 가깝다. 이는 재현 중심의 풍경화에서 벗어나 감각의 발생과 내면의 진동을 시각 언어로 번역하려는 시도다. 작가가 말하는 ‘허밍(humming)’ 은 의미로 규정되기 이전의 소리이자, 언어 이전 감정의 근원적 울림을 뜻한다. 그의 회화는 그 미세한 울림을 물질로 고정하는 과정이라 할 수 있다.

조형 방식 역시 이러한 태도를 뚜렷이 보여준다. 권지안은 붓 대신 손가락으로 물감을 얹고 밀고 문지르며 이미지를 형성한다. 지두화는 단순한 기법을 넘어 신체를 회화의 중심에 두는 행위다. 겹겹이 쌓인 두터운 물질성과 색채의 층위는 시각적 효과를 넘어 시간의 축적과 정서의 밀도를 드러낸다.

그의 작업은 재현과 추상 사이의 긴장 속에서 풍경을 ‘보이는 대상’이 아닌 ‘경험되는 장면’으로 전환한다. 진동하는 색채와 불완전한 윤곽은 해석 이전의 감각을 유도한다. 《HUMMING ROAD》에서 ‘길’은 목적지를 향한 경로가 아니라 감정과 기억이 흐르는 시간의 과정이다.

안나연 큐레이터는 “권지안의 회화는 풍경이 경험되는 순간을 드러내는 작업”이라며 “조용한 허밍이 관람자의 내면과 공명해 또 다른 풍경을 생성할 것”이라고 밝혔다. 이번 전시는 내면의 시간을 다시 불러내는 감각의 여정이 될 전망이다.

전시는 작업을 ‘움직임의 기록’으로 바라본다. 작품은 작가의 몸과 감정, 속도와 에너지가 응축된 흔적이며, 완성된 결과물은 멈춤 이전의 모든 동작을 압축한 순간이라는 해석이다. 서로 다른 매체를 다루는 두 작가는 각기 다른 리듬을 지니고 있으며, 전시는 이 개별적 ‘춤’을 병치해 몸의 언어가 어떻게 다른 형식으로 드러나는지 보여준다.

김하나,  Happy Condition 4,  2022 Oil on polyester blanket and wood panel 181.8 x 227.2cm​ © 작가, 갤러리플래닛

 이예주,  Dusty Pillar,  2024 Plaster, polystyrene, acrylic 30 × 94× 29cm © 작가, 갤러리플래닛

김하나 작가는 회화의 평면성을 강조한다. 빙하와 바다, 대지와 하늘 같은 거대한 풍경이 등장하지만, 이는 자연의 재현이라기보다 평면 위에 남겨진 신체의 밀도에 가깝다. 중요한 것은 풍경 자체가 아니라, 그 장면을 마주한 작가의 몸과 시선이다. 붓질과 화면의 결은 세계를 모사한 흔적이 아니라 세계와 맞닿은 몸짓의 기록으로 읽힌다. 그의 화면은 공간을 묘사하는 동시에 퇴적과 풍화처럼 축적된 시간을 품은 ‘시간의 압축면’으로 확장된다.

이예주 작가는 석고를 활용한 부조와 조소 작업을 선보인다. 성형하고 덧대고 깎아내는 과정을 반복하며 형태의 ‘끝’을 찾아가는 그의 작업은 물질의 저항이 드러나는 지점까지 나아간다. 종유석처럼 유선형의 굴곡을 지닌 조각들은 시간과 사고의 축적을 거쳐 형성된다. 서 있는 형상은 구체적 신체의 재현이라기보다 몸의 가능성을 환기하는 덩어리에 가깝다. 채도 높은 표면은 과거와 미래의 시간이 교차하는 비선형적 감각을 불러일으킨다.

전시 제목은 소설가 은희경의 작품명에서 차용됐다. 이는 타인에 기대지 않고 스스로의 리듬을 지켜내는 삶의 태도를 상징한다. ‘마지막’은 종결이 아니라 반복 끝에 도달한 응결점이자 다음 움직임을 위한 도약의 순간이다. 전시는 결국 두 작가가 자신의 몸과 리듬을 끝까지 붙드는 태도에 보내는 찬사다.

© 작가, 갤러리플래닛 

이상민, Ruptured Strata#1:Outburst, 2026, Mixed media on canvas,162x112.1cm © 작가, 갤러리한결 

이상민, Ruptured Strata#2:Fissure, 2026, Mixed media on canvas,162x112.1cm © 작가, 갤러리한결

전시장에 선보이는 작품들은 초기의 추상적 이미지부터 물감과 캔버스의 물리적 긴장을 전면에 드러내는 최근 작업에 이르기까지, 하나의 흐름 속에서 변화의 과정을 보여준다. 작가는 처음에는 보이지 않는 에너지와 관계를 상상해 화면 위에 재현하는 데 집중했지만, 점차 그 힘이 이미지 안에 머무르지 않고 물감과 캔버스의 물질적 관계로 확장되는 지점에 주목해왔다.

전시된 작품들은 푸른 빛과 백색, 그리고 짙은 어둠이 뒤엉킨 화면 속에서 서로를 밀고 당기며 휘감기는 에너지의 흔적을 담고 있다. 물감이 흘러내리거나 갈라지며 형성한 균열, 표면 위로 솟아오른 물질의 층위는 단순한 평면 회화를 넘어 하나의 구조적 지층처럼 느껴진다. 일부 작품에서는 물감이 캔버스 표면에서 들려 올라가 돌출된 형태로 존재하며, 화면 밖으로 확장되는 물질적 압력의 흔적을 드러낸다.

작가의 작업은 ‘힘’이라는 비가시적 요소를 반복적인 붓질과 물감의 축적이라는 물리적 행위를 통해 가시화한다. 3차원의 환영을 만들기 위해 쌓인 물감은 깊이를 재현하는 데 그치지 않고, 실제 압력으로 작용하며 평면의 상태를 변화시킨다. 층과 층 사이의 압박은 결국 표면을 밀어 올리고, 환영을 구성하던 물질은 스스로 부피와 무게를 지닌 구조로 변모한다.

전시서문에서 작가는 “새로운 것이 생기거나 상태가 변한다는 것은 언제나 힘이 작용한 결과”라며 “이 작업은 보이지 않는 힘을 상상하는 데서 출발해, 서로를 밀고 당기며 겹치고 휘감기는 긴장을 화면 위에 붙잡으려는 시도”라고 설명한다. 이어 “재현을 위해 존재했던 물감은 더 이상 표면에 머물지 않고, 이미지와 사물의 경계 위에서 하나의 오브제로 서게 된다”고 밝혔다.

〈Ruptured Strata〉는 이미지 중심의 회화에서 물질과 구조 중심의 회화로 이동하는 과정을 하나의 연속된 흐름으로 제시한다. 평면 위에 쌓인 환영이 결국 물리적 실체로 전환되는 역설을 드러내며, 회화의 경계를 확장하는 새로운 가능성을 제안하는 전시로 기대를 모은다.

{동영상:https://youtu.be/bhT7j7KCa9E?si=BmkHf7YmXJseOxmr|bhT7j7KCa9E}

소장품 주제기획전 전시전경 © 작가, 성남큐브미술관

소장품 주제기획전 전시전경 © 작가, 성남큐브미술관

소장품 주제기획전 포스터 © 작가, 성남큐브미술관

성남큐브미술관의 소장품을 하나의 주제로 엮어 선보이는 ‘소장품주제기획전’은 지역 공공미술관이 단순한 작품 수집을 넘어 지역 예술가의 창작 기반을 다지고, 그 결실을 시민과 공유하는 선순환 구조를 실현한다는 점에서 의미가 있다.

이번 전시는 2025년 진행한 성남 지역작가 대상 소장품 구입 공모에서 최종 선정된 12명 작가의 작품을 시민들에게 처음 공개하는 자리다. ‘찬란한 고요’를 주제로 반복되는 일상에서 포착한 찰나의 감각을 작가 각자의 예술 언어로 풀어낸 작업들을 소개한다. 빛나는 감각의 순간과 그 이면의 고요한 성찰을 함께 담아낸 작품들은 동시대를 살아가는 우리의 내면을 조용히 비추며, 관람객에게도 일상 속 ‘자신만의 고요한 순간’을 발견할 것을 제안한다.

이번 전시에서는 소장품 활용 방안도 모색한다. 성남미디어센터와 협력해 소장품 이미지와 AI 기술을 활용한 시민 참여형 전시 연계 프로그램을 운영할 예정이며, 세부 프로그램 및 신청 방법은 전시 개막일인 2월 20일(금), 성남큐브미술관 홈페이지 및 전시장 현장에서 공개된다. 이를 통해 소장품 전시뿐 아니라 시민 참여와 디지털 콘텐츠로 확장하는 시도로 이어갈 예정이다.

또한 전시장 내 종이 사용을 최소화하고, 작품 정보와 해설을 QR코드 기반 디지털 콘텐츠로 제공하는 등 ESG 경영에 따른 친환경 전시 운영 방식도 도입됐다.

윤정국 성남문화재단 대표이사는 “시민의 공공 자산인 소장품을 더 많은 사람들이 만나고 공감할 수 있도록 다양한 방식으로 활용 범위를 확장해 나갈 것”이라면서 “전시와 교육, 디지털 콘텐츠를 통해 지역사회와 가까이 호흡하는 공공미술관의 역할을 이어가겠다”고 밝혔다. 

Blooming Memories-꽃밭에서, 2025, film, resin, acrylic box, 90x90x10cm © 작가, 세브란스 아트 스페이스

Hidden Emotion-숨겨진 감성, 2013, film, resin, acrylic box, 90x90x3cm © 작가, 세브란스 아트 스페이스

김범수 작가는 영화 필름 속에 축적된 다양한 역사와 배경, 그리고 수많은 인간의 이야기를 ‘정지된 기억’의 형태로 포착한다. 35mm, 16mm, 8mm 필름 프레임에 집약된 시간과 공간의 파편들은 작가의 재편집을 거쳐 하나의 새로운 미적 언어로 재구성된다. 영화 필름 특유의 색과 빛, 그리고 개별 이미지의 조각들이 하나로 결합해 서사를 완성하는 방식은, 영화의 본질적 구조를 시각예술로 번역한 시도로 읽힌다.

이번 전시는 특히 성스러움과 세속성이 교차하는 영화 속 장면들을 선별해 스틸 필름 이미지로 재구성한 작품들로 구성된다. 인간의 꿈과 욕망, 갈등과 사랑 등 다양한 감정이 담긴 영화 장면들을 한 공간에 모아, 작품 너머에 존재하는 또 하나의 ‘가상적 서사 공간’을 구축하는 것이 핵심이다.

전시 공간은 단순한 감상의 장소를 넘어 사유와 명상, 치유의 장으로 설정되었다. LED 조명을 활용한 영화 필름의 빛 효과는 이미지의 깊이와 확장성을 강조하며, 끊임없이 이어지는 서사의 흐름을 시각적으로 구현한다. 이를 통해 관람객은 일상 속에서 무뎌진 감각을 환기하고, 자기 자신을 위로하는 정서적 경험을 마주하게 된다.

김범수 작가는 홍익대학교 미술대학 조소과를 졸업하고, 뉴욕 School of Visual Arts에서 MFA를 취득한 후 영상과 설치를 넘나드는 작업을 지속해왔다. 이번 전시는 그가 오랜 시간 탐구해온 ‘이미지와 기억’, ‘빛과 서사’의 문제를 집약적으로 보여주는 자리다.

전시는 2026년 4월 30일까지 세브란스 아트 스페이스에서 이어진다.

Toward the Light 14,  20.5 x 19.5 x 38.5 cm,  White Marble Epoxy Resin LED,  2025, © 작가, 리앤배

Toward the Light 5,  60 x 9.5 x 43 cm,  White Marble Epoxy Resin LED,  2025, © 작가, 리앤배
 

전시는 냉철하고 견고한 암석의 물성과 따뜻한 광원의 대비를 통해 현대인이 직면한 내면의 심연을 성찰하고, 불확실한 현실 속에서도 끊임없이 지향점을 찾아 나아가는 인간의 역동적 여정을 조명한다. 전시 제목이 시사하듯, 작가는 스스로 빛을 향해 나아가는 능동적 행위를 통해 자아의 위치와 목적지를 인식할 수 있다는 철학적 메시지를 시각적으로 구현한다.

팀 리의 작업은 유년기의 감각적 경험에서 출발한다. 어린 시절 돌을 수집하며 자연물의 질감을 체득한 그는 초등학교 시절 광학 카메라를 통해 빛과 그림자의 관계를 탐구하기 시작했다. 이후 대학 시절 강의실 구석에 방치된 석재를 계기로 예술적 전환점을 맞이한다. 그는 버려진 돌의 형상에서 사회적 소외와 인간 존재의 고단한 실존을 읽어내며 이를 조형 언어로 승화시켰다.

작가의 작업 세계를 관통하는 핵심 개념은 ‘주광성(Phototaxis)’이다. 모든 생명체가 생존을 위해 빛을 향해 반응하듯, 인간 역시 빛을 통해 타자를 인식하고 자신의 존재를 확인한다는 가설을 바탕으로 한다. 이를 시각화하기 위해 작가는 대만산 대리석을 주된 매체로 사용하고, 에폭시 공정을 통해 돌의 표면 투과율을 높여 내부에서 빛이 스며 나오는 듯한 효과를 구현한다. 이 과정에서 단단하고 불투명한 광물은 생명성을 지닌 유기적 존재로 변모한다.

작가에게 인생은 어두운 동굴이나 짙은 안개 속 산을 홀로 지나가는 여정과 같다. 그러나 그는 타인의 격려와 연대가 길을 밝히는 빛이 될 수 있다고 말한다. 작품 속 인물 형상은 인간의 유한성과 연약함을 드러내지만, 그 주변을 감싸는 빛은 가족과 동반자로부터 비롯된 심리적 안정과 희망의 상징으로 작동한다.

1993년생인 팀 리는 대만 대엽대학교 예술대학에서 조형 예술을 전공했다. 그는 대만에서 다섯 차례의 개인전을 개최했으며, 한국과 인도네시아 등 아시아 주요 아트페어에 참여하며 국제적 활동 영역을 넓히고 있다. 전통적 재료인 석재와 목재에 동시대적 빛의 요소를 결합해 독자적인 조형 언어를 구축해온 그는, 물질과 비물질의 경계를 탐구하는 젊은 조각가로 주목받고 있다.

이번 전시는 물질과 빛의 상호작용을 통해 인간 존재의 의미를 묻고, 어둠 속에서도 빛을 향해 나아가는 삶의 방향성을 사유하게 하는 자리로 기대를 모은다.

이동훈, 줄 맨드라미, 다알리아, 코스모스, 천일홍, 2025, Acrylic on ginkgo, 43 x 92 x 41cm, © 작가, 드로잉룸

임희재, Study for Stuffed Stuffed Chamois and Wild Sheep, 2022, Oil on canvas, 27.3 x 34.8cm, © 작가, 드로잉룸

이번 전시는 2019년 개관 이후 드로잉룸이 꾸준히 이어온 ‘신진작가 지원 프로그램’의 궤적을 되짚는 자리다. 공간은 매해 선정한 신진작가들과 장기적인 대화를 기반으로 개인전을 기획해 왔으며, 이러한 과정 속에서 동시대 미술의 감각과 시선을 젊은 작가들의 언어로 구체화해 왔다.

Part 1에는 김민수, 로지은, 이동훈, 임희재가 참여한다. 김민수는 일상의 언어와 감각을 회화로 번역하며 동시대적 정서를 섬세하게 포착해 온 작가로, 최근 개인전 《아이의 언어》와 《어제, 오늘, 라이브》를 통해 주목받았다. 로지은은 한국화를 기반으로 이미지와 서사를 유연하게 재구성하며 개인전 《리틀 레퍼런스》를 선보인 바 있다. 이동훈은 회화와 조각을 넘나드는 작업으로 ‘어떻게 그릴 것인가’라는 태도의 문제를 지속적으로 탐구해 왔으며, 국립현대미술관 미술은행 등 주요 기관에 작품이 소장되어 있다. 임희재는 박제된 동물이라는 모티브를 통해 인간의 욕망과 대상화의 문제를 은유적으로 풀어내는 작업으로 주목받고 있다.

이어 Part 2에는 이산오, 조상은, 최유정, 한지형이 참여한다. 이산오는 동양화와 도예를 넘나들며 삶과 죽음, 물질과 존재를 잇는 ‘새’의 상징성을 탐구하고, 조상은은 평면의 물질성과 시간성을 통해 이미지 과잉 시대의 회화적 본질을 질문한다. 최유정은 오랜 준비 과정을 통해 공간과 개인의 서사를 결합한 작업을 선보이며, 한지형은 미래적 신체와 공간 재구성을 통해 설치와 회화의 경계를 확장해왔다.

전시 제목 《Till 7, From 7》은 지난 7년의 축적된 시간과 앞으로의 시작을 동시에 가리킨다. 드로잉룸은 매년 반복되는 전시 준비의 과정 속에서 경험해 온 설렘과 긴장을 “일상을 기념하는 작은 축제”로 확장하고자 한다. 이는 이탈리아 시에나의 전통 축제 팔리오(Palio)에서 착안한 개념으로, 반복되는 일상을 스스로 기념할 때 비로소 축제가 된다는 인식을 바탕으로 한다.

드로잉룸 관계자는 “이번 전시는 지난 시간 동안 함께해 온 작가들의 서사와 태도가 한 공간에서 교차하며 또 다른 리듬을 만들어내는 자리”라며 “각자의 자리에서 축적해 온 시간이 공명하는 순간을 통해, 예술이 지닌 반복과 갱신의 의미를 다시금 환기하고자 한다”고 밝혔다.

개관 7주년을 기념하는 이번 전시는 드로잉룸의 과거와 현재, 그리고 앞으로의 방향성을 동시에 조망하는 자리이자, 신진작가와 함께 성장해 온 공간의 정체성을 다시 확인하는 계기가 될 전망이다.

《Frozenism: Ice Speaks, Frozen Voice》 3·1 의 기억을 듣다 포스터

이번 작업은 얼음을 단순한 조형물이 아닌 시간과 감정, 역사적 기억의 저장소로 전환한다는 점에서 의미를 더한다. 얼음 속에 갇힌 목소리와 순간들은 물질적 형상에 머무르지 않고, 시간이 흐르며 녹아내리는 과정 속에서 감각적 사건으로 관객 앞에 드러난다. 관객은 설치된 얼음 구조물 주변에서 차가운 공기와 물방울이 떨어지는 소리, 빛과 그림자가 만들어내는 미묘한 변화를 직접 체험하게 된다. 특히 녹아내리는 얼음의 물줄기는 눈물처럼 흘러내리는 기억을 시각화하며, 관객은 자연과 시간, 역사적 서사를 동시에 감각하는 경험을 하게 된다.

이 퍼포먼스는 “기억은 멈추지 않는다”는 질문을 던진다. 얼음 속에 보존된 목소리들은 과거의 유물이 아니라, 지금도 우리 안에서 울리고 있는 자주독립의 의지로 존재한다는 메시지를 담고 있다. 퍼포먼스는 이 목소리에 귀 기울이고, 흘러내리는 물 — 곧 눈물의 흔적을 가슴에 담는 행위로 이어지며, 관객이 단순히 관람하는 것을 넘어 시간과 기억의 흐름을 몸으로 체험하도록 유도한다.

성서는 “역사적 기념을 넘어 현재적 질문을 던지는 작업을 하고 싶었다”고 이번 작업을 선보이는 의미를 밝혔다. 그는 얼음이라는 매체가 가진 물질적 특성과 철학적 의미를 결합해 시간과 변화의 흐름을 예술적 언어로 재구성하고, 과거와 현재를 연결하는 감각적 통로를 만들고자 했다고 설명했다.

이번 퍼포먼스는 2월 28일 오후 2시부터 6시까지 진행되는 삼일절 기념 특별 이벤트로 마련되며, 관객들은 얼음이 말하는 시간과 순간, 눈물과 기억을 시각·촉각·청각으로 체험하며, 과거의 역사와 현재의 감각이 맞닿는 순간을 직접 마주하게 될 것으로 기대된다.

{동영상:https://youtu.be/F0DX-CTB27o?si=Dh1R8o5wE875XeIu|F0DX-CTB27o} 

김정아, 풍경 Wind chime, 2025, 51 x 23.5 x 1.4 cm. © 작가, 눈 컨템포러리

유창창, 내가 예뻐요 Am I pretty, 2024, Acrylic, animation paint, fabric ink, paint marker, nail polish, colored pencil on canvas,72.7 x 72.7cm© 작가, 눈 컨템포러리 

전시 제목인 ‘사과와 과도’는 동일한 대상이 놓인 관계에 따라 전혀 다른 감각으로 읽히는 상황에서 출발한다. 낯선 이의 손에 들린 사과와 과도는 경계의 신호가 되지만, 익숙한 이의 손에 들린 그것은 환대의 장면이 된다. 대상은 변하지 않지만 관계가 감각을 바꾼다는 점에서, 전시는 친밀함과 거리감이 동시에 유지되는 상태를 회화적 형식 안에서 풀어낸다.

김정아는 일상에서 수집한 천 조각, 종이, 실, 비즈, 나뭇가지, 철사 등 다양한 재료를 엮고 꿰매며 느슨하게 연결된 구조를 만든다. 이미 사용되었거나 오랜 시간 보관된 사물들은 작가의 손을 거치며 하나의 화면 안에서 새로운 관계를 형성한다. 그의 회화는 이미지를 고정하기보다, 서로 다른 시간과 맥락을 지닌 물질들이 한 표면 위에서 공존하도록 열어두는 장에 가깝다. 중심과 주변의 위계 없이 요소들은 서로를 지지하며, 화면은 완결을 유예한 채 열린 상태로 남는다.

유창창은 보다 분명한 형상을 제시하면서도, 그것이 하나의 의미로 확정되는 순간을 끊임없이 미룬다. 화면 속 얼굴은 단일한 인물로 닫히지 않고, 윤곽 안에 또 다른 실루엣이 겹쳐진다. 배경 또한 특정 장소로 규정되지 않은 채 하늘, 바다, 설원, 사막 등 다양한 풍경을 연상시킨다. 자동차, 사과, 빵 등 단서가 되는 사물들은 등장하지만, 서사를 완결짓지는 않는다. 그의 화면은 부드러운 색조와 옅은 유머를 머금은 채 설명되지 않는 여백과 고요를 유지하며, 이미지가 확정되기 직전의 상태에 머문다.

두 작가는 서로 다른 방식으로 표면을 구성하지만, 작업은 공통적으로 완결되지 않은 상태와 관계의 조건을 드러낸다. 김정아가 물질 간의 연결을 통해 관계를 드러낸다면, 유창창은 형상과 공간의 중첩을 통해 긴장과 거리를 형성한다. 전시는 이처럼 ‘열려 있으나 완전히 무방비하지 않은’ 상태, 형성되지만 일정한 거리를 남기는 관계의 순간을 감각적으로 제안한다.

김정아(1983년생)는 서울대학교 서양화과를 졸업하고 뉴욕 아트 스튜던트 리그에서 수학했다. 국내외에서 8회의 개인전을 개최했으며, 이방인으로서의 경계 감각을 바탕으로 물질의 병치와 연결을 탐구해왔다. 유창창(1974년생)은 한국예술종합학교 영상원 애니메이션과를 수료했으며, 다수의 개인전과 국제 기획전에 참여했다. 회화와 만화적 도상을 넘나드는 작업으로 독자적인 영역을 구축해왔고, 2017년 ‘종근당 예술지상’ 작가로 선정된 바 있다.

서울 종로구에 위치한 노화랑은 2026년 2월 12일부터 3월 5일까지 신진 작가 김란의 첫 개인전 〈Throw back〉을 개최한다. 이번 전시는 도시 풍경을 주요 모티프로 삼아 색과 선의 축적을 통해 시간과 기억, 감정의 층위를 탐구해 온 작가의 10년간 연구와 작업의 결실을 선보이는 자리다.

김란, 도시의 화음 01, Mixed media on Canvas, 130.0 x 162.2cm, 2024. © 작가, 노화랑

김란,  LE - L 02, Mixed media on Canvas, 72.7 x 60.6cm, 2023. © 작가, 노화랑
 

김란, H - 수원화성, Mixed media on canvas, 130.3 x 130.3cm, 2025. © 작가, 노화랑

김란, D - 대릉원,  Mixed media on canvas, 130.3 x 130.3cm, 2025. © 작가, 노화랑
 

김란은 신진 작가임에도 탄탄한 내공을 바탕으로 화면을 치밀하게 조직해 온 회화 작가다. 그의 작품은 관람자의 시선을 자연스럽게 화면 안으로 이끈다. 멀리서 보면 구조적으로 배열된 도시 전경이 펼쳐지지만, 가까이 다가갈수록 수없이 중첩된 선의 레이어가 만들어내는 밀도와 리듬이 감각을 자극한다.

작품 속 도시 풍경은 코로나 시기 전국을 오가며 마주한 랜드마크와 한옥, 놀이공원 등 다양한 장소에서 출발한다. 이러한 장면들은 작가의 개인적 경험과 기억의 층위를 거치며 재구성되어 화면 위에 구현된다.

작가에게 도시는 다양한 존재와 시간이 교차하는 유기적 공간이다. 각기 다른 건물과 구조는 서로 연결된 상태로 화면을 채우며, 이러한 인식은 버드뷰 시점과 구조적 구성으로 확장된다. 작품 속에는 인물이 등장하지 않지만, 빛의 배열과 건물의 밀도, 공간의 흐름을 통해 그곳에 스며든 삶과 시간의 흔적을 드러낸다. 과거와 현재의 시간이 한 화면 안에서 공존하는 풍경은 작가의 주요 연작이 지닌 ‘노스탤지어’의 정서와 맞닿아 있으며, 현재의 시점에서 떠오르는 기억의 감각을 환기한다.

김란의 작업에서 특히 두드러지는 요소는 색감이다. 그는 캔버스 위에 이미지를 스케치한 뒤 모르타르 미디엄을 혼합해 채색하고, 그 위에 가는 선을 수없이 쌓아 올리는 방식으로 화면의 밀도와 깊이를 구축한다. 화면을 채우는 푸른색, 붉은색, 모노톤의 색층은 특정 시간대의 빛을 연상시키며 기억 속 잔상처럼 남아 있는 감정의 결을 불러낸다. 수많은 선은 도시의 윤곽과 구조를 형성하는 동시에 화면 위를 흐르듯 얽히며 시간의 축적과 관계의 연결을 시각화한다. 작가는 이 과정에 대해 “반복되는 과정과 축적으로 만들어지는 시간의 흐름을 작업에 담는다”고 설명한다. 특히 캔버스 측면까지 이어지는 선의 레이어는 작업에 투입된 시간과 노동의 과정을 고스란히 드러낸다.

김란의 회화는 단순한 도시 풍경의 재현을 넘어, 시간과 기억의 축적을 촘촘히 직조한 감각의 풍경이다. 김윤섭 미술사 박사는 “아크릴 물감을 실오라기 같은 선으로 반복적으로 쌓아 올린 화면은 과거와 현재, 그리고 아직 오지 않은 시간을 하나의 흐름으로 엮어내는 치유의 망”이라고 평한다. 이처럼 김란의 도시는 단일한 시점이 아닌 다양한 시간과 관계가 중첩된 구조로 제시되며, 화면을 가득 채운 선과 색의 밀도는 수많은 삶의 흔적이자 축적된 시간의 감각을 시각적으로 환기한다.

작가는 “마음속 풍경들이 관람자 각자의 기억 속에 봉인되어 있던 향수를 조용히 불러내어 위로의 메타포가 되길 바란다”고 전했다. 겹겹이 쌓인 색과 선의 흐름은 작품 전반에 기억과 감정의 층위를 형성하며, 이번 전시는 도시라는 공간에 스며든 시간과 감정의 결을 따라가며 감각과 기억이 어떻게 연결되는지를 사유하는 계기가 될 것으로 기대된다.

이번 전시는 2024년 ‘건축가 드로잉전’, 2025년 ‘건축가 사진전’에 이어지는 세 번째 연속 기획으로, 건축이라는 거대한 구조물의 이면에 자리한 ‘오브제’에 주목한다. 건물이 거대한 결과물이라면, 그 출발점은 건축가의 사유가 담긴 작은 선과 점, 그리고 오브제라는 문제의식에서 비롯된다는 점에 착안했다.

전시 총괄 기획은 함혜리 발행인이 맡았으며, 건축가 박준호, 홍재승, 김동희가 코디네이터로 참여했다. 고재협+오나예, 구승민, 김건철, 김동일, 김동희, 김성우, 김성률, 김윤수, 김재경, 류인근, 박희찬, 심유진, 유이화, 유현준, 이원재, 이훈길, 임형남, 장영철, 전이서, 정뭉식, 정의엽, 정재헌, 최정인, 한지영+황수용 등 총 26명의 건축가가 참여해 45점의 오브제를 선보인다.

출품작은 소파(유현준), 의자(구승민, 김동희, 김성률, 장영철, 전이서, 정의엽), 테이블(구승민, 장영철, 김재경, 심유진, 한지영+황수용, 정용식, 정재헌), 수납장(고재협+오나예), 사방탁자(유이화), 벽걸이·조명(임형남, 김윤수, 최정인), 거울(김건철), 조형물(김동일, 김성우, 류인근, 박희찬, 이원재, 이훈길, 정웅식) 등 가구와 조명, 도자, 실험적 조형물에 이르기까지 다채롭게 구성된다.

이들 작품은 단순한 기능적 디자인을 넘어 건축가의 세계관과 공간 철학이 응축된 결과물이다. 각각의 오브제는 하나의 독립된 ‘소우주(Microcosm)’로서 관람객에게 건축적 사고의 확장 가능성과 예술적 영감을 제시한다. 설계도를 넘어선 실험정신과 조형 감각이 만나는 지점에서, 건축은 생활 속 예술로 다시 태어난다.

함혜리 발행인은 “건축이라는 거대 담론에서 벗어나 오브제라는 밀도 높은 형식을 통해 건축가의 사유와 창의성을 보여주고자 했다”며 “이번 전시는 건축과 예술의 경계를 넘나드는 새로운 감각의 장이 될 것”이라고 밝혔다.

한편 이번 전시는 한국건축가협회, 새건축사협의회, 대한건축사협회, 한국여성건축가협회, 한국디자인단체총연합회의 후원으로 진행된다.

윤성진 Yune Seongjin, 2면 2시점 2505-상자들, 2Faces 2Visions 2505Boxes, 2025, Acrylic on core plywood, 92 × 43 × 1.8cm  © 작가, 갤러리JJ

윤성진 Yune Seongjin, 2면 2시점 2411-정사각형들, 2Faces 2Visions 2411Squares, 2024, Acrylic on core plywood, 119 × 38 × 1.8cm  © 작가, 갤러리JJ

윤성진 Yune Seongjin, 2면 2시점 25033정사각형, 2Faces 2Visions 25033Squares, 2025, Acrylic on core plywood, 40 × 35 × 1.8cm  © 작가, 갤러리JJ

이번 전시는 작가가 오랜 파리 생활을 마치고 서울로 돌아온 이후 지난 4년간 집중해 온 작업을 한 자리에서 선보이는 자리다. ‘접힌 사각형’을 비롯한 신작과 함께 그간 발전시켜 온 대표 연작 ‘2면 조각(2-face sculpture)’이 공개된다. 전시는 약 20여 점의 스탠딩 작업과 벽면 작업으로 구성되며, 공간 전체를 하나의 조형적 사유의 장으로 확장한다.

윤성진은 조각의 물성과 양감을 최소화하면서 회화적 평면을 지향하는 역설적 접근을 통해 동시대 조각의 또 다른 가능성을 탐색해왔다. 그는 하나의 얇은 판 위에 서로 다른 두 개의 회화적 면을 병치하는 방식을 통해 평면과 입체, 앞과 뒤, 내부와 외부라는 이분법을 교란한다. 관람자는 이동과 시선의 변화에 따라 작품의 양면을 경험하며, 그 사이에서 발생하는 긴장과 감각의 층위를 체험하게 된다.

작가는 2025년 작가노트에서 “조각의 ‘평면적 기억’, 회화의 ‘확장된 공간 기억’이 결합될 때, 미술 표현의 또 다른 가능성이 열린다”고 밝힌 바 있다. 이는 조각 구조 안에 회화적 시점을 도입함으로써 전통적 조각이 지녀온 다면적이고 분산된 시각 경험 대신, 회화의 정면성과 단일 시점의 명료함을 구현하려는 시도로 읽힌다.

윤성진의 작업은 기하학적 추상 구조를 기반으로 한다. 선과 면이라는 조형의 기본 요소는 평면 내부에 머물지 않고 공간으로 확장되며, 반복되는 사각형과 원, 내부가 비워진 구조를 통해 공간의 내외부를 유기적으로 연결한다. 절제된 색채는 형태의 구조적 긴장을 더욱 강조한다. 특히 가벼우면서 변형이 적은 ‘코어합판’을 사용해 질량을 최소화하고, 조각의 골격이자 회화의 지지체로 기능하도록 설계한 점이 특징적이다.

그의 조형 세계를 관통하는 또 하나의 축은 동양 서예와 수묵에서 비롯된 획의 감각이다. 붓과 종이 사이에서 발생하는 긴장, 여백이 만들어내는 내외부 공간의 관계를 조각적 구조로 치환함으로써, 획의 궤적을 실제 공간 속으로 끌어낸다. 이는 서양 미학에서 말하는 ‘디세뇨(disegno)’ 개념과도 상응하며, 러시아 구성주의와 바우하우스가 추구한 기하학적 질서와 공간 통합의 전통을 환기한다. 전시작 중에는 이러한 맥락을 반영한 〈말레비치에 대한 오마주〉도 포함된다.

1990년대 초 자연 파괴와 인간성의 피폐함을 고발하는 표현주의적 작업으로 주목받았던 윤성진은, 은빛 알루미늄 판을 절단·조합하는 등 한국 현대미술의 물성 탐구 계보를 잇는 작가로 자리해왔다. 그의 작품은 국립현대미술관과 주요 시립미술관 등 국내외 기관에 소장되어 있다. 이후 그는 점차 감정의 분출에서 벗어나 균형과 이성 중심의 기하학적 추상으로 선회했다. 약 20년에 걸친 파리 체류 경험, 러시아 구성주의에 대한 탐구, 그리고 서예적 조형성에 대한 내면적 성찰이 이러한 변화의 배경으로 작용한 것으로 보인다.

전시장에 들어서면 작품들은 마치 바닥에 서 있는 회화이거나 벽면에 직각으로 기대 선 캔버스처럼 인식된다. 〈식물로부터〉, 〈달〉, 〈여인들〉과 같은 서정적 제목과 〈접힌 사각형〉, 〈상자들〉처럼 구조적 인식을 환기하는 제목은 작품이 재현과 추상, 감성과 이성을 가로지르고 있음을 드러낸다. 조각의 표면은 회화적 프레임을 넘어 실제 공간으로 확장되고, 관람자는 신체적 이동과 시간적 경험 속에서 작품을 완성한다.

윤성진의 ‘2면 2시점’은 회화의 평면성과 조각의 입체성이라는 형식주의적 구분을 넘어서는 시도다. 조각이 오브제성을 넘어 회화적 인식 속으로 진입할 때, 관조의 영역은 더 이상 틀 안에 머무르지 않는다. 그것은 공간 속에서 열리고, 관람자의 시선과 움직임에 따라 생성되는 또 다른 감각적 현실로 확장된다.

전시는 화-토요일 오전 11시부터 오후 7시까지 관람 가능하며, 일·월요일은 휴관한다. 

dream, 100.2x53.2cm, Mixed Media  on canvas, 2025 © 작가, 갤러리한결

dream, 116.7x60cm, Acryic on canvas, 2025  © 작가, 갤러리한결

이번 전시는 ‘생명은 우주로부터 왔으며, 다시 우주로 환원된다’는 순환의 사유를 중심에 둔다. 김흥두 작가는 동양 철학에 기반한 자연과 인간의 우호적 관계를 화면 위에 재구성하며, 빛과 산, 꽃이라는 상징적 모티브를 통해 생명의 근원성과 영속성을 시각화한다.

작가에게 ‘빛’은 생명의 근원적 에너지이자 창조의 출발점이다. 어둠을 가르는 희망의 상징으로 등장하는 빛은 때로는 강렬한 색채의 폭발로, 때로는 부드러운 파동의 흐름으로 표현되며 화면 전체에 생동감을 부여한다. ‘산’은 변치 않는 영속성과 초월적 존재감을 상징한다. 거대한 산의 형상은 시간의 흐름을 넘어서는 숭고함을 드러내며, 인간 존재를 포괄하는 우주적 스케일을 암시한다. ‘꽃’은 찰나의 아름다움과 덧없음을 동시에 품는다. 피고 지는 순간의 순환 속에서 꽃은 생명의 약동을 상징하며, 작가의 화면 안에서 또 하나의 유기적 생명체로 재탄생한다.

이번 전시는 영원과 찰나가 교차하는 지점을 포착하며, 응축된 색채와 역동적인 화면 구성으로 관람객에게 강렬한 인상을 남긴다. 화면을 가득 채운 색의 향연은 단순한 미적 경험을 넘어, 내면 깊숙이 잠재된 감성과 에너지를 일깨우는 매개로 작동한다.

김흥두 작가는 “나에게 생명이란 ‘우주’의 또 다른 의미”라며 “우주로부터 생명이 태어나고, 그 생명이 다시 우주가 되는 순환과 영속의 과정이 작업의 중심”이라고 밝혔다. 이어 “내면의 정신성을 동양적 세계관으로 사유하며, 생명의 유기체로서 빛과 산, 꽃을 조형적 모티브로 삼는다”며 “생명은 형태를 지닌 듯하면서도 나만의 심상을 통해 재창조되고 재결합된다. 응축된 내면이 폭발하듯 오늘도 생명이 넘쳐난다”고 덧붙였다.

《우주와 생명의 순환》은 우주적 질서 속에서 존재하는 생명의 의미를 다시 묻는 자리다. 관람객들은 전시를 통해 색채와 파동이 빚어내는 생명의 리듬을 체험하며, 영원과 순간이 공존하는 미학적 사유의 장을 마주하게 될 것이다.

Sung Suh, Frozenism: Frozen Portraits and World, 2014, 2026, Premium Matt, Wood Frame, 100x130cm, © 작가, 갤러리한결

Sung Suh, Frozenism: Social Impact, 2024-2025, Metal Print and Video Installation, 100x130cm.

© 작가, 갤러리한결

Sung Suh, Frozen, Ice and Shadow, 2010-2011, Lambda Print and Raw Ice Installation, 30x30cm.© 작가, 갤러리한결

Sung Suh, Frozen Life, 2014-2015, Metal Print, 50x50cm. © 작가, 갤러리한결

Sung Suh, Frozenism: Love and Death, 2023, Lenticular, 60x60cm. © 작가, 갤러리한결

〈Frozenism: Frozen Portraits and World〉는 단순한 인물 초상을 넘어, 시간과 감정, 자연이 함께 멈추는 순간을 기록한다. 얼음과 보존, 정지, 그리고 자연 속에 남겨진 흔적들은 작가가 감지해온 불안과 거리감, 돌봄과 책임이라는 감정의 층위를 담아내며, ‘얼린다’는 행위는 사라지기 직전의 시간을 붙잡는 과정으로 제시된다. 작품 속에서 얼음은 고정된 대상이 아니라 녹고, 변형되며, 사라지는 과정을 통해 기억과 감정의 유동성을 드러내는 매개가 된다.

이번 전시는 사운드와 빛, 질감, 변화하는 얼음과 오브제들이 어우러진 몰입형 구성으로, 관람객이 시간과 기억, 감정의 흐름을 감각적으로 체험하도록 이끈다. 감상에 머무르기보다 감각적·정서적 탐구의 장으로 확장된 전시는, 점차 얼어붙어 가는 세계 속에서 우리가 서 있는 위치를 되묻는다. 자연을 어떻게 기억하고 있는지, 환경 변화 앞에서 우리의 감정은 어떻게 멀어지고 있는지, 그리고 멈춤의 순간이 무관심이 아닌 인식과 책임의 출발점이 될 수 있는지를 조용하지만 분명하게 질문한다.

성서(SungSuh)의 ‘Frozen 프로젝트’는 2010~2011년 미국 시카고예술대학원(SAIC)에서 작품 논문으로 발표되며 시작됐다. 얼음을 시간과 기억의 매체로 활용한 최초의 체계적 시도로 평가받는 이 프로젝트는 이후 ⟨Frozen Nature and War⟩, ⟨Frozen Beings⟩, ⟨Frozen Face and Emotion⟩, ⟨Frozen Time and Memories⟩, ⟨Frozen History⟩, ⟨Frozen Languages⟩ 등을 거쳐 현재의 ⟨Frozenism: Frozen Portraits and World⟩로 확장되어 왔다. 뉴욕, 시카고, 벨기에, 독일, 서울 등 세계 주요 도시에서 전시되며 지속적으로 발전해온 이 연작은, 얼음과 정지, 보존과 해체, 죽음의 순간을 통해 개인의 감정과 기억이 자연과 사회 속에서 얼어붙는 상태를 기록해왔다.

특히 2010~2011년, 성서(SungSuh)가 미국 시카고예술대학원(SAIC)에서 작품 논문으로 발표한 〈Frozen〉 프로젝트는 얼음을 시간과 기억의 매체로 활용한 최초의 체계적 시도로 평가된다. 이 프로젝트는 이후 동시대 미술계에서 유사한 형식과 접근을 보이는 작업들이 점차 등장하는 출발점이 되었다.

최근 얼음을 매개로 한 작업들이 증가하고 있는 가운데, 이러한 흐름은 얼음 작가 성서(SungSuh)의 Frozenism이 선행적으로 제시한 창의적 실험과 개념, 그리고 미학적 탐구를 기반으로 하고 있으며, 그 오리지널리티는 여전히 명확하다.

성서(SungSuh)의 Frozenism은 단순한 형식적 효과나 물질적 차용을 넘어, 얼음을 개인적·사회적·정서적·정치적 기록 장치로 사유하며 시간과 기억의 구조를 지속적으로 연구·확장해 온 독자적인 예술적 실천으로 평가받는다.

또한 그의 독창성과 사회적 영향력은 국제 무대에서도 인정받았다. 성서(SungSuh)는 다수의 글로벌 예술 어워드 수상과 국제 뮤지엄·도서관 소장, 그리고 학술적 발표를 통해 창의적 가치를 공식적으로 검증받았으며, 이러한 성과는 그의 작업이 사회적·문화적·환경적 맥락에서 의미 있는 예술적 성취임을 입증한다.

이번 전시에서 작가는 “작업을 통해 개인과 자연, 사회가 서로 맞닿는 순간을 만들고 싶다”고 전했다. 개인의 시간은 결코 자연의 시간과 분리될 수 없다는 전제 아래, 〈Frozenism: Frozen Portraits and World〉는 멈춤과 응시의 순간을 통해 생명과 환경, 세계와 인간의 관계를 다시 성찰하도록 초대한다.

〈Frozenism: Frozen Portraits and World〉전시는 2월 13일부터 3월 13일까지 갤러리한결에서 열린다.

{동영상:https://youtu.be/F0DX-CTB27o?si=Dh1R8o5wE875XeIu|F0DX-CTB27o}

지오최, <비파의 방주_생명의 모뉴멘트>, 2026, acrylic on canvas, 91x65cm © 작가, 갤러리마리

강성훈, < Libre horse 01 >, 2019, copper, stainless steel, 34 x 180 x 70 cm © 작가, 갤러리마리

이석주, <사유적 공간>, 2025, oil on canvas, 53x45.5cm © 작가, 갤러리마리

잠산, <Red Horse>, 2026, oil on canvas, 72x53cm © 작가, 갤러리마리

갤러리 마리는 매해 새해를 맞아 한 해의 액운을 막고 복을 기원하던 전통 회화인 ‘세화(歲畵)’를 동시대의 언어로 재해석하는 기획전을 이어오고 있다. 세화는 단순한 장식이 아닌, 다가올 시간을 향한 염원과 삶의 태도를 담은 그림으로, 이번 전시는 그 상징적 의미를 ‘말’이라는 존재를 통해 오늘의 시선으로 확장한다.

《말 참 많네 – All The Horses》는 인간의 역사 속에서 가장 역동적인 동반자였던 말의 형상을 통해, 우리 시대가 잃어버린 생의 에너지와 내면의 목소리를 되찾고자 기획됐다. 전시에는 한국 현대미술을 대표하는 11인의 작가가 참여해 각자의 조형 언어로 말이 지닌 생명력과 상징성을 풀어낸다.

극사실적 묘사를 통해 시간의 영원성을 탐구하는 이석주, 한국적 서정성을 현대적으로 재해석한 석철주, 강인한 생명력을 바탕으로 한국적 미학을 구축해 온 김선두의 작품은 깊은 울림을 전한다. 또한 강성훈의 조형적 리듬과 박방영의 거침없는 필치는 말의 원초적인 에너지를 생생하게 일깨운다.

추니박과 허진은 자연과 문명의 경계 속에서 말이라는 존재가 지닌 철학적 의미를 성찰하며, 잠산은 동화적 상상력으로 환상적인 서사를 펼쳐 보인다. 반미령은 초현실적인 색채를 통해 내면의 평온을 이끌고, 지오최는 바다와 정원이라는 서정적 공간 속에서 안식의 정서를 노래한다. 이광은 ‘머물며 감당하는 착한 사마리아인의 말’이라는 비유를 통해 고단한 현실을 살아가는 이들에게 조용한 위로와 희망을 건넨다.

전시 제목인 《말 참 많네》는 중의적인 의미를 담고 있다. 캔버스 위에 펼쳐진 수많은 말(馬)의 향연이자, 작가들이 붓끝으로 건네는 수많은 말(言)들의 집합이기 때문이다. 작품 속 말들은 단순한 동물의 형상을 넘어, 각자의 삶의 길 위에서 스스로에게 건네는 고백이자 응원의 메시지로 다가온다.

갤러리 마리 관계자는 “이번 전시가 새해를 맞아 관람객들에게 삶의 방향을 다시 묻고, 내면의 에너지를 일깨우는 시간이 되길 바란다”고 전했다.

힘찬 말발굽 소리가 전시장에 울려 퍼지는 이곳에서, 관람객들은 자신만의 마음을 두드리는 단 하나의 ‘말’을 발견하는 시간을 마주하게 될 것이다.

Kev Munday_Love and Laughter 2022_ Spray paint, acrylic, paint pen and ink on canvas_ 100 x 120 CM   © 작가, 비비안초이갤러리

Kev Munday_Captive Audience 2022_Acrylic, paint pen and ink on canvas_ 60 x 90 CM  © 작가, 비비안초이갤러리

Kev Munday_ Euphoria 2022_Acrylic, paint pen and ink on canvas_ 120 x 180 CM  © 작가, 비비안초이갤러리

Kev Munday with his mural in Camberley, UK 2021 케브 먼데이의 켐벌리시 벽화 프로젝트  © 작가, 비비안초이갤러리
 

1986년 잉글랜드 햄프셔에서 출생한 케브 먼데이는 주변의 평범한 사람들을 일상을 관찰하며 받은 영감 을 대담한 선과 밝고 강렬한 색채를 사용하여 표현함으로써 매혹적인 시각적 경험을 선사한다. 어린시절 키스헤링, 바스키아, 무라카미 다카시의 작품을 좋아했던 먼데이는 이들의 영감을 받아 십대 때부터 그래 피티 graffiti 작가로 활동하였다. 대학에서 그래픽 디자인을 전공하였으나 일러스트 보다는 자유분방한 그 래피티 graffiti 에 더 매료되어 영국 전역의 빌딩과 빌보드에 자신의 스트리트 작품을 남겼다. 16세에 스트 릿 아티스트로 예술 경력을 시작한 먼데이는 영국의 거리 곳곳에 그린 그래피티 graffiti 작업을 캔버스에 그리기 시작하였고 스트릿아트에서 썼던 굵은 선과 강렬한 색상을 계속 사용했다.

그의 작품이 알려지자 2017년 영국 햄프셔 경찰청은 먼데이에게 컨셉트카 제작을 의뢰했고 먼데이는 공 권력의 권위의 상징인 경찰차를 특유의 자유분방한 선과 색채를 사용해 대중 친화적인 경찰차로 표현하였 다. 런던 시민들은 갤러리가 아닌 영국 거리 곳곳에서도 먼데이의 작품을 친근하게 만나고 있다. 2019년 이케아 IKEA와 협업을 통해 컬러링 포스터를 출시하였고 2021년에는 네스카페 Nescafe 와 협업하여 네스 카페의 테이크아웃 라인을 디자인 하였다.

케브 먼데이가 묘사한 작품 속 다양한 표정을 짓고있는 개인들은 15세기 네덜란드 화가 히에로니무스 보 쉬 Hieronymus Bosch 의 작품에서 나오는 여러 인물들의 집합체를 떠오르게 한다. 작가는 인간과 동식 물의 다양한 모습과 표정을 담은 군중을 통해 다양성 속의 내재된 아름다움에 경의를 표하고 있으며 이는 개인 보다는 공동체가 가지는 더 큰 영향력에 대한 작가의 비전을 나타낸다. 먼데이는 현대인의 평범한 하 루를 기쁨과 환의가 가득한 축제로 표현함으로써 작가의 유토피아적 세계관을 작품에 담는다. 

케브 먼데이는 영국왕립미술원 The Royal Academy of Arts, 아놀피니 The Arnolfini, 헤이워드 갤러리 The Hayward Gallery에서 전시하였고 네스카페, 이케아, 월트 디즈니 등 세계적인 기업과 다양한 협업 프로젝트에 참여 하였다. 

© 작가, 갤러리 그라프

양유완, Four-Part Totem, 블로잉 글라스, 20 x 25 x 65cm, 2025  © 작가, 갤러리 그라프

장현호, Magnolia 202503241512, 한지에 먹, 호분, 100x100cm, 2025  © 작가, 갤러리 그라프
 

장현호의 빛과 그림자를 담은 회화와 양유완의 유리 오브제가 마주하며, 관람객의 움직임과 시선에 따라 감각이 달라지는 경험을 만들어간다. 작품은 고정된 한 장면으로 존재하기보다, 바라보는 각도와 거리, 빛의 조건에 따라 끊임없이 다른 표정을 드러낸다. 모리스 메를로퐁티(Maurice Merleau-Ponty)의 지각 현상학은 감각이 작품 안에 고정되어 있는 것이 아니라, 관람객의 몸과 시선이 공간을 지나며 새롭게 생성된다고 설명한다. 이 전시는 ‘하나의 정답 이미지’를 제시하기보다, 빛과 물질이 만나 변화하는 순간을 관람객의 경험 속에서 열어 보인다.

양유완은 경희대학교에서 도예유리예술 전공으로 석사학위를 받았으며, 전통적인 블로잉 기 법을 기반으로 유기적이면서도 독창적인 유리 설치 작업을 전개한다. 그는 유리의 물성을 매개로 공간과 인식의 경계를 허무는 작업에 주목해왔다. 그의 유리는 빛과 공기 등 주변 환경, 그리고 관람자의 시선에 반응하며 끊임없이 상태를 변화시키는 존재로 기능한다. 작업 은 뜨겁게 녹은 유리가 숨을 만나 형태를 얻는 순간에서 출발한다. 투명한 유리의 몸체는 빛을 통과시키고 굴절시키며, 그 흔적은 바닥과 벽 위로 조용히 번져간다. 특히 빛이 스며드 는 순간, 유리는 단순한 오브제를 넘어 빛을 담아내는 그릇이 되며 공간 전체의 인상을 변 화시킨다. 동일한 작품이라도 관람자의 위치와 시선에 따라 전혀 다른 장면이 펼쳐지며, 이 는 작품을 고정된 형태가 아닌 경험으로 인식하게 만든다.

장현호는 서울대학교 동양화과 석사과정을 수료하였으며, 먹과 호분이라는 전통적 재료를 바탕으로 화면 위에서 비워짐과 축적, 드러남과 소멸의 관계를 탐구한다. 그의 작업은 반복 적인 붓질과 여백을 통해 사유의 리듬과 내면의 호흡을 드러낸다. 그의 회화는 사라지는 순 간을 붙잡기보다, 그 순간이 흘러가는 방식을 기록한다. 먹의 미세한 농담과 번짐, 그리고 겹겹이 쌓인 호분은 시간의 층위를 형성하며, 나무와 목련의 형상은 선명한 대비 속에서 한 순간의 긴장으로 화면 위에 떠오른다. 그림자는 대상의 부재가 아니라 벽과 공기까지 포괄 하는 또 하나의 장면을 만들어내며, 화면은 평면을 넘어 공간적 감각으로 확장된다.

이 전시는 ‘사진 같은 한 장면’이 아니라, 우리가 걷고 멈추고 다시 바라보는 사이 감각이 끊임없이 새롭게 형성되어 다가온다는 사실을 말한다. 빛이 유리를 지나며 달라지고, 그림자 가 벽 위에 겹쳐지며 공간은 또 다른 화면이 된다. 관람객은 그 변화 속에서 자신도 모르게 잊고 있던 감각을 다시 발견하고, 각자의 시간 속에서 놓쳐버린 찰나를 조용히 떠올리게 된 다.

이번 전시는 김종영미술관의 2026년 첫 전시로, 인물과 산을 평생의 화두로 삼아온 권순철의 회화 세계를 집약적으로 조명한다. 미술이 단순히 아름다움을 재현하는 행위를 넘어, 고통과 비극이라는 삶의 진실을 정면으로 응시함으로써 더 높은 차원의 감동에 도달할 수 있음을 보여주는 자리다.

권순철, 넋, 240x200cm, oil-on-canvas, 2008 © 작가, 김종영미술관

권순철, 넋, 200x240cm, oil-on-canvas,1993  © 작가, 김종영미술관

권순철, 얼굴, 220x169cm, 유화, 캔버스, 2000  © 작가, 김종영미술관

권순철은 대학 졸업 이후 60여 년간 한결같이 회화에 몰두해 왔다. 특히 커다란 화폭 위에 거친 필치로 그려낸 얼굴 연작은 그의 대표작으로 꼽힌다. 미술계에서는 그를 “한국인의 원형을 찾는 고독한 관찰자”로, 그의 인물화를 “삶의 지층이 켜켜이 쌓인 얼굴”, “한국인의 넋을 위로하는 얼굴”로 평가해왔다.

작가의 회화는 개인사와 깊이 맞닿아 있다. 권순철은 7세에 6·25전쟁을 겪었으며, 전쟁 발발 무렵 부친과 삼촌이 ‘보도연맹 사건’의 희생자로 실종되는 아픔을 경험했다. 남은 가족은 연좌제의 굴레 속에서 오랜 시간 침묵 속에 살아야 했다. 이러한 비극적 가족사는 그의 예술 세계를 지탱한 근원적 동력이 되었고, 그의 회화는 고통을 정면으로 마주하며 예술로 승화시키는 과정 그 자체로 읽힌다.

권순철은 자신의 화풍에 대해 “약간 야수파적인 본질을 지니고 있다”고 말한다. 실제로 그의 인물들은 아름답거나 우아한 형상과는 거리가 멀다. 두꺼운 물감층 아래 잠긴 얼굴들은 거칠고 투박하며, 때로는 관람객에게 낯설고 불편한 감정을 불러일으킨다. 그러나 그 불편함은 곧 묵직한 울림으로 전환된다. 혐오가 아닌 숙연함, 외면이 아닌 응시를 요구하는 힘이 그의 그림 속에 깃들어 있기 때문이다.

박춘호 김종영미술관 학예실장은 “권순철의 60년 화업은 솔직한 고백의 연속이자, 승화를 통한 치유의 여정”이라며 “그의 회화는 ‘한(恨)’이 예술로 전환되는 가장 극적인 현장”이라고 설명했다.

1944년생인 권순철은 해방 이후 우리말로 교육받은 첫 세대이자, 식민의 그늘에서 벗어나 주체적인 미술을 모색한 ‘해방 1세대’이기도 하다. 작가가 평생 작품에 ‘철’이라는 사인을 고집해 온 것 역시, 개인의 이름을 넘어 우리 미술의 주체성을 향한 의지의 표명으로 읽힌다.

《응시, 형상 너머》는 단순한 재현을 넘어, 보이는 것 너머의 삶의 본질을 탐색해온 한 화가의 치열한 여정을 보여준다. 가벼움과 속도가 지배하는 시대 속에서, 권순철의 작품은 예술의 존재 이유와 우리가 외면해온 삶의 얼굴을 다시금 마주하게 한다. 전시는 관람객에게 ‘형상 너머’를 응시하는 깊은 사유의 시간을 제안한다.

Quiet Time_Lamp, 한지에 채색(Acrylic on Korean paper), 130x190cm, 2026  © 작가, 아트사이드 갤러리

Quiet Time_Lily, 한지에 채색(Acrylic on Korean paper), 130x190cm, 2026  © 작가, 아트사이드 갤러리

권세진,The Bloom, Acrylic on hanji, 78 × 74 cm, 2025  © 작가, 아트사이드 갤러리 

전시의 시작을 알리는 1층 전시장에는 흑백의 작은 조각들이 집적된 대형 작품이 설치돼 관람객을 맞이한다. 호수 위로 번져가는 빗방울의 파장과 흩어지는 윤슬을 담은 이 작업은 작가가 카메라로 포착한 자연의 찰나를 회화적으로 재해석한 결과물이다. 특히 화면을 구성하는 수많은 한지 조각은 사진이라는 매체가 지닌 시간의 층위를 물리적·개념적으로 해체하고 재조립하는 방식으로, 권세진 특유의 조형 언어를 형성한다.

지하 전시장에서는 작가의 시선이 보다 확장된다. 이 공간에서는 인터넷에서 수집한 맥락 없는 이미지들을 재료로 삼은 <Memory Scape> 시리즈와 함께 신작 <Quiet Time> 연작이 소개된다. 권세진은 잉크젯 프린터의 CMYK 색상 값을 정교하게 회화로 옮긴 뒤, 그 위에 흰 물감을 덧칠하며 이미지를 지워나가는 과정을 반복한다. 디지털 이미지의 매끄러운 표면 위에 덧입혀진 흰 층은 ‘물질의 두께’와 ‘시간의 흔적’을 만들어내며, 선명함을 잃은 풍경은 사라진 것들에 대한 근원적인 향수를 환기시킨다.

이번 전시에서 처음 공개되는 <Quiet Time> 연작은 작가의 작업이 특정 기억의 재현을 넘어 하나의 ‘고요한 상태’로 진입했음을 보여준다. 어둠 속에 홀로 놓인 꽃과 사물들은 일상의 맥락에서 분리돼 독립된 존재로 떠오르며, 사물을 둘러싼 넉넉한 여백은 비어 있음 그 자체가 아니라 대상에 몰입하게 하는 감각적 조건이 된다. 관람객은 화면 앞에서 마치 물속 깊이 잠긴 듯한 침잠과 명상의 시간을 경험하게 된다.

권세진의 회화는 얇은 종이 위에 축적된 시간의 두께이자 삶의 은유다. “내가 보고 있는 것은 과연 저 풍경일까, 나의 마음일까”라는 작가의 질문처럼, 《고요한 풍경》은 빗방울의 파장에서 출발해 완전한 침묵에 이르기까지의 여정을 통해 관람객 각자가 자신만의 내면 풍경과 마주하는 소중한 시간을 선사할 것이다.

이왈종, 제주생활의 中道,  © 작가, 레오앤갤러리

신홍직,벚꽃, 50F, oil on canvas 2023   © 작가, 레오앤갤러리

현재호, 1986, 가족, oil on canvas, 41x32cm  © 작가, 레오앤갤러리

전시 제목인 《이음》은 단절이 아닌 연결을 의미한다. 레오앤갤러리는 이번 전시를 통해 예술이 지닌 본질적인 소통의 힘을 조명하며, 개별 작품이 지닌 고유한 세계가 어떻게 또 다른 작품과 관계 맺고 확장되는지를 섬세하게 풀어낸다. 전시장에는 다양한 드로잉 기법의 회화를 비롯해 조각, 브론즈, 판화 등 장르를 넘나드는 작품들이 선보여진다.

이번 전시에는 송혜수, 문신, 김창렬, 이왈종, 이태호, 권영술, 조현서 등 한국 현대미술을 대표하는 작가들이 참여한다. 문신의 채화가 보여주는 조형적 긴장감과 김창렬의 물방울 회화가 담아내는 존재론적 사유, 이왈종의 서정적 서사와 이태호의 밀도 높은 화면은 서로 다른 미학적 방향성을 지니면서도 하나의 흐름 속에서 자연스럽게 호응한다. 여기에 신홍직, 류동필, 구명본 등 감성과 색채의 서정성을 독창적인 기법으로 풀어낸 작품과 김진희, 배기현, 이레, 임정아, 정아씨, 서은경 등 다수 작가의 작품이 더해져 전시의 스펙트럼을 확장한다.

《이음》은 단순한 작품의 병치가 아닌 ‘관계 맺기’를 통해 의미를 생성하는 전시다. 권영술과 조현서의 작업이 보여주는 재료 실험과 조형적 탐구는 공간에 새로운 리듬을 부여하고, 송혜수의 작품은 감각적인 색채와 형상을 통해 관람자의 시선을 부드럽게 이끈다. 각기 독자적인 조형 언어를 지닌 작품들은 서로를 비추는 거울처럼 작용하며, 관람자로 하여금 작품 사이를 오가며 다양한 해석의 가능성을 발견하게 한다.

레오앤갤러리 관계자는 “이번 전시는 과거와 현재, 개별성과 공동체, 사유와 감각을 잇는 예술적 접점을 제안하는 자리”라며 “서로 다른 세계가 만나는 순간 발생하는 긴장과 조화 속에서 동시대 미술의 풍부한 층위를 경험할 수 있을 것”이라고 전했다.

최재은 개인전 《최재은: 약속(Where Beings Be)》포스터   © 작가, 서울시립미술관

루시 — 인류의 기원을 묻다  © 작가, 서울시립미술관

최재은 개인전 《최재은: 약속(Where Beings Be)》전시전경   © 작가, 서울시립미술관

최재은(1953년생)은 조각, 영상, 설치, 건축 등 다양한 매체와 영역을 넘나들며 생명과 자연의 관계를 다층적인 시공간 속에서 탐구해 온 작가다. 그의 작업은 인간과 자연, 문명과 생태가 맺어온 관계를 근원적인 질문으로 확장시키며 동시대 미술의 중요한 흐름을 형성해 왔다.

1975년 일본으로 건너간 최재은은 당시 일본 전위예술의 중심지였던 소게츠 아트센터에서 전통적 형식을 탈피한 소게츠 이케바나에 깊이 몰두했다. 데시가하라 소후와 데시가하라 히로시에게 사사하며, 전위 이케바나가 실내를 넘어 대지로 확장되던 변혁의 시기를 온전히 체득한 경험은 이후 그의 작품 세계에 결정적인 영향을 미쳤다. 이후 그는 상파울루 비엔날레(1991), 베니스 비엔날레 일본관 대표 작가(1995), 베니스 비엔날레 건축전 본 전시 초청(2016) 등 국제 무대에서 꾸준히 활동하며 세계적인 작가로 자리매김했다.

특히 1993년 파리 유네스코 본부 ‘평화의 정원’에서 열린 《그랜드 티 세리머니 인 파리(Grand Tea Ceremony in Paris)》에서는 샬로트 페리앙, 에토레 소트사스, 안도 다다오 등과 협업해 다실 〈또 하나의 달(Another Moon)〉을 발표하며 주목을 받았다.

국내에서도 그는 서울 경동교회의 〈동시다발〉(1990), 해인사 성철 스님 사리탑 〈선의 공간〉(1995~1998), 삼성서울병원의 〈시간의 방향〉(1994) 등 다수의 공공 프로젝트를 통해 예술과 공간, 공동체를 잇는 작업을 이어왔다. 더불어 DMZ 프로젝트로 널리 알려진 〈대지의 꿈〉(2015~)을 〈자연국가〉(2020~)로 확장한 장기 프로젝트는 그의 생태적 사유를 집약적으로 보여주는 대표작으로 평가받는다.

전시 제목 《약속(Where Beings Be)》은 작가가 말하는 ‘공생지약(共生之約)’에서 출발한다. 이는 언어적 의미를 넘어 문명 이전부터 시공을 관통해 온 자연의 상호 연대성을 환기하는 개념이다. ‘약(約)’과 ‘속(束)’이 본래 묶임을 뜻하듯, 존재들(Beings)은 유구한 시간 속에서 서로 얽히며 함께 존재해 왔음을 전시는 시각적으로 드러낸다.

이번 전시는 ‘루시’, ‘경종(警鐘)’, ‘소우주’, ‘미명(微名)’, ‘자연국가’ 등 다섯 개의 소주제로 구성되며, 작가의 주요 작업 세계를 조망하는 아카이브도 함께 선보인다. 최초의 인류와 오늘의 우리가 공유해 온 긴 시간의 축을 소환하며, 자연과 생명의 파괴 앞에서 인간이 감내해야 할 책임을 묻는다. 백화된 산호와 DMZ의 생명들, 사라져가는 들꽃을 통해 공생의 가능성을 제시하는 이번 전시는 최재은이 제안하는 생태적 연대의 길로 관람객을 이끈다.

파루엘(Paluel Conteville)의 밤 72x60cm 린넨에 먹, 아크릴 2025.  © 작가, 두나무 아트큐브

생레줴(st leger) 언덕을 걸으며 135x195cm 한지에 먹, 아크릴   © 작가, 두나무 아트큐브

파루엘(Paluel Conteville) 절벽아래에서1 60x72cm 린넨에 먹, 아크릴 2025.  © 작가, 두나무 아트큐브

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박찬응은 회화, 그림책, 공공미술, 대안공간 기획 등 다양한 영역을 넘나들며 활동해 온 작가로, 최근 몇 년간 ‘표류(dérive)’라는 키워드를 중심으로 예술과 삶의 관계를 지속적으로 탐구해왔다. 이번 전시는 작가가 프랑스 노르망디에 체류하며 진행한 작업을 중심으로 구성됐다.

노르망디의 여름은 밤 10시가 넘어야 해가 질 만큼 길다. 작가는 낮 동안 마을과 해안, 절벽과 숲을 누비며 풍경을 스케치하고, 밤에는 붓과 먹, 한지를 앞에 두고 몰입의 시간을 이어갔다. 아이들과의 만남, 바람과 햇빛, 파도와 자갈 소리는 작업의 리듬이 되어 화면 속에 스며들었다.

박찬응에게 노르망디는 단순한 자연 풍경이 아니다. 전쟁의 흔적이 남아 있는 땅, 침식된 해안과 붕괴된 건축물, 그 위를 여전히 흐르는 강과 바람이 공존하는 장소다. 그는 이 풍경을 시간과 소멸, 그리고 회복의 에너지가 중첩된 지층으로 바라본다. 이는 끊임없이 흔들리고 무너지는 오늘의 세계 속에서, 깨진 채 흩어져 살아가는 동시대 인간의 모습과 맞닿아 있다.

전시에 선보이는 회화 작품들은 노르망디의 해안과 언덕, 마을 풍경을 한국적 진경산수의 시선으로 재해석한 작업들이다. 인상주의의 발원지에서 생산된 린넨 위에 절벽 아래에서 채집한 석회석 가루를 아크릴 물감에 섞고, 여기에 먹과 한지를 함께 사용함으로써 동서양 회화의 전통을 한 화면 안에서 교차시킨다.

박찬응은 자신과 동시대 인간의 상태를 ‘깨진 벽돌’에 비유한다. 한때는 견고했으나 다시 돌아갈 수 없는 상태이지만, 그는 “다시 돌아갈 수는 없어도, 꿈꿀 수는 있다”고 말한다. 이번 전시는 이국적 풍경이나 계절의 서정을 노래하기보다, 흩어진 채 살아가는 우리가 기억 저편에서 들려오는 미세한 진동과 파동에 귀 기울이며 함께 불러야 할 노래가 되어가는 과정에 가깝다.

두나무 아트큐브는 이번 초대전을 통해 공공미술과 지역 기반 예술, 그리고 회화를 넘나들며 오랜 시간 활동해온 박찬응의 예술 세계를 재조명한다. 불안정한 세계를 통과하는 예술이 어떤 속도와 호흡으로 존재할 수 있는지, 그리고 여전히 질문을 던지고 다음 걸음을 가능하게 하는 힘임을 관객들과 나누고자 한다고 전했다.

한편 박찬응 작가는 세종대학교 미술대학 회화과를 졸업하고, 국민대학교 행정대학원에서 미술관·박물관학을 전공했다.

이번 전시는 오랜 시간 인쇄 매체를 기반으로 활동해 온 작가들이 ‘복제’와 ‘유통’을 전제로 한 이미지 생산을 넘어, 단 하나의 결과물만 존재하는 ‘유일본’ 회화 작업을 선보이는 자리다. 잡지, 책, 신문 등 대량 인쇄를 위한 이미지를 제작하며 각자의 시각 언어를 구축해 온 이들은, 수정과 재출력이 불가능한 회화라는 느리고 비가역적인 형식을 선택함으로써 이미지 생산의 조건 자체를 전면에 드러낸다.

노준구, 아주 오래된 궁전 안을 보는 사람들, 39x27, 종이에 연필, 2012

이인수, Tree 1,  20.5X29(cm), 종이 위에 연필, 2014 ​​© 작가, 갤러리조은

권민호, 국가의 탄생 미완의 도면(The Birth of a Nation Draft for a Blueprint), 트레이싱지 위에 연필, 목탄, 터펜타인-와쉬, 68x-200cm  ​​© 작가, 갤러리조은

최호철, 2018년 한남동 우사단길, 270x95cm, 종이에 혼합매체, 2018 ​​© 작가, 갤러리조은

안종우, History Documentation III - Stacked cups and a cotton dish towel, 25 X 60 X 4cm, 단채널 영상 촬영 후 순지에 청사진, 2024  ​​© 작가, 갤러리조은

중년을 지나 노년의 문턱에 이른 지금, 작가들의 삶의 속도와 신체적 감각, 사회적 위치는 과거와 달라졌다. 책임과 역할, 축적된 경력 이면에 쉽게 드러내지 못했던 외로움과 고독 또한 지속되고 있다. 이들에게 이미지를 만든다는 일은 생업이자 삶의 방식이었고, 동시에 세상과 연결되는 통로였다.

반복해 온 이미지 노동은 어느 순간 질문으로 되돌아온다. ‘우리는 무엇을 그리고 있는가’, ‘이 이미지는 어디를 향하고 있는가’. 이번 전시는 그 질문 앞에 멈춰 선 작가들의 기록이다. 더 이상 되돌릴 수 없는 조건 속에서, 각자가 축적해 온 시간과 감각을 화면 위에 남긴 흔적은 기술적 완성도보다도 백지 앞에서의 호흡과 망설임, 그리고 삶을 지속하기 위해 계속 그려온 손의 무게를 고스란히 드러낸다.

전시를 기획한 권민호는 드로잉과 뉴미디어를 기반으로 순수회화와 일러스트레이션의 경계를 넘나드는 작가다. 산업화의 흔적을 남긴 구조물의 도면을 재해석하며 사회 구조와 배제된 존재에 대한 질문을 던져왔다. 대표작 〈국가의 탄생: 미완의 도면〉에서는 전쟁과 폭력의 현실을 ‘도면’이라는 형식으로 풀어내며, 반복되어온 국가 탄생의 설계도를 시각화한다. 그는 영국 센트럴 세인트 마틴과 RCA에서 수학했으며, 저우드 드로잉 프라이즈와 V&A 일러스트레이션 어워즈 등 국제 무대에서 주목받아왔다.

노준구는 여행을 일상과 비일상의 경계에 놓인 ‘상태’로 바라보며, 이동 중이거나 잠시 머무는 존재의 거리감과 시간을 드로잉으로 기록해왔다. 신동철은 작은 드로잉과 책 제작에서 출발해 파편화된 이미지를 연결하며 하나의 세계관을 구축해왔고, 반복 가능한 제작 방식 대신 이번 전시에서는 회화로 확장된 실험을 선보인다.

안종우는 기억이 시간 속에서 변형되고 재구성되는 과정을 초기 사진기법과 전통 재료, 디지털 매체의 결합을 통해 탐구한다. 이인수는 서울과 뉴욕을 오가며 사물과 풍경, 사회적 규범 속에서 발생하는 긴장과 불안을 관찰해왔으며, 이번 전시에서는 뉴욕 시절의 스케치를 바탕으로 한 연필 드로잉을 공개한다. 최호철은 낡은 주택가와 골목 등 시간의 흔적이 켜켜이 쌓인 공간을 집요하게 기록해온 작가로, 그의 작업은 ‘현대 풍속화’로 불려 왔다.

《여러 개였던 것 중에: 여섯 명의 이미지 노동자》전은 인쇄 매체라는 산업적 조건을 넘어, 개인의 시간과 삶이 스며든 회화를 통해 ‘이미지를 만든다는 것’의 의미를 다시 묻는다. 빠르게 소비되는 이미지의 시대, 멈춰 선 화면 위에 남겨진 여섯 개의 손길은 오늘날 이미지 노동의 또 다른 얼굴을 조용히 증언한다.

Serin Oh Out of the Fire 1, 2026 Glazed ceramic, brass 32 x 23 x 45.5 cm ​© 작가, 더써드

Seahee Chang Veil of Breath - Subject, 2026 Mixed media (video and framed display) video, sound, 11m 36s 134.3 x 93.2 cm © 작가, 더써드

오세린·장세희 2인전 《Neo-Animism》전시전경 ​© 작가, 더써드

대량생산과 복제, 인공적 환경과 디지털 흐름이 일상이 된 오늘날, 전시는 ‘무엇이 살아 있는가’를 규정하기보다 ‘생명이 어떤 방식으로 감각되고 지속되는가’라는 질문을 던진다. 오세린과 장세희는 서로 다른 경계면에서 생명을 사유한다. 한쪽이 소비 이후의 세계에서 발견된 응집된 생명에 주목한다면, 다른 한쪽은 탄생 이전의 세계에서 감지되는 유동적 생명을 포착한다.

오세린의 조각은 자본주의 시스템 바깥으로 밀려난 사물들에서 출발한다. 벼룩시장에 쌓여 헐값에 거래되던 액세서리, 중국 경덕진 도자 산업 도시의 공장에서 검수 이후 곧바로 폐기된 도자기들은 한때 욕망의 대상이었으나 기능과 가치가 소멸된 채 남겨진 존재들이다. 작가는 이러한 잔재를 원본 삼아 슬립 캐스팅과 왁스 캐스팅 등 대량생산 기법을 통해 도자와 황동으로 다시 복제한다. 그러나 이 복제는 효율이나 동일성을 보장하지 않는다. 느린 손의 노동이 반복되는 과정에서 형상들은 미묘하게 다른 표정을 띠며, 마치 자연에서 채집된 수석이나 심해 광물 같은 존재감을 드러낸다. 산업적 생산 방식을 차용했지만, 결과는 오히려 단일한 생명체처럼 존재하는 조각으로 귀결된다.

이러한 작업은 소비 이후의 세계, 즉 욕망의 무덤과도 같은 장소에서 다시금 감지되는 생명성을 보여준다. 이는 가치가 소진된 사물에 생명을 부여하는 행위라기보다, 사물 내부에 잠재돼 있던 생의 감각을 드러내는 과정에 가깝다. 더 나아가 원본과 복제, 진품과 가품이라는 구분이 더 이상 유효하지 않은 동시대적 조건을 환기하며, 사물 역시 자본의 흐름 속에서 이동하고 변형되는 유기적 존재임을 암시한다.

반면 장세희의 작업은 아직 태어나지 않았거나 탄생 직전에 머무는 존재들을 포착한다. 미디어와 빛, 신체 감각을 기반으로 한 그의 작업은 자연과 기후, 기술과 인간의 내면이 교차하는 지점에서 ‘기후의 세계’라 불리는 독자적 세계관을 형성해 왔다. 이 세계에서 기후는 인간의 감각을 넘어 스스로 작동하는 구조적 시스템이다. 이번 전시에 소개되는 <숨의 막(Veil of Breath)> 시리즈는 그 세계에 내재된 생명적 요소들을 분리해 각각의 독립적 존재로 제시한다.

<숨의 막>에서 관객은 한 겹의 막 너머를 들여다보는 듯한 장면을 마주한다. 화면 속 존재는 양수막을 연상시키는 투명한 레이어 아래에서 미세하게 움직이며 호흡하듯 진동한다. 이는 특정 종으로 규정되지 않은, 서사나 목적, 기능을 갖지 않은 채 ‘태어나는 중인 상태’에 머무는 가상의 생명체다. 생명의 내외부를 가르는 얇은 막은 생명이 되기 직전의 긴장과 가능성을 감각하게 한다. 작가는 이 막 안의 형상들을 채집하고 보존함으로써, 마치 기후가 스스로 만들어낸 유기체적 잔재 혹은 미래의 생명 화석처럼 다룬다.

오세린과 장세희가 제시하는 네오 애니미즘은 과거의 세계관을 복원하려는 시도가 아니다. 자연물에 영적 의미를 부여해 제의적 관계를 맺었던 전통적 애니미즘과 달리, 동시대의 네오 애니미즘은 새롭게 등장하는 생명 감각을 폭넓게 수용하고 탐색하는 데 초점을 둔다. 《Neo-Animism》은 우리가 살아 있다고 인식하지 않았던 것들, 아직 이름조차 부여되지 않은 존재들, 그리고 비가시적인 흐름 속에서 작동하는 모든 것들과의 대화를 시도하며, 인간 중심적 인식을 넘어서는 존재론적 시야의 확장을 제안한다.

참여 작가들은 오랜 기간 잡지, 책, 신문 등 복제와 유통을 전제로 한 인쇄 매체에서 활동해왔다. 그러나 이번 전시에서는 수정과 재출력이 불가능한 회화로 방향을 틀어, 축적된 시간과 감각을 한 화면에 고스란히 남긴다. 막 중년에 접어든 이부터 노년을 향해 가는 시점에 이르기까지, 이미지를 만드는 일은 여전히 이들에게 삶이자 업이며 세상과 연결되는 방식이다. 전시는 그 지속의 시간과 시선을 기록으로 제시한다.

반복되어온 ‘이미지 만들기’는 어느 순간 질문으로 되돌아온다. 우리는 무엇을 그리고 있으며, 이 이미지는 어디를 향하는가. 《여러 개였던 것 중에》는 그 질문 앞에서 멈춰 선 작가들의 기록이다. 기술적 완성도보다 빈 백지 앞의 호흡과 망설임, 그리고 삶을 지속하기 위해 계속 그려야 했던 손의 무게가 화면 위에 남는다. 인쇄 매체라는 산업적 조건을 넘어, 개인의 시간과 삶이 스며든 회화를 통해 ‘이미지를 만든다는 것’의 의미를 재사유하는 자리다.

기획자이자 참여 작가인 권민호는 드로잉과 뉴미디어를 기반으로 순수회화와 일러스트레이션의 경계를 넘나들며, 산업화의 구조물을 도면으로 재해석해 사회 구조와 배제된 존재를 질문해왔다. 대표작 〈국가의 탄생: 미완의 도면〉은 세계 곳곳의 전쟁과 폭력적 현실을 ‘도면’이라는 형식으로 풀어내며 반복되어온 국가 탄생의 설계도를 시각화한다. 그는 영국 센트럴 세인트 마틴과 RCA에서 수학했으며, 저우드 드로잉 프라이즈와 V&A 일러스트레이션 어워즈 등 국제적 수상 경력을 갖췄다.

노준구는 여행을 ‘상태’로 인식하며, 경계적 장소와 관찰자로서의 거리를 드로잉으로 기록한다. 이동과 정지의 순간, 터미널과 해변, 오래된 건축 공간을 배경으로 풍경보다 ‘여행자의 상태’와 시간의 감각을 담아낸다. 홍익대 광고커뮤니케이션디자인과를 졸업하고 영국 킹스턴대에서 석사를 마쳤으며, 단행본 출간과 런던 디자인 뮤지엄 전시 선정 등으로 주목받아왔다.

신동철은 작은 드로잉을 책으로 엮는 행위에서 출발해 세계관을 확장해온 작가다. 버려질 뻔한 이미지와 파편화된 서사를 다시 연결하며, 손제본·실크스크린·리소 인쇄 등 반복 가능한 제작 방식을 통해 완성보다 가능성에 주목해왔다. 최근에는 회화, 디자이너 토이, 설치 등으로 실험을 넓히며, 홍익대와 파주타이포그라피학교에서 교육 활동도 병행한다.

안종우는 ‘기록’과 ‘기억’의 간극을 탐구한다. 초기 사진기법과 전통 재료에 디지털 매체의 속성을 결합해 이미지의 시간성과 물질성을 드러내며, 글리치와 픽셀화 등 오류 효과로 기억의 소실과 변형을 은유한다. KAIST와 서울대에서 수학했으며, 다수의 국제 공모전 수상과 전시 경력을 쌓아왔다.

이인수는 서울과 뉴욕을 기반으로 활동하며 사물과 풍경, 사회적 규범 속 긴장과 불안을 탐구해왔다. 이번 전시에서는 뉴욕 시절의 스케치를 바탕으로 한 연필 드로잉을 통해 왜곡과 과장을 더한 변주를 선보인다. 홍익대와 뉴욕 SVA에서 수학했으며, 뉴욕 타임스 등과의 협업과 국제 공모전 수상 경력을 갖췄다.

최호철은 만화, 애니메이션, 그림책, 회화를 넘나들며 사람 사는 풍경을 집요하게 기록해온 작가다. 낡은 주택가와 골목, 달동네 등 시간과 기억이 쌓인 공간을 세밀한 드로잉으로 엮어 ‘현대 풍속화’로 불린다. 현재 서울웹툰아카데미 학장과 서원대 석좌교수로 재직 중이며, 그의 작품은 국립현대미술관 등 주요 기관에 소장돼 있다.

《여러 개였던 것 중에: 여섯 명의 이미지 노동자》전은 복제와 유통의 속도에서 벗어나, 이미지 노동의 지속과 개인의 삶이 스며든 회화를 통해 동시대 이미지 생산의 의미를 다시 묻는다.

이성구개인전 《From Nature》전시전경   © 작가, 갤러리초이

이성구개인전 《From Nature》전시전경   © 작가, 갤러리초이

이성구개인전 《From Nature》전시전경   © 작가, 갤러리초이

이번 전시는 형태보다 과정, 내용보다 질서를 우선하는 작가의 작업 세계를 집중 조명한다. 화면 위에 번지고 스며드는 물성은 자연이 남긴 오래된 미래처럼 조용한 위안을 전하며, 존재와 부재의 경계에 선 형상들은 혼연일체의 안온함으로 관객을 맞이한다.

이성구의 오랜 관심은 자연의 ‘모습’이 아니라 ‘작용하는 방식’에 있다. 생성과 흔적, 소멸과 순환의 흐름 속에서 경계는 흐려지고, 추상적이며 미니멀한 형태는 자연스레 드러난다. 작가는 인위적 개입을 최소화한 채 물성이 스스로 머무를 시간을 허락하며, 그 과정 속에서 자연 고유의 리듬을 포착한다.

그의 작업에는 관념적 장식성이 배제되어 있다. 기다림과 물러섬, 그리고 스며듦이라는 태도는 작가가 오랜 시간 흔적을 다뤄온 절제와 노련함을 증명한다. 이러한 미학은 자연에 순응했던 동양 회화의 정신과 맞닿아 있으며, ‘인위적 조형을 최소화한 가장 한국적인 평면성’이라는 현대적 언어로 읽힌다.

켠켠이 쌓인 물성의 농도와 절제된 구성, 정제된 감정은 한(韓) 문명이 품어온 정신성을 연상케 한다. 전통을 단순히 차용하는 데 그치지 않고, 현대를 살아가는 작가의 내면에서 숙성된 뒤 동시대적 조형미로 다시 발현되었다는 점에서 이번 전시는 높은 평가를 받는다.

결국 이성구의 회화적 공간은 자연과 문명, 우주적 질서와 인간의 흔적이 한 화면 안에서 고요히 공존하는 장이다. 강한 서사 대신 스며드는 감각과 여백의 미를 통해 관객은 천천히 호흡하며 작품과 마주하게 된다.

전시를 기획한 갤러리초이 김미경 대표는 “이번 전시가 관객에게 자연의 흐름과 문명의 기억이 만나는 지점을 함께 바라보는 시간이 되길 바란다”며 “한 번의 시선으로는 다 보이지 않는 깊이를 천천히 따라가다 보면, 작가가 탐구해 온 ‘자연으로부터 심상(心想)’이라는 미의 본질에 닿게 될 것”이라고 전했다.

전시장은 빠른 감상이 아닌 ‘슬로우 데이’를 권한다. 발걸음을 늦추고 천천히 호흡하며 바라보는 시간 속에서, 자연의 몸짓과 문명의 숨결은 오래된 기억처럼 관객의 마음 깊숙이 스며들 것이다.

전시에 등장하는 이미지들은 사건 이후에 남겨진 흔적이기보다, 대상과 동시에 혹은 그보다 먼저 도착해 자리를 점유하는 존재로 제시된다. 이 이미지들은 대상을 재현하거나 보존하기보다는, 사건과 대상 사이에 생겨난 시간의 틈을 현재에 붙잡아 두는 역할을 수행한다. 《An Empty Bed Isn’t Empty》는 이처럼 비어 있음과 이미 점유된 상태가 공존하는 장면을 하나의 전시 구조로 엮어낸다.

장다은 <Performance <6>>, 2026 아교로 접착한 목판 위에 채색과 한지 75 x 185  x 5.3 cm  © 작가, 상히읗

이안 하 <not as yet>, 2026 장지 위에 실크스크린과 채색 210 x 147 cm  © 작가, 상히읗

서지원 <N U D E>, 2026 자카드 천, 흑채, 압정과 1960년대 필름 140 x 65 cm  © 작가, 상히읗

장다은은 이야기와 기록, 이미지가 완결된 의미로 도착하지 못한 채 반복되고 전승되는 상태에 주목해 왔다. 신화와 설화, 동화처럼 여러 시간대를 가로지르며 변형된 서사들을 다루되, 이를 하나의 이야기로 재현하지 않고 서로 어긋난 서사들이 겹쳐진 구조로 제시한다. 이번 전시에서 그는 개인전 ⟪Chorus⟫(프라이머리 프랙티스, 2025)에서 선보였던 퍼포먼스 〈6〉(2025)의 기록을 평면 작업으로 전환한다. 퍼포먼스 과정에서 축적된 기호와 텍스트는 반투명한 한지로 옮겨져 오려지고, 비워진 자리는 프레임 위에 그대로 남는다. 제거된 형상은 반전된 상태로 적층되며, 기록이 사라진 이후 이면에 쌓이는 구조를 형성한다. 이 작업에서 평면은 완결되지 못한 서사와 아직 도착하지 않은 의미들이 겹침과 공백의 상태로 응축되는 장소로 작동한다.

이안 하는 표면에 남은 얼룩과 잔여, 파편들이 맺는 새로운 관계에 주목한다. 그는 덮고 지우며 긁어내는 반복적인 행위를 통해 이미지의 완결을 미루고, 화면 위에 축적된 흔적들이 하나의 서사로 수렴되지 않도록 유지한다. 최근 작업에서는 동아시아 회화의 전통적 도상인 사군자를 호출하면서도, 이름 모를 잡초와 장미, 날카로운 가시 등 이질적인 요소들을 끌어들여 기존의 질서를 교란한다. 이번 전시에 출품된 ⟨not as yet⟩(2026)과 ⟨돌고 돌고⟩(2026)는 떨어져 나온 재료의 부산물과 반복된 제스처들이 화면 안에서 새로운 관계를 형성하는 과정을 보여준다. 이안 하에게 회화는 생성과 소멸이 끊임없이 갱신되는 살아 있는 구조이다.

서지원은 일상에 지나치게 가까워 의심 없이 소비되던 이미지들이 서로를 지시하고 방해하며 훼손되는 지점에서 작업을 출발한다. 그의 화면에는 친숙함과 불안함, 아름다움과 혐오가 선후를 가릴 수 없는 상태로 겹쳐진다. 〈Pattern〉(2026) 연작은 화조도의 도상을 크롭하고 반전시켜 의미를 훼손한 이미지들을 낡은 벽지나 유흥가의 패턴처럼 재배치한 작업이다. 반복된 사포질과 얼룩을 통해 도상의 상징성과 출처는 점차 식별 불가능한 상태에 놓인다. 또 다른 신작 〈N U D E〉(2026)는 인화되지 못한 누드 필름에서 출발해, 군사기지 인근 마을에서 발견한 유흥업소의 문을 본뜬 구조물 위에 부착된다. 수없이 열리고 닫혔을 손과 시선을 암시하는 이 문은 끝내 내부를 드러내지 않으며, 평면을 ‘통과할 수 없는 입구’로 전환한다.

한편, 이번 전시는 류츠신의 소설 『삼체』 삼부작에서 착안한 시간적 구조를 개념적 배경으로 삼고 있다. 상히읗은 《An Empty Bed Isn’t Empty》를 통해 시간의 선형적 흐름에서 벗어난 이미지의 상태를 조명하며, 비어 있으나 결코 비어 있지 않은 장면을 관객 앞에 펼쳐 보인다.

양종용 작가는 10여 년이 넘는 시간 동안 ‘이끼’를 주요 모티프로 삼아 ‘자연스러운 삶’과 관계의 의미를 회화와 설치 작업으로 풀어내 온 작가다. 작가가 이끼를 자연의 상징으로 선택한 이유는 높게 자라기보다 낮게 퍼지며 작은 숲처럼 공간을 채우고, 주변의 존재들을 감싸 안듯 연결하는 생태적 특성 때문이다. 이끼가 공간을 조화롭고 자연스럽게 만들어가는 모습은 작가가 지속적으로 탐구해온 ‘자연스러운 삶’의 태도와 맞닿아 있다.

양종용, 달항아리이끼, Oil on canvas, 190x170cm, 2025  © 작가, 더샵갤러리

양종용, 그릇이끼, Oil on canvas, 145.5x89.1cm, 2024  © 작가, 더샵갤러리

양종용, 변기이끼, oil on canvas, 91x65cm, 2023  © 작가, 더샵갤러리

작품 세계의 출발점에는 개인적 성찰의 경험이 자리한다. 작가는 20대 시절 사회 속에서 자신의 위치에 대한 불안과 자괴감 속에서 깊은 자기 성찰의 시간을 보냈고, 일상의 공간인 변기를 내면을 비워내는 ‘내적 배설’과 반성의 상징으로 해석했다. 절의 해우소나 천주교의 고해소에서 착안한 이러한 사유는 인공물인 변기 위에 자연물인 이끼를 그려내는 독특한 회화 시리즈로 이어졌다. 이는 자기 성찰을 통해 관계가 회복되고, 보다 나은 삶으로 나아가는 과정을 시각적으로 드러낸 작업이다.

이와 대비되는 또 다른 주요 소재는 ‘그릇’이다. 작가는 담아내고 받아들이는 도구인 그릇을 통해 ‘무엇을 어떻게 받아들이며 살아가는가’라는 질문을 던진다. 먹는 행위는 곧 관계 맺기의 방식이며, 이는 타인과 세계, 감정과 관념을 인정과 수용, 관용과 중용의 태도로 받아들이는 삶의 자세를 의미한다. 그릇에 이끼를 채운 ‘그릇 이끼’ 시리즈 역시 변기 이끼 작업과 마찬가지로 관계 회복과 ‘자연스러운 삶’에 대한 의지를 담고 있다.

최근 작가는 캔버스 회화에 머무르지 않고 작품 세계를 현실 공간으로 확장하고 있다. 실제 이끼를 연구하고 채집해 작업실에 재배 환경을 구축했으며, 살아 있는 이끼를 설치 조형물에 활용하거나 회화적 영감을 얻고 있다. 특히 인간 문명의 상징인 시멘트와 자연물인 이끼를 결합한 작업에서는 균열이 생긴 시멘트 평판 위에 레진과 붓터치로 이끼를 겹겹이 쌓아 올리며 인공과 자연의 공존을 시각화했다. 이는 자연을 파괴하며 확장된 도시 문명 속에서도 자연은 다시 틈새를 찾아 공존의 가능성을 만들어간다는 메시지를 담는다.

이번 전시에서는 대표 회화 작품 18점을 비롯해 변기 이끼, 항아리 이끼 설치 작품 2점, 레진을 활용한 시멘트 작업과 그릇 이끼 작품 5여 점이 공개된다. 또한 이끼 대중화에 힘쓰고 있는 기센컴퍼니 김희선 대표와 협업한 이끼 분재 콜라보 작품도 함께 선보인다. 숲의 소리가 울리는 전시장과 대형 이끼나무 포토존은 관람객들에게 자연 속에 들어온 듯한 몰입감과 치유의 시간을 제공할 예정이다.

전시 기간 동안 다양한 체험 및 강연 프로그램도 마련된다. 2월 1일 오후 4시에는 ‘널 위한 문화예술’ 공동대표 이지현 대표가 진행하는 워크숍 프로그램 ‘트라이 아웃 2026: 예술가 되어보기’가 열리며, 2월 5일 오후 2시에는 이소영 아트메신저의 진행으로 작가와 함께하는 아티스트 토크 ‘가장 낮은 식물, 가장 넓은 관계: 양종용의 회화와 미학’이 진행된다. 2월 13일에는 정우철 도슨트의 전시 연계 강연이, 3월 18일에는 김희선 대표와 양종용 작가가 함께하는 토크형 강연 ‘가장 낮은 곳에 자리한 자연 – 이끼를 키우는 아이들’이 이어진다.

이 밖에도 전시장에서는 숲의 소리와 함께 인플루언서 맑음요가 강사 송영현 원장이 진행하는 ‘아티스트와 함께하는 맑음 요가 체험’ 프로그램이 전시 기간 동안 총 4회 무료로 운영된다.

《이끼: 공존의 시대》는 인간과 자연, 인공과 생명이 분리될 수 없는 관계임을 다시 묻고, 공존을 향한 삶의 태도를 조용하지만 깊이 있게 제안하는 전시다.

Volcanic Élan Vital (Crimson), Mixed media on canvas, 162.2x130.3 cm, 2026 © 작가, 갤러리위

Gala of élan vital (25M-7), Mixed media on canvas, 162.2x130.3 cm, 2025 © 작가, 갤러리위

Gala of élan vital (25S-8), Mixed media on canvas, 90.9 x 72.7 cm, 2025 © 작가, 갤러리위

손진형의 회화에 등장하는 말은 단순한 이미지나 상징에 머무르지 않는다. 그것은 신화 속 영물인 기린(Qilin)의 평화와 덕성을 품은 존재이자, 인간과 가장 오래 호흡해온 동반자로서 생명의 감각을 환기하는 매개체다. 작가는 말이라는 형상을 통해 인간이 잃어버린 감각, 즉 속도와 효율의 논리에 가려진 삶의 온기와 내면의 리듬을 화면 위에 다시 불러온다.

이번 전시에서 우리는 ‘붉음(Crimson)’에 주목한다. 붉은 색은 불과 피, 생과 에너지를 동시에 떠올리게 하지만, 손진형의 화면에서 그것은 과시되거나 소진되지 않는다. 오히려 깊은 색의 층위 속에 응축되어, 조용하지만 지속되는 생의 온도로 작용한다. 이는 화산처럼 잠재된 에너지가 언제든 다시 도약할 수 있음을 암시하며, 정지와 움직임 사이의 긴장을 전시장 공간 전체로 확장시킨다.

갤러리위 청담의 공간은 이번 전시에서 하나의 ‘호흡의 장’으로 기획되었다. 관람객은 말의 응시와 마주하며 자연스럽게 속도를 늦추고, 화면 앞에 머무는 시간을 경험하게 된다. 이는 작품을 ‘보는 것’을 넘어, 작품과 함께 머무는 감각적 체험으로 이어진다. 전시는 관람객 각자가 자신의 리듬을 되찾는 여정을 조용히 돕는 구조로 구성되었다.

‘붉은 말의 해’라는 시간적 상징은 이 전시에서 예언이나 표식이 아니라, 다시 시작하기 위한 은유로 작동한다. 손진형의 회화는 완결된 메시지를 제시하기보다, 여전히 도약 중인 생명으로서의 상태를 보여준다. 불완전하지만 살아 있는 존재, 흔들리면서도 앞으로 나아가는 움직임은 지금을 살아가는 우리의 모습과 닮아 있다.

《Crimson Élan Vital – 붉은 생의 도약》은 거창한 선언보다 조용한 질문을 택한다. 우리는 이 전시를 통해 관람객 각자가 자신만의 속도로 생의 에너지를 감각하고, 다시 한 걸음 내딛는 계기를 발견하기를 기대한다. 이 공간에서 시작되는 작은 도약이, 각자의 일상 속으로 자연스럽게 이어지기를 바란다.

월드 아트페스타는 단순한 규모 확장에 머무르지 않고, 기획 중심의 구조를 통해 성장해 온 아트페어로 평가받아 왔다. 작품 전시와 거래를 넘어 예술을 ‘경험하고 이해하며 선택하는 과정’ 전반을 설계해 온 점이 특징이다. 이러한 방향성은 올해 다섯 개의 기획 프로젝트를 통해 더욱 분명히 드러난다.

‘월드 아트페스타 2026’은 Project EASY, Project BOOST, Project PLAY, Project PLUS, Project NUGU 등 총 다섯 개의 프로젝트 섹션으로 구성된다. Project EASY는 50만 원 이하의 작품만을 엄선해 선보이는 섹션으로, 첫 컬렉팅에 나서는 관람객들의 진입 장벽을 낮추는 데 초점을 맞췄다. 공모를 통해 선정된 작품들이 소개된다.

청년 작가와 신진 갤러리를 조명하는 Project BOOST는 새로운 작가와 갤러리가 미술 시장에 안정적으로 안착할 수 있도록 지원하는 프로그램이다. Project PLAY는 관람객 참여형 예술을 통해 감상의 방식을 ‘보는 행위’에서 ‘함께 만드는 경험’으로 확장한다. Project PLUS에서는 시각예술을 중심으로 퍼포먼스, 음악, 환경 메시지 등 다양한 장르와의 결합을 통해 동시대 예술의 확장 가능성을 탐색한다.

Project NUGU에서는 초현실주의 거장 살바도르 달리(Salvador Dalí) 특별전이 열린다. 이번 전시는 달리와 약 50년에 걸쳐 협업한 출판인이자 컬렉터 피에르 아르질레의 소장품인 ‘아르질레 컬렉션(The Argillet Collection)’을 중심으로 구성된다. 달리의 에칭과 태피스트리 작품을 통해 초현실주의가 문학과 신화, 사유의 영역으로 확장되는 과정을 조명하며, 거장의 작품을 보다 현실적인 거리에서 만날 수 있도록 기획됐다.

전시 기간에는 아르질레 컬렉션의 관리인이자 큐레이터인 크리스틴 아르질레(Christine Argillet)가 방한한다. 그는 달리와 아르질레 가문의 협업 과정을 직접 증언할 수 있는 유일한 기록 보관자로, 전시 기간 중 컬렉션의 형성과 미술사적 의미를 관람객에게 소개할 예정이다.

개막일에는 Project PLUS의 일환으로 다채로운 퍼포먼스 프로그램이 펼쳐진다. 전통 검무의 정신을 현대적으로 재해석한 박수복 화백의 퍼포밍 아트, 아웃사이더의 랩 공연, 홍보대사이자 화가인 윤송아 작가의 라이브 페인팅이 전시의 시작을 알린다. 국제 환경운동가 ‘맨발의 사나이’ 조성환 씨의 환경 캠페인 퍼포먼스는 토요일에 별도로 진행돼 예술과 환경 메시지를 결합한 프로그램으로 관람객과 만날 예정이다.

월드아트페스타 운영위원회는 “월드 아트페스타는 특정 작가나 장르에 국한된 행사가 아니라, 프로젝트 중심의 구조를 통해 컬렉팅과 체험, 담론을 함께 제안하는 플랫폼”이라며 “8개국 130여 개 갤러리와 함께하는 이번 행사는 그간 축적해 온 기획력과 국제 네트워크의 성과를 보여주는 자리”라고 밝혔다.

한편 ‘월드 아트페스타 2026’은 살바도르 달리 특별전을 비롯해 국내외 갤러리 전시, 퍼포먼스 프로그램, 환경 캠페인, 프로젝트 이지 섹션, 키즈 프로그램 등 다양한 콘텐츠로 구성돼 폭넓은 관람층을 맞이할 예정이다.

손아영, 깊은 밤-20250508, H33.4xW44cm(8P), 종이에 먹, 2025 © 작가, 갤러리이즈  

손아영, 좁은 문-20251231, H90.9xW65.1cm(30P), 종이에 먹, 2025 © 작가, 갤러리이즈  

손아영, 남산골한옥마을의 아침-20240314, H116.8xW80.3cm(50P), 종이에 먹, 2024 © 작가, 갤러리이즈  

손아영, 좁은 문-20241118,  H72.7xW100cm(40P), 종이에 먹,  2024 © 작가, 갤러리이즈  

손아영 개인전 《좁은 문(narrow door)》 포스터   © 작가, 갤러리이즈 

손아영은 건축학을 전공하고 약 9년간 건축 실무를 거친 뒤 2017년 전업 작가로 전향했다. 대학 시절부터 건축물을 펜화로 기록해 온 그는 건축을 기능의 영역을 넘어 예술로 받아들이며, 작업의 중심을 줄곧 ‘건축’에 두어왔다. 특히 한옥에 매료된 이후, 사람들이 지나치기 쉬운 한옥의 지혜와 정서를 종이와 먹, 물의 번짐으로 섬세하게 담아내고 있다.

이번 전시에서 작가는 한옥을 표현함에 있어 흑과 백, 시간과 공간, 비움과 채움의 대비를 고려해 동서 어느 한쪽으로 치우치지 않는 음양의 균형을 중시한다. 이는 전통 건축이 지닌 조화의 미학을 현대 회화의 언어로 번역하려는 시도이기도 하다. 작가는 “한옥을 바라보는 나만의 구도와 시선이 관람객에게 전해질 때, 비로소 건축을 예술로 이야기하고 있다는 보람을 느낀다”고 전한다.

한옥이라는 우리 고유의 창작물을 매개로, 건축의 아름다움을 쉽고 감각적으로 풀어내는 이번 전시는 전통과 현대, 건축과 미술의 경계를 가로지르는 흥미로운 제안이 될 것으로 기대된다.

한편 손아영 작가는 예술의전당 한가람디자인미술관, GS타워 더스트릿 갤러리 등에서 개인전과 다수의 기획·단체전에 참여해 왔다.

노화랑은 2026년 새해 첫 전시로 조각가 김성복의 개인전 〈그리움의 그림자〉를 1월 22일부터 2월 5일까지 개최한다. 이번 전시는 김성복 작가가 2025년 제14회 한국미술평론가협회 작가상을 수상한 것을 기념하는 자리로, 조각 20점과 회화 80점 등 총 100여 점의 작품이 출품된다.

김성복, 사랑은 그리움을 남기고 떠나갔다, Stainless steel, 120 x 120 x 170cm, 2024  © 작가, 노화랑, 사진: 아트앤컬처

김성복, 신화, granite, 59 x 35 x 60cm, 2020, © 작가, 노화랑, 사진: 아트앤컬처 

김성복, 꿈수저, Stainless steel, 85 x 190 x 50cm, 2018  © 작가, 노화랑, 사진: 아트앤컬처

김성복 개인전 《그리움의 그림자》전시전경  © 작가, 노화랑, 사진: 아트앤컬처

김성복은 홍익대학교 조소과 및 동 대학원 조소과 석사를 졸업한 이후, 돌조각을 중심으로 한국 조각의 조형성과 물성에 대한 탐구를 꾸준히 이어온 작가다. 지금까지 18회의 개인전을 열었으며, 강원 트리엔날레를 비롯해 국내외 단체전 400여 회에 참여하며 왕성한 작품 활동을 펼쳐왔다. 이와 함께 오랜 기간 교단에 서며 후학 양성에도 힘써왔다.

그의 작품 세계는 조형에 대한 집요한 탐구와 물성에 대한 깊은 사유를 바탕으로 평단의 지속적인 주목을 받아왔다. 2002년 ‘미술세계 작가상’을 시작으로 다수의 권위 있는 상을 수상하며 작품성을 인정받아 왔으며, 최근에는 제14회 한국미술평론가협회 작가상을 수상해 그 예술적 성과를 다시 한 번 공인받았다. 이번 전시는 오랜 시간 축적해온 김성복의 조형적 탐구의 궤적을 조망하고, 수상의 의미를 되새기는 계기가 될 것으로 기대된다.

김성복은 조각을 중심으로 회화 등 다양한 매체를 넘나들며 동시대적 감각으로 작업 영역을 확장해왔다. 그는 혼란스러운 시대를 통과하며 비관보다는 그 안에서 살아가는 개인의 일상과 태도에 주목한다. 거대한 사회적 서사 속에서 포착한 개인의 삶을 긍정의 시선으로 전환하는 점은 그의 작업을 관통하는 중요한 특징이다.

민속과 신화에서 길어 올린 동화적 상상력은 작가 특유의 조형 언어와 결합해 익살과 해학, 우화적 상징을 동반한 입체적 이미지로 구현된다. 도깨비 방망이 형상의 꼬리를 지닌 해태, 반복적으로 등장하는 거대한 손과 발을 지닌 인물 형상은 초인적인 인상을 주지만, 그 이면에는 불안을 내포한 인간의 모습이 담겨 있다. 강인해 보이는 외형 속에 숨겨진 인간적 취약성을 드러내며, 힘겨운 현실 속에서도 쉽게 무너지지 않고 자신의 자리를 지키는 존재로서의 인간을 조형적으로 풀어낸다.

이번 전시에서는 화강암과 스테인리스 스틸을 재료로 한 조각 작품과 함께 아크릴 페인팅 회화 작품도 선보인다. 회화 작업은 색채를 매개로 조각과는 또 다른 섬세한 감각과 정서를 전달하며, 김성복의 조형 세계를 한층 풍부하게 확장한다.

노화랑에서 펼쳐지는 〈그리움의 그림자〉는 수십 년간 축적된 작가의 사유와 미학을 집약적으로 조망할 수 있는 자리다. 관람객에게는 혼란스러운 시대 속에서도 불안과 함께 자신의 자리를 지키며 살아가는 개인의 모습을 다시금 성찰하게 하는 계기를 제공할 것으로 보인다.

동남아시아 지역을 중심으로 활동하는 미술가들이 한자리에 모이는 「제1회 동남아시아미술협회전(1st ART EXHIBITION)」이 2026년 1월 23일부터 2월 3일까지 베트남 하노이 미딘 지역 Patisserie Mỹ Đình에서 열린다. 전시 오프닝은 1월 23일 오전 10시에 진행될 예정이다.

이번 전시는 The Association of SouthEast Asia Art(동남아시아미술협회)가 주최·주관하는 첫 공식 전시로, 한국과 베트남을 포함한 동남아시아 각국의 작가들이 참여해 회화와 일러스트레이션 등 다양한 장르의 작품을 선보인다. 자연과 인간, 기억과 상징, 일상과 내면을 주제로 한 작품들은 각기 다른 문화적 배경 속에서 형성된 미적 감수성을 공유하며 동시대 미술의 확장 가능성을 보여준다.

참여 작가로는 손윤석, 장천일, 이설재, 김보경, 백재봉, 박민지, 전미숙, 조선영, 김정인과 베트남 작가 Lương Thu Hà, Dương Tuấn, Nguyễn Nhật Dũng, Nguyễn Minh Đồng, Phạm Thị Hồng Sâm 등이 이름을 올렸다. 작가들은 개인적 서사와 지역적 정체성을 바탕으로 각자의 조형 언어를 구축하며, 국경을 넘어선 예술적 공감과 대화를 시도한다.

이번 전시는 한국예총, 한국예총하노이지회, 전업미술가협회, 한국예총문화예술원, 하노이한인회, 한베가족협회, H PLUS 국제의료센터, 아트앤컬처–문화예술신문의 후원으로 진행된다. 협회 측은 “다양한 문화예술 기관과 단체의 후원을 통해 동남아시아 미술 교류의 실질적 기반을 마련하고, 작가와 관람객이 함께 호흡하는 열린 전시를 구현하고자 했다”고 밝혔다.

카페형 전시 공간에서 열리는 이번 전시는 지역 주민과 일반 관람객이 일상 속에서 자연스럽게 예술을 접할 수 있도록 기획되었으며, 전시 장소 및 세부 안내는 포스터에 수록된 QR코드를 통해 확인할 수 있다.

병오년을 맞아 오랫동안 ‘말’을 주요 모티프로 작업해온 이민주는 이번 전시에서도 명상하고 사유하는 말의 형상을 중심으로 다양한 상징적 이미지들을 선보인다. ‘붉은 말의 해’라는 상징에 걸맞게, 작품 전반에는 긍정과 희망의 에너지가 충만하게 흐른다.

이민주, 20250916, 1, 81 × 65.5 cm  © 작가, 갤러리 내일

The Resonance of the Void-For the Peace, diameter 70 cm,

Mixed media on canvas, 2025   © 작가, 갤러리 내일

이민주, 20250825, 1, 금색크롭,  60 × 60 cm © 작가, 갤러리 내일

이번 전시는 〈空의 共鳴(The Resonance of the Void) 4 – 소외의 공간에서 길어 올리는 신화의 공명〉이라는 주제로, 현대인의 비어 있는 의식 속에서도 서로 공명하며 생명의 파장을 이어가는 존재의 모습을 은유적으로 담아낸다. 오랜 인생 여정을 통해 축적된 사유를 바탕으로, 작가는 끊임없이 이어지는 시공간의 편린들을 자신만의 독특한 선, 이른바 ‘공명필선(Resonant Lines)’으로 화면 위에 풀어낸다.

작품 속에 반복적으로 등장하는 원형은 공(空)이자 우주이며, 달이자 비움의 상징으로 읽힌다. 그림자와 만영, 투영의 이미지는 스스로를 끊임없이 성찰하고 회개하는 작가의 일상적 태도를 반영한다. 특히 이번 전시에서는 프레스코 기법을 활용한 작품들이 새롭게 소개되는데, 이는 21년간 땅속에 묻혀 있던 석회의 시간성과 깊이를 상징적으로 담아낸 시도다.

캔버스의 요철을 활용한 한지 위 수묵 작업을 비롯해, 먹과 과슈, 아크릴을 혼합한 작품 등 다양한 기법을 통해 작가의 철학과 미학이 다층적으로 펼쳐진다. 삼라만상이 하나의 공명으로 연결되어 서로 파장을 주고받는 세계관은 이민주 작업의 핵심이다.

미술평론가 서길헌 박사는 “화가 이민주에게 캔버스는 소외의 공간이자 끊임없이 불어나는 우주의 공간”이라며 “그녀의 화면은 모든 사물이 하나의 빛으로부터 우러나오는 듯한 공명의 파장으로 둘러싸여, 투명한 공허를 마주하는 감각을 전한다”고 평한다. 이어 “동심원과 소용돌이 형태의 선들은 허공에서 일어나는 파동처럼 울림을 만들며, 이는 현대인의 소외감을 신화적 공명으로 이끄는 긴장감을 형성한다”고 덧붙였다. 그는 또한 “이민주의 붓질은 한계 지어진 화면을 넘어 새로운 우주를 향해 확장되는 신화의 공명”이라고 평가했다.

작가는 이번 전시에 대해 “저 세상에서 들려오는 요정의 소리를 들으며 자연의 빛과 공명해 그어진 선과 색으로 화면을 채운다”며 “우주로부터 전달된 나의 공명필선으로 그어진 작품들은 지난 20여 년간 5대륙의 관객들과 파장을 교류해왔다”고 말한다. 이어 “한국의 전통 미학을 현대적 감성으로 해석한 작업들은 혼돈에서 출발해 우주를 떠돌다 이제 시적인 형상으로 나타나기 시작했다”며 “공의 공명은 앞으로도 계속될 것”이라고 전했다.

서울대학교 미술대학 회화과 및 동 대학원을 졸업한 이민주는 미국 미시간대학교 대학원 과정에서 수학했다. 한국미술협회 부이사장과 KICAA 회장을 역임했으며, 대한민국미술대전 심사위원 및 운영위원, 장애인 아트페어 심사위원장 등으로 활동했다. 

이번 전시는 그의 예술 세계가 지닌 철학적 깊이와 확장성을 다시 한 번 확인할 수 있는 자리가 될 전망이다.

 《화이도(畫以道, The Way of Painting)》 © 작가, 갤러리현대

 《화이도(畫以道, The Way of Painting)》 전시전경 © 작가, 갤러리현대

 《화이도(畫以道, The Way of Painting)》 전시전경 © 작가, 갤러리현대

이번 전시는 갤러리현대 본관에서 동시 개최되는 《장엄과 창의: 한국 민화의 변주》와 함께 구성돼, 조선의 궁중회화와 민화에서 출발한 전통 회화가 오늘날 어떻게 재해석되고 확장되는지를 입체적으로 조망한다. 갤러리현대는 2016년 예술의전당과 공동 기획한 《조선 궁중화·민화 걸작 – 문자도·책거리》를 시작으로 《민화, 현대를 만나다: 조선시대 꽃그림》(2018), 《문자도, 현대를 만나다》(2021) 등 한국 전통 회화를 동시대적 맥락에서 재조명해왔다. 《화이도》는 이러한 기획의 연장선에서 4년 만에 선보이는 전통 회화 기획전이다.

전시 제목 ‘화이도(畫以道)’는 ‘그림으로 길을 삼는다’는 뜻으로, 전통을 과거의 양식이 아닌 현재 진행형의 언어로 바라보는 전시의 방향을 함축한다. 갤러리현대는 이번 전시를 통해 한국 전통 회화를 특정 시대의 미학으로 한정하는 시선을 넘어, 오늘의 감각과 인식 속에서 새롭게 작동하는 회화적 실천으로 제시한다는 계획이다.

전시에는 김남경, 김지평, 박방영, 안성민, 이두원, 정재은 등 동시대 작가 6인이 참여한다. 이들은 책가도, 산수화, 민화, 서예, 궁중회화 등 전통 회화의 형식과 정신을 각자의 방식으로 해체하고 재구성하며 독자적인 회화 세계를 구축해온 작가들이다.

김남경은 조선시대 책가도의 구조를 출발점으로 자연 직물과 금속박을 결합해 기억과 사유가 축적되는 내적 풍경을 현대적으로 풀어낸다. 국립현대미술관 ‘올해의 작가상 2025’ 파이널리스트로 선정된 김지평은 책가도와 산수화, 장황의 형식을 열린 구조로 재해석하며 누락되고 주변화된 이미지의 층위를 드러낸다. 박방영은 서예의 획과 여백, 기운생동의 개념을 회화의 물성과 제스처로 확장해 전통과 현대가 교차하는 화면을 구축한다.

안성민은 전통 민화의 도상을 현대적 오브제와 색채로 재구성해 개인적 성찰과 동시대적 서사를 결합한 초현실적 회화를 선보인다. 2025년 뉴욕 아모리쇼에서 솔로 부스를 선보이며 뉴욕타임스에 소개된 이두원은 세계 각지를 여행하며 수집한 천연 재료와 한국 전통 먹을 결합해 즉흥적이고 자유로운 방식으로 회화의 본질을 탐구한다. 정재은은 민화와 궁중 회화의 전통적 구도와 재료를 바탕으로 절제된 색감과 겹겹의 조색을 통해 한국화의 현대적 확장 가능성을 모색한다.

갤러리현대 관계자는 “《화이도》는 전통을 답습하거나 재현하는 데 머무르지 않고, 오늘의 회화적 언어로 재구성된 한국 회화의 현재를 보여주는 전시”라며 “과거와 현재의 회화적 계보가 어떻게 오늘의 시선 속에서 새롭게 길을 만들어가는지를 확인하는 자리가 될 것”이라고 말했다.

2026년 1월 6일부터 2월 8일까지, 경북 영주시 148아트스퀘어(영주시 대학로 77)에서는 기획전 《BEHIND THE SCENE ― 그들은 어떻게 거장이 되었나》가 개최된다. 이번 전시는 작가 개인의 성취를 넘어, 예술의 가치를 발견하고 지켜온 ‘갤러리스트의 안목과 헌신’을 조명하는 데 초점을 맞춘다.

전시는 20세기 초 피카소와 마티스를 세상에 소개한 전설적 갤러리스트 베르테 웨일(Berthe Weill)의 사례처럼, 예술가의 가능성을 먼저 알아본 이들의 역할을 한국 미술계의 역사 속에서 되짚는다. 그 중심에는 KIAF 창립 멤버이자 제15·16대 한국화랑협회장을 역임한 표갤러리 표미선 대표가 있다.

이번 전시는 표미선 대표가 평생에 걸쳐 수집해온 소장 작품들을 통해 구성된다. 전시에는 이우환, 김창열, 김흥수, 윤명로, 이강소, 임직순, 정창섭, 김태호, 곽덕준, 곽훈, 김용익, 이용덕, 신성희, 홍경택 등 한국 근현대 미술사를 관통하는 핵심 작가들이 대거 포함됐다. 해외 작가로는 세키네 노부오, 조나단 브롭스키, 마유카 야마모토, 매즈 크리스텐슨 등이 참여해 전시의 지평을 넓힌다.

특히 이번 전시는 1980년대부터 표갤러리를 통해 소개되거나, 한국 미술의 흐름을 함께 만들어온 작가들의 작품을 중심으로 구성됐다. 모노하의 창시자 이우환, 물방울 회화로 독자적 세계를 구축한 김창열, 절제된 조형 언어의 추상회화를 선보인 윤명로, 모노크롬 회화의 대표 작가 정창섭 등의 작품은 한국 미술의 주요 변곡점을 생생히 보여준다.

이와 함께 표미선 대표가 지속적으로 지원해온 권현진, 김미로, 지희킴, 김형수 등 차세대 작가들의 작품도 함께 소개된다. 이는 ‘이미 완성된 거장’뿐 아니라, 지금 이 순간에도 가치를 발견하고 지켜보는 갤러리스트의 현재진행형 역할을 드러낸다.

전시 관계자는 “이번 전시는 작품을 나열하는 데 그치지 않고, 한 작가가 거장이 되기까지의 시간과 그 곁을 지킨 사람들의 이야기를 함께 전하고자 했다”며 “위대한 작품의 탄생 이면에 숨은 서사를 발견하는 계기가 되길 바란다”고 전했다.

《BEHIND THE SCENE》은 한국 근현대 미술사를 작가 중심이 아닌, ‘관계와 선택, 안목의 역사’라는 새로운 시선으로 풀어내는 전시다. 수많은 작가와 함께 걸어온 표미선 대표의 오랜 여정은, 예술이 어떻게 만들어지고 지켜지는가에 대한 깊은 질문을 관람객에게 던진다.

 ©  작가, 갤러리바톤 

 Song Burnsoo Possibility 023-CV, CVI, CVII, 2023  ©  작가, 갤러리바톤

Suzanne Song Eclipse, 2025 ©  작가, 갤러리바톤 

Jimok Choi Blind Landscape, 2026 ©  작가, 갤러리바톤  

이번 전시는 송번수, 칼 안드레(Carl Andre), 로버트 맨골드(Robert Mangold), 리암 길릭(Liam Gillick), 카즈코 미야모토(Kazuko Miyamoto) 등 동서양을 대표하는 작가들을 포함해 총 9인의 작업을 선보인다. 미니멀한 형식을 느슨하게 공유하는 이들의 작품을 통해, 객체·공간·관람자의 관계에 대한 상이한 미학적 접근이 어떻게 병존하고 교차하는지를 살펴본다.

전시 제목이 암시하듯, 미니멀 아트와 회화적 추상미술은 20세기 중반 이후 서사와 상징에 기반한 재현을 거부하고, 작가의 주관적 표현을 절제하는 방식으로 전개돼 왔다. 이 흐름에서 작품의 의미는 고정된 해석으로 귀결되기보다, 관람자가 작품과 마주하는 순간의 신체 감각과 공간적 인식 속에서 형성된다. 즉 ‘무엇을 보느냐’보다 ‘어떻게 경험하느냐’가 핵심이 된다.

이후 등장한 포스트-미니멀 및 포스트-추상적 실천은 이러한 형식을 유지하거나 변주하면서, 작품을 인식하게 만드는 조건—배치, 규칙, 맥락—자체를 가시화하고 이를 작품의 일부로 끌어들였다. 이번 전시는 이 두 흐름을 단일한 미술사적 계보로 통합하기보다, 서로 다른 방식으로 교차시키며 각 작업이 지닌 고유한 조건과 차이가 어떻게 존중될 수 있는지를 탐색한다.

칼 안드레, 탑타(Tapta), 카즈코 미야모토의 작업에서 공통적으로 드러나는 것은 형식의 개방성과 물질의 직접성이다. 정사각형 아연판, 이등변 삼각형의 네오프렌, 엄밀한 규칙 아래 설치된 못과 실 등은 경공업적 인상을 띠는 동시에 작가의 주관적 흔적을 최소화한다. 이들의 작품은 관계나 담론으로 환원되기보다, 물질과 공간 속에서 발생하는 경험 그 자체를 통해 미술이 신체와 상황에 열려 있음을 드러낸다.

로버트 맨골드와 수잔 송(Suzanne Song)은 회화가 여전히 사유와 감각의 장이 될 수 있는가라는 질문을 바탕으로, 색과 선, 반복을 통해 기하학적 화면 구성을 탐구해 왔다. 이들의 회화는 입체적 조형물의 물리적 존재에 의존하기보다, 회화 내부에서 작동하는 분할과 관계를 통해 시각적 구조를 형성한다.

관계 미학의 선구자로 평가받는 리암 길릭은 개념적 미니멀리즘을 전략적으로 차용해 제도, 노동, 시스템과 연관된 담론을 활성화한다. 텍스트와 산업 구조물을 연상시키는 그의 작업은 미니멀한 형식을 매개로 동시대 사회의 조건을 사유하게 하는 시각적 촉매로 기능한다.

송번수, 최지목, 히로토 토모나가는 개인의 삶의 궤적과 신체가 외부 자극에 반응하는 방식을 절제된 시각 언어로 풀어낸다. 중심과 주변이라는 이분법적 구도는 긴장된 상태와 감정의 흐름을 효과적으로 드러내며, 이들에게 미니멀리즘은 종결된 양식이 아닌 관계와 감정이 스며드는 유연한 언어로 재전유된다.

《Against Ornament, Against the Object》는 미니멀과 추상을 단일한 미학으로 규정하기보다, 그 차이와 간극이 만들어내는 긴장을 통해 동시대 미술의 또 다른 가능성을 제시하는 자리다. 작품 앞에 선 관람자는 대상 너머의 의미를 찾기보다, 자신의 지각과 경험이 어떻게 작동하는지를 스스로 질문하게 된다.

이번 전시는 조각, 사진, 설치라는 서로 다른 매체를 통해 ‘감각이 닿을 수 있는 한계’와 언어로 포착되기 어려운 비가시적 경험의 층위를 조명한다. 작가들은 명확한 형태나 완결된 서사보다는 생성과 변화의 과정, 사건 이전의 미세한 움직임과 감각의 흔들림에 주목한다. 이를 통해 관객은 익숙하다고 믿어온 세계를 다시 바라보게 되는 감각적 전환의 순간과 마주하게 된다.

신년식의 작업은 물질과 공간 사이에서 발생하는 긴장과 흐름을 통해 감각의 경계를 드러내며, 윤정민은 사진 매체를 통해 보이는 것 너머의 시간과 잔여된 감각을 포착한다. 정상현은 설치 작업을 통해 사물과 관객, 공간 사이의 관계 변화를 유도하며 감각의 이동과 재구성을 시도한다. 세 작가의 작업은 서로 다른 속도와 진동으로 전시장 안에서 공명하며, 감각이 세계를 인식하고 해석하는 방식을 다층적으로 펼쳐 보인다.

스페이스 성북 관계자는 “이번 전시는 무엇을 보았는가보다, 어떻게 느꼈는가를 질문하는 자리”라며 “관객 각자의 감각이 작품과 만나 스스로의 문턱을 넘나드는 경험을 하길 기대한다”고 전했다.

형태 이전의 감각, 의미 이전의 흔들림을 따라가는 《감각의 끄트머리 – 보이지 않는 감각의 문턱》은 새해의 시작점에서 세계를 감각하는 또 다른 방식을 제안하는 전시가 될 전망이다

양묵. Self-Existence. No.72 / 2025 / 116.8 * 91cm / Oil on canvas © 작가, 대섬아트스페이스

양묵. Self-Existence. No.74 / 2025 / 116.8 * 91cm / Oil on canvas © 작가, 대섬아트스페이스

양묵의 〈Self-Existence(자아-존재)〉 시리즈는 강렬한 시각적 밀도와 함께 인간의 내면과 외부 세계가 충돌하며 남기는 흔적들을 화면 위에 집적한다. 작가는 작품 전반을 통해 ‘존재’, ‘실존’, ‘저항’, ‘욕망’이라는 키워드를 반복적으로 호출하며, 회화를 단순한 재현의 장르가 아닌 사유의 장으로 확장한다.

작품에서 가장 먼저 시선을 끄는 것은 펼쳐진 책이나 기록물을 연상시키는 화면 구성이다. 화면 중앙을 가로지르는 수직의 축은 짙은 명암으로 처리되어 동물의 척추 혹은 책의 접힘을 떠올리게 한다. 이는 하나의 존재를 지탱하는 중심 의지를 상징하며, 모호한 회색조 공간 속에서 분명한 존재감을 드러낸다. 오래된 일기장이나 벽면을 연상시키는 캔버스는 단순한 회화의 바탕을 넘어, ‘존재가 머물다 간 시간’을 담아내는 기록의 장소로 기능한다.

양묵의 작업은 ‘회화적 연금술을 통해 탄생한 실존적 오브제’로 평가된다. 작가는 물감이라는 가장 전통적인 회화 재료를 사용하면서도, 회화를 환영의 기술이 아닌 ‘사물로서의 실재’로 전환한다. 화면에 축적된 물질감은 금속적 양괴감을 띠며, 작품은 그림을 넘어 하나의 독립된 존재로 관객 앞에 현존한다. 이는 회화를 통해 새로운 존재를 세상에 출현시키는 시도이자, 회화의 존재론적 가능성에 대한 질문이기도 하다.

양묵 작가는 중앙대학교 대학원 회화과를 졸업하고 서양화를 전공했으며, 현재 국립 제주대학교 교육대학 교수로 재직 중이다. 지금까지 18회의 개인전을 통해 일관되게 실존과 물질, 존재의 문제를 탐구해 왔다

그의 작업은 세련과 품위가 존재 한다. 작품운 전통적 필법과 도시적 감각으로 “더 기품있게, 더 당당하게” 라고 말하며 서 있는듯 하다. 화면 속 그의 대나무는, 조용하지만 분명한 태도로 지금 이 시대를 향해 말하고 있다. 작품에는 전통에 대한 이해와 예의가 있고, 빠르게 변화되는 문명의 이기에 대한 존중이 있으며, 그 무엇보다 이 시대와 젊은 감성을 읽어내는 감각이 돋보인다. 그는 전통적 형식에서 불러온 서사를 매우도 사랑하였기에 당당하고 기개가 넘치게 대나무의 자존심은 잘 살렸으며, 표현의 방법 또한 현대적 감각을 외면하지 않았다.

유미란 개인전 ‘바람은 스쳐도 머물고, 고요는 동백처럼 따뜻하다’ 전시전경 © 작가, 갤러리 초이

유미란 개인전 ‘바람은 스쳐도 머물고, 고요는 동백처럼 따뜻하다’ 전시전경 © 작가, 갤러리 초이

유미란 개인전 ‘바람은 스쳐도 머물고, 고요는 동백처럼 따뜻하다’ 전시전경 © 작가, 갤러리 초이

유미란의 대나무는 관객들에게 애써 설명하려 들지 않고 그냥 시선이 머물게 한다.  어떠한 해석을 요구하기보다 생각이 천천히 걷도록 자리를 마련하며 내어준다.  전시장에서  관람시 작품을 ‘보는’ 시간이 아니라, 작품 ‘안에 머무는 시간’으로 남기를 바라는것이 아닐까? 고요하게 말없이, 천천히 소러없이 그저 바라보는 자리로 말이다. 아마도 작가에게는 또 하나의 질문이자, 우리에게는 또 하나의 기대가 있을 것이다. 대나무는 어디까지 현대가 될 수 있는가? 그리고 전통은 어디까지, 언제까지 오늘의 언어로 살아 이어질 수 있는가?  그의 시각 프래임은 이론이 아닌 화면으로, 설명이 아닌 감각으로 반문 하는듯 하다.

이번 전시를 기획하며, 작가 유미란의 대나무가 우리가 살아가는 이 시대의 공간 속으로 더 멀리, 더 깊이 걸어 들어가기를 바래본다. 너무도 빠르게 급변하는 요즘, 품위있게 살아가는 필독하는 지침서 처럼 말이다.

시대는 바야흐로 21세기, 인공지능의 시대이다.  기술은 너무도 빠르게 앞서가고, 이미지는 순식간에 소비되고 생산되는 요즘 소비만능시대안 요즘, 감성이 메말라가는 시대의 공기속 이지만, 우리 옥토의 우리 대나무는 의기양양하게 군락을 이루며 지면 깊숙이 뿌리내린 오래된 서사에 여전히 살아 숨 쉰다. 생동하는 생명의 영원할 움직임은 손을 뻗어 현대를 느끼며 마주한다. ‘기품있는 자의 행복한 서사에 담기기’를 고대하며 . .

유미란 작가는 홍익대학교 동양화과, 동대학원 졸업하고 26회의 개인전과 다수의 그룹전에 참여 하였으며 화랑미술제, 마이애미 아트페어(context), 뉴욕 아트페어, 밀라노,홍콩,싱가폴 어포더블 아트페어, LA.샌프란시스코 아트쇼 그 외 다수 아트페어등에 참여하며 왕성한 활동을 이어가고 있다. 이번 전시는 갤러리 초이에서 2026.1.3-1.26 까지 관람할 수 있다. 갤러리초이는 일,월요일은 휴관이다.

이선영, 호작도파밈, Acrylic on canvas using copper wire, 53.0 x 40.9 cm, 2026  © 작가, 차갤러리

김근희, 호랑이랑 까치랑, Acrylic on canvas, 30x40cm, 2026 © 작가, 차갤러리

서은미, 호작도, T-iger, 41 x 31.8cm,  Acrylic on canvas,  2026 © 작가, 차갤러리

 김선우, 멜랑콜리 호랭이, 20 x 25 x6.9cm, Pla, borosilicate glass, Acryl, 2026 © 작가, 차갤러리

이번 전시는 한국적 상징을 동시대 감각으로 재해석해 예술과 산업의 접점을 탐색한다는 점에서 주목된다. 참여 작가 수인 ‘69’는 음과 양의 조화를 상징하는 태극의 형상을 의미하며, 신진부터 원로까지 세대를 아우르는 작가들이 한자리에 모여 한국 예술의 어제와 내일을 잇는다는 기획 의도를 담았다.

회화, 조각, 영상, 설치 등 장르의 경계를 허문 작품들은 ‘고전의 재현’이 아닌 ‘신화의 재창조’를 지향한다. 작가들은 각자의 시선으로 까치와 호랑이를 캐릭터화하며, 이를 팬시·굿즈·콘텐츠 산업으로 확장 가능한 미래형 아카이브로 제시한다.

차갤러리는 이번 기획의 배경으로 2025년 전 세계적 반향을 일으킨 ‘데몬 헌터스’ 열풍을 꼽는다. 한국적 서사와 이미지가 지닌 확장성을 확인한 이후, 현대미술이 K-컬처의 다음 답이 될 수 있다는 확신에서 출발했다는 설명이다. 

차갤러리 관계자는 “과거의 신화를 현재의 예술로 소환해 미래 산업으로 연결하는 출발점”이라며 “예술가의 개성이 담긴 한국형 캐릭터가 세계적 비주얼 언어로 확장되는 가능성을 보여줄 것”이라고 말했다.

전시에는 차갤러리의 핵심 비전인 ‘C.E.Y(Create·Embrace·You)’도 녹아 있다. 창작의 자유를 보장하고(Create), 작가와 대중의 교감을 포용하며(Embrace), 관람객 스스로 성찰의 경험을 얻도록 돕는다는 철학이다.

까치와 호랑이라는 오래된 상징이 오늘의 예술을 통해 어떤 미래를 열어갈지, 이번 전시는 한국 예술 세계화를 향한 새로운 이정표가 될 것으로 기대된다.

포스터 © 차갤러리

김민혜, 나의 집은 어디에_Wallflower, ceramic (terracotta), 2021, 가변설치  © 작가, 눈 컨템포러리

이의성, Gratefull, 13 modular walnuts, bronze, jesmonite, 24 x 14 x 14 cm  © 작가, 눈 컨템포러리

조성국, Initial Deja Vu, 2024, styrofoam, mortar, stucco, acrylic, urethan paint, 40 x 12 x 18 cm  © 작가, 눈 컨템포러리

박원주, 펴기-칼날 삼부작 Smoothing-Blade Trilogy, 2009, slumped glass, wood, 56 x 76 x 7 cm  © 작가, 눈 컨템포러리

전시에 소개되는 작품들은 명확한 서사나 해석을 제시하기보다, 사물과 관람자 사이에서 발생하는 미묘한 거리와 감각의 변화를 드러낸다. 기능과 용도로 쉽게 규정되어 온 사물들은 작가들의 개입을 통해 다른 상태로 전이되며, 무엇이라 단정하기 어려운 모호한 대상으로 관람자의 시선을 붙든다.

박원주는 왜곡된 유리와 프레임을 활용한 작업으로 시선의 흐름을 지연시키며, 관람자가 작품 앞에 머무는 시간을 만들어낸다. 이원우는 문장과 조형을 병치해 언어와 사물의 의미가 완결되기 직전의 불안정한 지점을 드러낸다. 이의성은 라디에이터, 거울, 과일과 견과류 같은 사물을 통해 온도, 에너지, 노동과 보상처럼 보이지 않는 조건들이 작동하는 방식을 감각적으로 호출한다.

김민혜는 세라믹 벽돌 조각을 통해 단단함과 불확정성이 공존하는 상태를 제시하며, 조성국은 돌처럼 보이지만 돌이 아닌 조각으로 외관과 물질 사이의 불일치를 드러낸다. 이들의 작업은 사물을 상징이나 의미로 고정하기보다, 인식의 유예 상태에 머무르게 한다.

《중얼거리는 사물들》은 사물에 새로운 의미를 부여하기보다, 우리가 사물을 이해해온 방식 자체에 질문을 던지는 전시다. 관람자는 작품 앞에서 무언가를 ‘읽기’보다, 사물과 자신 사이에 형성된 감각의 틈과 리듬을 경험하게 된다. 사물이 또렷한 언어로 말하기 이전, 아직 중얼거림으로 남아 있는 시간에 잠시 머무는 자리다.

김중만, THE ONE AND ONLY DAY THE SNOW STAYED, 2010  © 작가, 토포하우스

김중만 작가  © 작가, 토포하우스

전시는 작가가 작업실로 향하던 인적 드문 도심의 뚝방길에서 시작됐다. 태풍과 인위적 개입으로 훼손되고 줄어든 나무들은 김중만에게 하나의 존재이자 대화의 대상이었다. 그는 “사진을 찍어도 될까”라는 질문을 던진 뒤, 스스로의 응답을 기다리듯 4년 동안 셔터를 누르지 않았다. 마침내 나무의 상처와 자신의 내면이 겹쳐진 순간부터 촬영은 시작됐고, 그 결과 수천 장의 흑백 사진이 탄생했다.

이 연작의 특징은 풍경임에도 불구하고 인물사진에서 주로 사용하는 수직 프레임을 택했다는 점이다. 나무는 화면 속에서 사람처럼 서 있고, 가지 위에 머물거나 프레임을 스쳐 지나가는 검은 새는 작가 자신의 초상이자 불안의 상징처럼 읽힌다. 고요하고 조형적인 화면 이면에는 도시의 폭력, 자연 훼손, 그리고 현대 사회의 상처가 응축돼 있다.

토포하우스 오현금 대표는 “상업사진과 순수사진의 경계를 허물며 예술과 대중의 간극을 극복해 온 김중만의 본질을 가장 잘 보여주는 작업”이라며, 2005년 ‘김점선+김중만’ 전시 이후 20년 만에 다시 두 작가를 추억하며 이번 전시를 헌정한다고 밝혔다.

프랑스 비평가 크리스티앙 꼬졸은 이 작업을 두고 “느리고 강박적인 시선으로 도시의 작은 거리를 우주로 확장시킨 사진”이라 평가했다. 상처 입은 나무들은 단순한 자연 기록을 넘어, 우리가 외면해 온 세계의 균열과 양심을 비춘다.

김중만(1954~2022)은 프랑스 니스 국립 응용미술대학 출신으로, 패션사진과 순수사진을 넘나들며 사진의 대중화를 이끈 한국을 대표하는 사진가다. 이번 전시는 그가 남긴 사진 세계의 깊이를 다시 마주하는 자리이자, ‘상처 난 거리’가 결국 우리 자신의 초상임을 묻는 전시다.

  © 작가, 토포하우스

작가 한지현의 개인전 〈선물 Present〉가 2026년 1월 4일부터 2월 27일까지 서울 서대문구 신촌세브란스병원 본관 3층에 위치한 세브란스 아트 스페이스에서 열린다. 휴관일 없이 진행되는 이번 전시는 아트파크가 기획했다.

  최고의 선물, 2025  acrylic gouache on canvas  116.8 x 91cm  © 작가, 아트파크  

꽃그네, 2024  acrylic gouache on canvas   162.2 x 130.3cm  © 작가, 아트파크  

대관령 브리즈, 2024  acrylic gouache on canvas 162.2 x 130.3cm  © 작가, 아트파크   

이번 전시에서 한지현 작가는 ‘엄마’라는 존재로 살아가며 마주한 일상의 감정과 기억을 회화로 풀어낸다. 아이들을 향한 사랑은 때로는 당연하게 여겨지고, 때로는 전해지지 않는 듯 느껴지기도 한다. 작가는 이러한 순간 속에서 문득 스스로에게 질문을 던진다. 

그 질문의 답은 작가 자신의 어린 시절 기억에서 비롯된다. 값비싼 물건이나 성취가 아닌, 부모와 함께 웃으며 보냈던 시간, 사랑스러운 눈길로 서로를 바라보던 순간들이야말로 삶에서 가장 아름다운 기억이었음을 떠올린다. 그렇게 일상의 모든 것이 선물이 되던 시간, 해와 달, 꽃과 나무, 공기마저도 귀하게 느껴지던 순간들이 작품의 바탕이 된다.

한지현은 부모로부터 받은 사랑을 다시 아이들에게 전하고 싶다는 마음으로 캔버스를 채운다. 아이들이 가진 가능성을 정성스럽게 키우고 마음껏 꽃피울 수 있도록, 자신이 줄 수 있는 최고의 사랑을 선물하고자 한다. 작가에게 작품은 사랑의 기록이자 다짐이며, 함께한 시간들에 대한 헌사다.

전시 제목인 ‘선물’은 물질이 아닌 존재와 시간, 사랑 그 자체를 의미한다. 작가는 “그들이 나에게 최고의 선물이듯, 나 역시 그들에게 최고의 선물이 되고 싶다”는 마음을 작품 속에 담아낸다.

삶의 가장 가까운 자리에서 피어나는 사랑의 의미를 다시 생각하게 하는 이번 전시는, 바쁜 일상 속에서 잠시 멈춰 서서 ‘함께하는 시간’의 가치를 되새겨보는 따뜻한 계기가 될 것으로 기대된다.

우창훈, 위상공간, Oil on canvas, 72.7 cm x 60.6 cm  © 작가, 갤러리한결

우창훈, 포즈, Oil on canvas, 72.7 cm x 60.6 cm  © 작가, 갤러리한결

우창훈, 몽상, Oil on canvas, 90.9 cm x 72.7 cm  © 작가, 갤러리한결

우창훈, 두얼굴, Oil on canvas, 2500 cm x 2100 cm © 작가, 갤러리한결

우창훈 작가는 우리가 인식하는 일상적 3차원 공간에 시간성, 미시 세계의 혼돈, 비가시적 에너지의 흐름 등 다양한 차원을 중첩시키며 독창적인 회화 세계를 구축해왔다. 그의 작품에는 입자와 파동, 기하학적 문양들이 복잡하게 얽히며 다차원적 세계의 상호 연결성과 역동성을 시각적으로 드러낸다. 특히 복잡계 현상을 해석하는 카오스 곡선인 비선형 곡선과, 현상의 자기 복제적 순환성을 상징하는 끌개 곡선을 적극 활용해 미시 세계의 불규칙성과 반복적 생성 구조를 표현하는 것이 특징이다.

작가는 사물의 외형을 재현하는 데 머무르지 않고, 그 이면에 존재하는 본질과 존재의 층위를 탐구한다. 이를 통해 관객에게는 단순히 ‘보는 회화’를 넘어, 감각과 의식을 자극하는 새로운 시각적 경험을 제안한다. 그의 작품에는 미시 세계에 대한 과학적 관심과 더불어, 예술을 통해 인간의 의식과 존재를 성찰하려는 철학적 태도가 깊게 스며 있다.

이번 전시에 대해 홍가이 MIT 공대 철학박사는 “우창훈의 드로잉은 이미지라기보다 파동이며, 장면이기보다 장(場)”이라고 평한다. 그는 “관객은 형태를 읽기 이전에 진동을 느끼고, 밀도를 감지하며, 시간의 떨림을 감응하게 된다”며, 우창훈의 회화가 실재를 재현하기보다 ‘비실재의 실재성’을 드러내는 감각적 사건이라고 설명한다. 또한 그의 작업은 단순한 추상이나 표현을 넘어, 감각과 기억, 시간과 공간의 경계를 풀어내며 끊임없이 변신하고 접속하는 흐름의 장을 창조한다고 덧붙인다. 이러한 접근은 동양적 사유, 특히 도가적 미학과 선불교적 무상성의 사유와도 맞닿아 있다는 평가다.

우창훈의 회화는 ‘보는 것’에 그치지 않고, 하나의 사건으로 경험된다. 감각과 의식, 무의식과 기억의 층위를 휘감으며 비선형적 감응 체계로 작동하는 그의 작품은, 세계가 어떻게 진동하고 생성되는지를 몸으로 체험하게 하는 장을 제공한다.

중앙대학교 회화학과를 졸업한 우창훈 작가는 30여 회의 개인전과 수많은 단체전을 통해 국내외에서 활발한 작품 활동을 이어왔다. 대한민국 평론가협회 선정 ‘올해의 최우수 예술인상’을 비롯한 여러 수상 경력은 그의 예술적 성취를 방증한다. 《신명》전은 우창훈이 구축해온 다차원 회화 세계를 집중적으로 조망할 수 있는 의미 있는 시간이다. 

김효정, 흘러넘치는 마음 25.6, Acrylic on Canvas, 72.5 x 60.6 cm, 2025 © 작가, 갤러리 그라프

이효연, Still Lives 1, Oil on Linen, 116.7 x 91cm, 2025 © 작가, 갤러리 그라프

이번 전시는 ‘자신과의 화해’를 어떤 도달해야 할 목표나 감정적 결론으로 제시하지 않는다. 오히려 감정을 억누르거나 외면해온 익숙한 태도에서 벗어나, 정리되지 않은 마음의 상태를 그대로 응시하는 데서 출발한다. 우리는 흔히 불안, 망설임, 흔들림을 부정하거나 빨리 지나 가야 할 감정으로 취급하지만 《화해를 건네다》는 그러한 감정들 역시 삶의 일부로 받아들 이는 과정을 중요하게 다룬다. 이는 플라톤이 말한 ‘아남네시스(Anamnesis, 상기)’의 개념과 도 맞닿아 있다. 외부에서 새로운 답을 찾기보다, 이미 내면 깊숙이 자리하고 있었지만 일상 의 소란 속에서 잊고 지냈던 감정과 본질적인 자아를 다시 떠올리는 일이다. 전시는 멈추어 서는 순간, 응시하는 시간, 그리고 스스로에게 따뜻한 시선을 건네는 작은 태도들이 어떻게 화해의 시작이 될 수 있는지를 조용히 보여준다.

김효정은 캐나다 Emily Carr University of Art + Design에서 시각예술을 전공했으며, 일상 속에서 쉽게 흘려보내지는 감정과 내면의 불안을 기록하듯 회화로 풀어낸다. 꾸준히 써온 일기에서 출발한 그의 작업은 ‘인간은 일기장에도 거짓말을 쓴다’는 문제의식에서 비롯되며, 타인의 시선과 자기 검열 속에서 억눌린 감정의 층위를 화면 위로 끌어올린다. 감각적인 색 채와 빛을 머금은 표면은 단단해 보이지만, 그 안에는 솔직하지 못했던 감정과 미세하게 흔 들리는 마음의 결이 겹겹이 쌓여 있다. 작가는 서울을 중심으로 다수의 개인전과 단체전에 참여해 왔으며, 해외에서는 캐나다를 거점으로 활발한 활동을 이어가고 있다.

이효연은 홍익대학교 회화과를 졸업하고 스웨덴 왕립미술학교에서 수학했다. 작가는 인물과 동물, 사물과 자연을 구분하기보다 모든 존재를 하나의 ‘풍경’으로 인식하며, 회화를 통해 세 계를 바라보는 감각적 태도를 지속적으로 탐구한다. 작가에게 풍경은 외부 세계의 재현이자 내면의 상태가 겹쳐지는 장이다. 그림을 그리는 과정은 떠오르는 생각들을 가다듬고 벼리는 시간이며, 이는 마음의 물결을 잦아들게 하는 사유의 과정으로 이어진다. 화면 위 풍경들은 고요한 리듬과 서정적인 색감 속에서 서로 말을 건네듯 이어지며, 하나의 풍경이 또 다른 풍경으로 확장되는 감각을 만들어낸다. 이효연은 서울을 중심으로 다수의 개인전과 단체전 에 참여해 왔으며, 풍경을 매개로 감정과 사유의 흐름을 회화적으로 풀어내는 작업을 지속 하고 있다.

두 작가의 화면에 멈춰 선 찰나의 순간들은 우리가 지금 이 시간을 살아가고 있음을 조용히 환기한다. 《화해를 건네다》는 감정을 정리하거나 해결하는 방법을 말하지 않는다. 대신 외면해왔던 마음을 다시 바라보고, 스스로에게 다정한 시선을 허락하는 시간을 제안한다. 반짝 이는 빛과 흔들리는 감정 앞에 잠시 머무는 동안 자신과의 거리를 조금 좁히고 각자의 속도 로 화해를 건넬 수 있기를 바란다. 

  © 작가, 갤러리 그라프

《흙의 기억에 색을 입히기》 전시전경 © 작가, 우손갤러리 

《흙의 기억에 색을 입히기》 전시전경 © 작가, 우손갤러리 

《항아리》 전시전경  © 작가, 우손갤러리 

《항아리》 전시전경  © 작가, 우손갤러리 

서울 전시 《흙의 기억에 색을 입히기》는 도예적 사유가 회화로 확장되는 과정을 보여준다. 흙이 품은 시간의 층위를 색의 즉각성과 감각으로 전환하며, 물레 위에서 축적된 신체의 리듬을 점과 선, 색의 흐름으로 드러낸다. 함께 전시된 도자 오브제들은 반복된 손의 노동과 불의 열기가 응축된 ‘소성된 생명’으로 제시된다.

대구 전시 《항아리》는 달항아리를 중심으로 도예의 원형으로 돌아가 ‘아름다움의 본질’을 묻는다. 표면의 균열과 왜곡을 통해 완벽함으로 규정된 전통 미의 기준에 질문을 던지며, 불완전함 속에서 살아 있는 아름다움을 제안한다.

이헌정에게 흙은 재료를 넘어 몸의 기억을 저장하는 매체다. 제어할 수 없는 불과 흙의 흐름을 수용하는 과정에서 그의 작업은 명상적 수행으로 완성된다. 서울과 대구를 잇는 이번 전시는 흙의 기억과 인간의 감각이 만나는 지점에서 예술과 아름다움의 의미를 다시 사유하게 한다.

이정원_달마산_38×38cm_mixed media on canvas_2025 © 작가, 갤러리내일

이정원_설악산_72.7×36,5cm_ mixed media on canvas_2025 © 작가, 갤러리내일 

이정원_지리산_162×112cm_mixed media on canvas_2025 © 작가, 갤러리내일 

전시 제목 ‘산가(山家)’는 산이 지닌 본질적 기운과 흐름을 시각적으로 풀어내겠다는 작가의 의지를 담고 있다. 이정원 작가는 산을 단순한 자연의 풍경이 아닌, 인간의 신체 감각과 맞닿아 있는 생명적 존재로 바라본다. 화면 속 산은 이미지로 재현된 대상이 아니라, 자연 앞에서 인간이 무위(無爲)의 존재이며 생태의 일부임을 자각하게 하는 사유의 공간으로 확장된다.

특히 이번 전시에서 선보이는 작품들은 종이 콜라주와 컬러링을 결합한 밀도 높은 작업 과정을 통해 완성됐다. 작가는 파쇄된 종이를 겹겹이 쌓아 올리며 산의 결을 만들고, 색을 입히는 과정을 반복함으로써 평면 회화 안에 생생한 물성과 깊이를 부여한다. 이 같은 방식은 관람객에게 시각을 넘어 촉각적 감각까지 환기시키며, 자연의 에너지를 체감하게 하는 이색적인 경험을 제공한다.

서길헌 미술평론가는 이정원 작가의 작업 세계에 대해 “한국의 산들이 품고 있는 공기와 물리적 체적을 감각적으로 재구조화하여, 그 현상학적 외형의 현현을 한정된 평면 위에 가시화한다”고 평가했다. 그는 또 “동양화의 붓 대신 화면에 쌓아 올린 파쇄지의 두께가 산의 실질적 감각을 부피를 지닌 공간의 감각으로 전환시키며, 근육질 피부와 같은 산의 흐름을 특별한 감각적 세계로 옮겨 놓는다”고 덧붙였다.

이어 “파쇄지의 틈마다 대기를 머금은 듯한 화면은 단순한 평면을 넘어 깊이와 두께를 지닌 옵티컬한 공간을 구현하며, 환영과 실재 사이에서 관람자의 구체적인 신체 감각을 적극적으로 불러일으킨다”고 설명했다.

전통 산수화의 정신과 현대적 물성 실험이 만나는 이정원 작가의 〈山家(산가)–Blue Mountain〉전은 자연을 바라보는 새로운 시각과 회화의 확장 가능성을 동시에 제시하는 자리가 될 것으로 기대된다.

'2025 서울아트쇼' 전시전경 (사진 아트앤컬처신문) 

'2025 서울아트쇼' 전시전경 (사진 아트앤컬처신문) 

서울아트쇼는 국내외 150여 개 유수 갤러리가 참여하는 대규모 아트페어로, 다양한 장르와 세대를 아우르는 부스전과 함께 한국미술의 정체성을 조명하는 특별전 등 풍부한 콘텐츠로 구성됐다. 주최 측은 정성을 다해 준비한 이번 행사를 통해 미술을 사랑하는 대중과 예술의 가치를 폭넓게 공유하겠다는 취지다.

특히 크리스마스 시즌과 맞물려 열리는 이번 서울아트쇼는 ‘한국 미술의 오리지널리티’ 특별전을 마련해 눈길을 끈다. 전시장에서는 김환기, 이중섭, 백남준, 천경자, 김구림, 이우환 등 한국 근현대미술을 대표하는 작가들의 작품을 한자리에서 만날 수 있다.

이와 함께 한·일 수교 60주년을 기념한 특별관에서는 쿠사마 야요이의 작품이 전시되며, 세계적인 작가 타카시 무라카미는 단독 전시관을 통해 관람객과 만난다. 한국 미술을 중심에 두면서도 국제적인 흐름을 함께 조망할 수 있도록 구성된 점이 이번 행사의 특징이다.

서울아트쇼 운영위원회가 주최하는 서울아트쇼는 ‘소수를 위한 예술이 아닌, 모두를 위한 예술’을 모토로 출발한 아트페어다. 단순한 작품 거래의 장을 넘어, 오늘의 관객에게 예술적 가치와 감동을 전달하고 한국미술의 세계화에 기여하는 문화행사로 자리매김해 왔다.

2025 서울아트쇼, 얼음 작가로 알려진 성서(Sung Suh) © 작가 

Sung Suh, Frozen_2010_2011 © 작가 
 

이번 2025 서울아트쇼에서 만난 성서(Sung Suh) 작가는 Frozen 연작이 처음 개발된 2010–2011년 당시의 오리지널 콘셉트와 초기 아이디어를 기반으로 한 대표 작품들과, 2014–2015년 개발된 Frozen: Time and Memories를 선보이고 있다. 얼음 속에 갇힌 생명체(사람, 새, 꽃 등)를 주제로 한 이 연작은 작가의 작업 세계가 형성된 출발점이자, 이후 Frozenism으로 확장된 개념의 근간을 보여주는 작업들이다. 

그동안 서울아트쇼는 타 아트페어와의 차별화를 위해 한국미술의 오리지널리티를 중심으로 한 다양한 특별전을 기획해 왔으며, 이러한 노력을 바탕으로 매년 연말을 대표하는 ‘크리스마스 미술 축제’로 관람객의 호응을 얻고 있다.

주최 측은 “앞으로도 더욱 과감하고 참신한 기획과 운영을 통해 한국 미술시장의 발전에 기여하고, 새로운 아트 플랫폼을 개척해 나갈 것”이라며 “미술을 사랑하는 많은 사람들과 예술 작품을 지속적으로 공유해 나가겠다”고 밝혔다.

오지은, 나의 풍경에 너의 사랑을 얹어본다, oil on canvas, 227.3 × 181.8cm, 2024  © 작가, 히든엠갤러리

최혜연, 우연의 숲18, 장지에 채색, 130x194cm, 2025  © 작가, 히든엠갤러리

류지민, 새벽이 묻은 자리, 장지에 먹,분채,아크릴, 70x160cm, 2024  © 작가, 히든엠갤러리

이번 전시는 일상의 순간, 감정의 잔향, 무의식의 흔적처럼 쉽게 소멸되거나 포착하기 어려운 대상에 주목하며, 사라짐 이후에도 남아 있는 감각과 기억의 층위를 조명한다. 서로 다른 작업 방식을 지닌 세 작가는 개인의 경험과 내면의 감정에서 출발해 현실과 비현실, 의식과 무의식의 경계를 확장한다.

류지민 작가는 일상에서 스쳐 지나가는 찰나의 풍경과 사물을 관찰하고, 이를 언어와 생성형 AI를 거쳐 회화로 재구성한다. 현실의 기억과 가상의 이미지가 중첩된 그의 작업은 영원해 보이지만 결코 지속될 수 없는 순간의 속성을 담아낸다.  오지은 작가는 물감의 물성과 자유로운 붓질을 통해 감정과 시간이 스며든 화면을 구축하며, 흐릿해진 기억과 감정이 다시 호흡하는 과정을 시각화한다. 최혜연 작가는 숲을 매개로 개인과 사회의 무의식, 트라우마적 기억을 탐구하며, 억압된 감정과 집단적 경험이 떠오르는 서사적 공간을 제시한다.

이번 전시는 사라진 것들이 단일한 의미로 고정되지 않고 다양한 감각과 해석으로 확장될 수 있음을 보여주며, 관객에게 지나간 장면 속에 남아 있는 미세한 감정과 기억을 천천히 되짚어보는 시간을 제안한다.

정서인, 떠 있는 섬들 7, 2025, 장지에 화선지 꼴라쥬, 채색, 향, 라이터, 61x73㎝  © 작가, 갤러리위 청담 

정서인, 바다를 닮은 산 4,2025, 장지에 화선지 꼴라쥬, 채색, 향, 라이터, 32x41cm, © 작가, 갤러리위 청담

정서인, work_산4, 2024, 장지에 태운 화선지 꼴라쥬, 채색, 향, 라이터, 90x72cm,  © 작가, 갤러리위 청담

정서인은 한지를 태우는 행위를 통해 자연과 세계를 인식해 온 작가다. 그의 작업에서 태움은 단순한 기법이 아니라, 자연을 이해하는 방식이자 조형 언어다. 불에 그을린 한지는 예측 불가능한 형태로 찢어지고 휘어지며 각기 다른 깊이의 흔적을 남긴다. 작가는 이러한 우연성을 수용하면서도, 정교한 조합과 중첩을 통해 화면 위에 새로운 질서를 구축한다.

완성된 작품은 멀리서 보면 산과 물, 섬과 빛을 연상시키는 추상적 풍경으로 다가온다. 그러나 가까이 들여다보면 불이 남긴 미세한 흔적과 층위들이 촘촘히 얽혀 있음을 발견하게 된다. 전체와 세부가 서로를 완성하는 이 구조는 우리가 자연을 인식하는 방식과도 닮아 있다.

이번 전시는 평면 작업뿐 아니라 입체 및 설치 작업을 함께 선보이며, ‘태움’이라는 조형 언어가 공간으로 확장되는 과정을 보여준다. 숯, 태운 종이, PVC 인쇄, LED 센서등 등 다양한 재료는 시간과 빛, 감각의 층위에서 태움의 개념을 새롭게 환기한다. 특히 설치 작업은 관객의 움직임과 시선에 따라 끊임없이 변주되는 풍경을 만들어내며, 자연이 고정된 이미지가 아닌 유동하는 존재임을 암시한다.

정서인은 자연을 재현하기보다 자연의 ‘상태’를 번역하는 작가다. 생성과 소멸, 확장과 수축, 남음과 사라짐이라는 자연의 순환은 한지와 불을 통해 압축되고 시각화된다. 이는 단순한 미적 표현을 넘어, 시간의 흐름과 기억이 조형되는 방식에 대한 질문으로 이어진다.

이번 전시는 그 질문에 대한 시각적 실험이자, 자연과 인간, 기억과 풍경의 관계를 다시 사유하게 하는 조용한 제안이다. 

© 작가, 갤러리위 청담 

이번 전시는 하나의 인물이 만들어지는 방식과, 그 인물이 감각과 기억 속에서 어떻게 출현하는지를 시각적으로 풀어낸다. 전시의 중심에 놓인 ‘사라’는 실재하지 않는 인물이지만, 작가의 기억과 감정, 분리된 경험들 사이에서 반복적으로 호출되는 이름이다. 이는 고정된 정체성을 지시하기보다, 말해지지 못한 감각이 잠시 머무는 자리이자 감정의 흔적으로 기능한다.

홍은희 개인전 《사라 Sara》 전시전경

홍은희 개인전 《사라 Sara》 전시전경

홍은희 작가는 그간 회화와 설치 작업을 넘나들며 기억과 신체 감각의 분리 상태, 즉 ‘해리(dissociation)’를 주요한 주제로 다뤄왔다. 이번 전시에서도 작가는 자신을 직접 서술하는 방식을 택하기보다, 자신과 닮았으나 결코 일치하지 않는 타자의 시선을 통해 세계를 재구성한다. 이를 통해 개인적 기억은 특정한 서사에서 벗어나 보다 보편적인 감각의 층위로 확장된다.

전시에는 회화, 설치, 사물 작업이 함께 선보인다. 회화 작품들은 특정 사건을 재현하기보다는 인물과 풍경, 현실과 상상이 중첩된 장면을 통해 불안, 애착, 보호와 같은 감각의 상태를 드러낸다. 함께 전시되는 〈사라의 사물들〉 연작은 사과, 꽃, 인형, 옷 등의 오브제를 천으로 감싸 배치한 작업으로, 보호와 은폐, 애착과 구속이 교차하는 신체적 감각을 환기한다.

관객은 전시 공간을 이동하며 이미지와 사물의 파편들을 마주하고, 분리되어 있던 감각들이 잠시 교차하는 경험을 하게 된다. 《사라》는 명확한 이야기나 완결된 서사를 제시하지 않는다. 대신 이미지와 사물, 이야기의 조각들이 놓인 공간을 통과하며 감각은 하나의 이름을 얻었다가 다시 흩어진다. 그 이름이 바로 ‘사라’다.

전시는 12월 19일(금)부터 25일(목)까지 휴관 없이 오전 11시부터 오후 7시까지 관람할 수 있다.

올해로 10주년을 맞은 ‘경기도자페어’는 국내 유일의 도자 전문 전시회로, 대한민국 도자문화의 흐름을 선도해 온 재단의 대표 행사다. 이번 행사는 ‘일상도자(DAILY LIFE CERAMICS)’를 주제로 100여 개의 요장(窯場)이 참여하는 대규모 구성으로 마련되며, ‘서울 홈·테이블데코페어’와 동시에 개최된다.

2025 경기도자페어 현장사진(사진 한국도자재단)

2025 경기도자페어 현장사진(사진 한국도자재단)

행사는 ▲전시‧판매관 ▲기획전시관 ▲홍보관 ▲강연 및 체험 프로그램 등으로 구성되며, 도자 애호가뿐만 아니라 인테리어 및 라이프스타일에 관심 있는 관람객까지 폭넓게 즐길 수 있는 ‘일상도자 페스티벌’로 운영된다.

전시·판매관에는 100여 개의 경기도 요장이 참여해 생활도자, 작품도자, 인테리어 오브제 등 다양한 도자 상품을 선보인다. 관람객은 현장에서 작가와 직접 교류하며 각자의 취향에 맞는 도자 작품을 구매할 수 있다.

기획전시관에서는 참가 요장의 특별전 ‘일상도자’가 마련된다. 테이블웨어(식탁용 식기류)를 중심으로 각 요장의 대표 상품을 한자리에서 감상할 수 있도록 구성되며, ‘2025 경기도공예품대전 수상작 특별전시관’에서는 올해를 대표하는 경기도 대표 공예품 50여 점이 전시된다. 

홍보관에서는 행사 전반을 안내하는 ‘경기도자페어 홍보관’을 비롯해 재단 주요 사업을 소개하는 ‘경기공예창작지원센터’, ‘공예의 언덕’, ‘경기도자 스마트혁신관(생산환경 전환사업)’, ‘2026 경기도자비엔날레 홍보관’ 등이 운영된다. 이를 통해 관람객은 도자 산업의 변화와 혁신을 한눈에 살펴볼 수 있으며, 내년 개최 예정인 경기도 대표 국제행사인 ‘경기도자비엔날레’의 정보도 미리 확인할 수 있다.

경기도자페어 홍보관에서는 일상도자 활용을 주제로 강연과 체험 프로그램이 다채롭게 운영된다. 동양적 무드의 크리스마스 테이블 스타일링, 달항아리 모루꽃 만들기, 네임스톤(Name Stone) 제작 프로그램이 18일부터 21일까지 행사 기간 매일 운영된다.

공간리뉴 플래너 ‘최유정 강사’가 진행하는 ‘동양적 무드의 크리스마스 테이블 스타일링’ 강연은 서양식 연출에서 벗어나 우리 도자를 활용한 동양적 감성의 크리스마스 테이블 연출법을 소개하는 체험형 프로그램이다. 해당 강연은 매일 오후 1시와 3시, 하루 두 차례 진행되며 회차당 정원은 8명이다. 참여를 원하는 관람객은 예약 링크(https://url.kr/53147i)를 통해 사전 신청한 경우에 한해 참여할 수 있다. 

체험 프로그램 2종은 경기도자페어 홍보관에서 회차당 8명을 대상으로 현장 선착순 접수 방식으로 운영된다. 오후 2시에 진행되는 ‘순수함을 담은 달항아리 모루꽃 만들기’는 작은 달항아리에 데이지 모루꽃을 직접 제작해 작은 화병 형태로 완성하고, 식탁 연출에 활용하는 체험이다. 

오후 4시에 운영되는 ‘특별한 테이블 세팅을 위한 네임스톤 만들기’는 작은 자갈 위에 그림과 이름을 직접 그려 넣어 나만의 네임스톤을 제작하는 프로그램으로, 완성품은 파티나 가정 식탁 등 일상 공간의 장식 소품으로 활용할 수 있다. 

이와 함께 행사 기간 ‘한국도자재단 퀴즈 스탬프 투어’ 이벤트도 진행된다. 해당 이벤트는 재단 주요 사업 부스를 연계한 참여형 프로그램으로, 관람객이 각 부스를 방문해 퀴즈를 풀고 스탬프를 모으면 기념품을 받을 수 있도록 구성됐다. 이를 통해 관람객들은 경기도 도자·공예 산업과 관련 정책을 자연스럽게 접할 수 있다.

또한 ‘온라인 경기도자페어 네이버 쇼핑라이브’를 비롯해 관람객 대상 경품이벤트와 구매 인증 이벤트 등 다양한 부대행사도 함께 마련돼 전시 관람의 즐거움을 더할 예정이다.

행사에 대한 자세한 내용은 한국도자재단 누리집(kocef.org)과 재단 공식 사회관계망서비스(SNS)를 통해 확인할 수 있다. 

류인권 한국도자재단 대표이사는 “이번 경기도자페어는 도자의 미적 가치와 실용성이 일상에서 어떻게 구현될 수 있는지를 종합적으로 보여주는 자리”라며 “전시와 체험, 유통이 연계된 이번 행사를 통해 도자 문화에 대한 공감대를 확산하고, 도자 산업의 지속 가능한 성장 기반을 강화해 나가겠다”라고 말했다. 

<Small Paintings – My Bijou!> 포스터 

올해 전시에는 총 20명의 작가가 참여해, 5호 내외의 작은 화면 속에서 각자의 개성과 시각적 태도를 담아낸 60여 점의 작품을 선보인다. 회화·조각·오브제를 넘나드는 이번 소형 작업들은 크기와 상관없이 강렬한 존재감을 발휘한다. 가까이에서 바라볼 때 비로소 드러나는 재료의 결, 화면과 표면을 이루는 리듬, 작가의 손길이 남긴 세밀한 흔적들은 작은 스케일이 주는 가장 큰 매력으로, 관람객에게 더욱 밀도 높은 감상 경험을 제공한다.

작가에게 작은 화면은 단순히 축소된 형식이 아니라, 오히려 명확한 선택과 창작의 집중을 요구하는 과정이다. 불필요한 요소를 덜어내고 핵심만을 남기는 과정에서 새로운 구성 방식이 등장하거나, 평소 시도하지 않던 색감과 질감에 대한 탐구가 나타난다. 올해의 <Small Paintings – My Bijou!>가 강조하는 ‘실험성과 자유로운 감각’ 역시 이러한 창작 과정에서 자연스럽게 발현된 결과다.

관람객에게 소형 작업은 보다 가까운 거리에서 만나는 사적이고 깊은 경험을 제공한다. 작품과의 물리적 거리가 좁혀지면서 자연스레 시선은 세밀한 부분에 머물게 되고, 작은 화면 속에 압축된 이야기와 감정의 층위를 찾아보는 즐거움 역시 커진다. 이처럼 작은 작품은 공간을 압도하는 대신, 관람객의 시선을 천천히 끌어당기며 고유한 대화의 순간을 만든다.

올해 세 번째로 열리는 <Small Paintings – My Bijou!>는 지난 두 해 동안 쌓아온 프로젝트의 결을 이어가면서도, 작가들의 각기 다른 접근을 바탕으로 새로운 흐름을 제시하는 자리다. 60여 점의 작품이 만들어내는 다층적인 장면 속에서, 관람객은 자신에게 가장 자연스럽게 빛나는 한 점의 ‘작은 보석’을 발견하게 될 것이다.