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아트앤컬처- 문화예술신문 > 스토리 > 한지수의 도이치 쿤스트 https://art-culture.co.kr/Deutsche_Kunst 테스트 버전 0.2 (2004-04-26) ko 피나코테크 데어 모데르네: Between & Beyond// 클라렌베이크 & 드로스// 다나 슈츠// CONVIVIUM https://art-culture.co.kr/Deutsche_Kunst/6 2026년 7월 3일 – 2027년 8월 15일// 2026년 7월 3일 – 11월 8일 //2026년 10월 7일 – 2026년 10월 4일 // 2026년 7월 17일 – 2027년 10월 10일

Pinakothek der Moderne: Between & Beyond//DANA SCHUTZ-Trouble and Appearance// Klarenbeek & Dros- Design of the Unusual // CONVIVIUM-Nahrungssysteme am Limit

뮌헨의 미술관 지구 쿤스트아레알(Kunstareal)에 자리한 피나코테크 데어 모데르네는 20세기 이후의 예술과 디자인을 폭넓게 만날 수 있는 대표적인 문화공간이다. 2002년 문을 연 이곳은 ‘하나의 집, 네 개의 미술관’이라는 개념을 바탕으로 설계되어, 하나의 건물 안에 서로 다른 네 개의 기관이 함께 자리한다. 현대미술 컬렉션(Sammlung Moderne Kunst), 디 노이에 잠룽(Die Neue Sammlung), 뮌헨 국립 그래픽 컬렉션(Staatliche Graphische Sammlung München), 뮌헨 공과대학교 건축박물관(Architekturmuseum der TUM)이 그 주인공이다.

건축은 독일 건축가 슈테판 브라운펠스(Stephan Braunfels)가 맡았다. 그의 계획은 서로 다른 네 기관을 하나의 건축적 질서 안에 수용하는 것이었다. 콘크리트와 유리를 중심으로 한 간결한 외관을 갖추고 있지만, 내부로 들어서면 거대한 원형 공간인 로톤다(Rotunde)가 시선을 사로잡는다. 약 25m 높이의 유리 돔으로 자연광이 들어오는 이 공간은 네 기관을 연결하는 중심이자 관람객의 동선을 시작하는 장소다. 미술과 디자인, 건축과 그래픽이라는 서로 다른 영역 사이의 경계를 공간 자체가 연결하는 셈이다.

현재, 현대미술 컬렉션에서는 작품과 전시 공간의 관계를 탐구하는《Between & Beyond》와 전후 독일 회화를 대표하는《게오르크 바젤리츠》의 작업 세계를 돌아보는 전시가 열리고 있다. 디 노이에 잠룽에서는 자연에서 얻은 새로운 소재를 디자인으로 풀어낸 《클라렌베이크 & 드로스》를 소개하고, 뮌헨 국립 그래픽 컬렉션은 드로잉을 중심으로 《다나 슈츠》의 작업을 조명한다. 여기에 뮌헨 공과대학교 건축박물관의《CONVIVIUM》은 식탁에 오르는 음식의 생산과 유통을 공간과 인프라의 관점에서 바라본다.

먼저 현대미술 컬렉션 《Between & Beyond》전시에서는 파블로 피카소, 프란츠 마르크, 막스 베크만, 앙리 마티스, 살바도르 달리, 앤디 워홀 등 20세기 미술사를 대표하는 작가들의 작품을 만날 수 있다. 독일 표현주의와 아방가르드에서 전후미술과 현대미술에 이르기까지 다양한 작품을 통해 급변한 20세기의 예술적 흐름을 살펴볼 수 있다. 전시는 우리가 살아가는 공간이 인식과 장소에 대한 감각, 그리고 공간을 이동하는 방식에 어떤 영향을 미치는지에 주목한다. 관람객은 주변 공간과 분리된 상태로 예술을 경험할 수 없다는 관점에서 미술관이라는 공간 자체를 하나의 미학적·사회적 조건으로 바라본다. 1960년대부터 현재까지 제작된 회화, 오브제, 설치 작품을 통해 작품과 공간, 관람객 사이에서 형성되는 유동적인 관계를 탐구하며 작품이 놓이는 장소와 그것을 바라보는 우리의 위치가 예술 경험을 어떻게 변화시키는지를 보여준다.

1960년대 이후 현대미술에서는 작품과 그것을 둘러싼 공간을 분리해서 바라보는 시각이 점차 흔들리기 시작했다. 특히 미니멀 아트와 설치미술은 작품이 놓인 장소와 건축적 환경, 그리고 그 안을 이동하는 관람객의 신체까지 작품을 구성하는 요소로 받아들였다. 예술은 더 이상 독립된 오브제가 아니라 공간 속에서 경험되는 사건으로 확장된 것이다.

이러한 변화는 피나코테크 데어 모데르네의 현대미술 컬렉션에서도 중요한 흐름으로 이어진다. 전후 현대미술에서는 작품을 독립된 대상으로 바라보는 시각에서 벗어나, 작품과 공간이 서로 영향을 주고받는 관계에 주목하기 시작했다. 빛과 색, 선과 구조 등 최소한의 요소만으로 공간의 분위기와 경계를 변화시키거나, 작품이 놓인 장소 자체를 작품 경험의 일부로 끌어들이는 시도들이 나타났다. 이에 따라 미술은 더 이상 특정한 물리적 대상에 한정되지 않고, 그것이 놓인 공간과 관람자의 경험까지 포함하는 방식으로 확장됐다.

회화 역시 이러한 변화 속에서 화면의 물리적 한계를 다시 바라보기 시작했다. 전통적인 회화가 캔버스라는 제한된 평면 안에 하나의 세계를 구축했다면, 전후 작가들은 화면을 가르거나 해체하고, 다양한 요소를 결합하면서 회화가 점유할 수 있는 영역을 넓혀갔다. 그 결과 회화는 더 이상 평평한 표면에 머무르지 않고 실제 공간과 관계를 맺으며 작품과 공간, 관람자의 경험이 서로 얽히는 새로운 방식으로 발전했다.

이 전시가 보여주는 것은 특정한 미술 양식의 변화만이 아니다. 작품과 공간, 관람객 사이에 존재했던 경계가 어떻게 느슨해지고 다시 정의되어 왔는지를 살펴보는 과정에 가깝다. 이처럼 전시 공간 자체가 작품의 일부가 되면서 작품과 관람객, 내부와 외부, 평면과 공간 사이에서 새롭게 형성되는 관계를 의미하며 ‘사이(Between)’가 되기도 하고, 빛과 그림자, 움직임을 통해 예술의 경험이 확장되는 가능성을 드러내는 ‘너머(Beyond)’가 되기도 한다. 전시는 이러한 변화를 통해 우리가 작품을 바라보는 방식뿐 아니라, 작품이 놓인 공간을 인식하는 방식까지 함께 돌아보게 한다. 잠시 멈춰 있는 듯한 순간과 그 사이에 놓인 상태, 그리고 전환의 지점은 우리가 평소 억누르거나 지나쳐버렸던 것들과 새롭게 마주하도록 이끈다.

동시에 독일 현대미술을 대표하는 거장 게오르크 바젤리츠(Georg Baselitz, 1938–2026)를 기리는 전시가 진행되고 있다. 바이에른 국립 회화 컬렉션은 지난 50여 년간 바젤리츠의 작품 활동을 지속적으로 주목하며 그의 예술을 대중에게 소개해왔다. 제2차 세계대전 이후 구상회화에 새로운 방향과 의미를 부여한 바젤리츠는 기존의 회화적 질서와 관습에 끊임없이 질문을 던지며 자신만의 조형 언어를 발전시켜왔다.

1960년대 초기작부터 후기의 「리믹스(Remix)」 연작에 이르기까지 바젤리츠의 작품 31점을 소장하고 있다. 이번 전시는 최근 타계한 작가를 기리기 위해 이 가운데 11점을 선별해 선보이며, 오랜 활동 기간 동안 끊임없이 변화해온 그의 예술적 발전 과정을 한자리에서 살펴볼 수 있도록 구성했다. 특히 주목할 작품은 1969년작 「나무 옆의 남자(Mann am Baum)」다. 바젤리츠가 인물을 거꾸로 배치한 초기 작품 가운데 하나로, 이후 그의 예술을 대표하게 된 ‘도상 전복’의 출발점을 보여준다. 인물을 뒤집는 방식은 단순한 형식적 실험에 그치지 않았다. 바젤리츠는 익숙한 회화의 질서를 뒤집음으로써 독일의 최근 역사와 그 기억을 비판적으로 바라보고자 했다.

이번 전시의 작품들은 바젤리츠가 자신의 핵심 매체인 유화를 얼마나 집요하게 탐구해왔는지를 보여준다. 그는 회화의 전통적인 규칙을 끊임없이 뒤집으며 색채를 실험했고, 인체 형상을 해체했으며, 붓 대신 손으로 직접 물감을 바르기도 했다. 그의 작업에서 중요한 것은 언제나 기존의 통념에 대한 질문이었다. 개인적 경험과 사회적으로 억압되거나 쉽게 드러나지 않았던 주제들을 화면 위로 끌어올리며 회화가 무엇을 표현할 수 있는지를 끊임없이 시험했다. 약 70년에 걸친 예술 활동을 통해 바젤리츠의 작품이 지닌 도발적이고 강렬한 힘을 살펴 볼 수 있다.

디자인 분야에서는 1925년 설립된 디 노이에 잠룽의 방대한 컬렉션이 눈길을 끈다. 의자와 조명 같은 생활용품에서 자동차, 컴퓨터에 이르기까지 산업과 일상에서 탄생한 다양한 사물을 수집하며 디자인이 현대인의 삶을 어떻게 변화시켜 왔는지를 보여준다. 1925년 설립된 독일 최초의 국립 디자인 박물관으로, 근대 디자인부터 동시대 디자인에 이르기까지 폭넓은 컬렉션을 갖추고 있다. 이곳에서 디자인은 특정한 분야에 한정되지 않는다. 가구와 조명, 주방용품과 생활용품을 비롯해 자동차와 오토바이, 전자제품, 그래픽과 산업디자인까지 인간의 일상과 산업을 구성해온 다양한 사물이 하나의 컬렉션 안에 들어온다.

전시장을 걷다 보면 의자 하나, 주방용품 하나, 자동차 한 대가 단순한 생활용품이나 산업제품으로 보이지 않는다. 각각의 물건에는 당대의 기술과 생산 방식, 재료에 대한 이해는 물론 사람들이 생활하고 취향을 형성해온 방식까지 담겨 있기 때문이다. 디 노이에 잠룽의 매력은 이처럼 일상의 사물을 미술관의 작품처럼 바라보게 한다는 데 있다. 자동차와 오토바이 같은 대형 오브제부터 의자와 조명, 주방용품 같은 작은 생활용품까지 한 공간에서 살펴보다 보면 형태와 재료, 기능이 시대에 따라 어떻게 달라졌는지를 자연스럽게 읽을 수 있다. 결국 디자인은 특별한 물건만을 다루는 분야가 아니라 우리가 매일 사용하고 지나치는 사물 속에 시대의 기술과 생활 방식, 미적 감각이 축적된 기록임을 보여준다.

이곳에서는 디자이너 듀오 클라렌베이크 & 드로스(Klarenbeek & Dros)의 작업을 집중적으로 조명하는 개인전 《Design of the Unusual》이 열리고 있다. 소재의 가능성을 끊임없이 탐구해온 이들은 세계 최초로 살아 있는 소재인 균사체(mycelium), 즉 버섯의 실처럼 뻗어 있는 뿌리 구조를 3D 프린팅하는 데 성공한 것으로 알려져 있다. 최근에는 균사체에 조류(algae), 해조류(seaweed), 이끼 등의 특성을 결합하며 생물과 디자인의 새로운 접점을 모색하고 있다. 이번 전시는 이들의 실험적인 작업을 한자리에 소개하고 미래의 디자인이 자연에서 어떤 새로운 소재와 형태를 발견할 수 있는지 보여준다.

2004년부터 활동해온 클라렌베이크 & 드로스는 환경과 생물다양성을 고려한 새로운 소재를 연구해온 디자이너 듀오다. 기후에 미치는 영향을 줄이고 생분해가 가능한 소재를 개발하는 한편, 지역의 전문가와 제조업체와 협력해 이를 실제 생활에 적용하는 작업을 이어왔다. 이번 전시는 이러한 연구의 과정을 따라가며 균사체로 만든 가구, 규조류를 활용한 유리, 바이오플라스틱 용기 등 주요 작업을 소개한다. 자연에서 진행한 현장 실험과 실험실에서 이루어진 소재 연구를 함께 보여주며, 이들이 새로운 소재를 개발하고 일상적인 디자인으로 발전시키는 과정을 살펴볼 수 있다.

전시장 곳곳에서는 소재의 특성을 직접 경험할 수 있는 장치도 만날 수 있다. 조류에서 얻은 색소는 벽면의 페인트와 커튼 염색에 활용됐으며, 사카리나(Saccharina) 해조류를 전통적인 방식으로 건조하는 모습도 전시장에 구현했다. 소금과 해조류로 만든 크림과 포장, 3D 프린팅한 바이오플라스틱 좌석 역시 자연의 소재가 일상적인 물건으로 어떻게 전환될 수 있는지를 보여준다. 이들에게 디자인은 인간의 편의를 위한 새로운 제품을 만드는 데서 그치지 않는다. 자연의 순환과 공존할 수 있는 소재와 생산 방식을 찾고, 이를 바탕으로 화석연료 이후의 생활환경을 상상하는 것이 이들의 작업이 지향하는 방향이다.

한편 국립 그래픽 컬렉션에서는 미국 작가 다나 슈츠(Dana Schutz, 1976년생)의 드로잉을 집중적으로 조명하는 전시 《Trouble and Appearance》가 열리고 있다. 뉴욕을 기반으로 활동하는 슈츠는 지난 20여 년간 동시대 구상회화를 대표하는 작가 가운데 한 명으로 국제적인 명성을 쌓아왔다. 강렬하고 기묘한 이미지로 가득한 그의 작품은 현실과 상상의 경계를 넘나들며 수수께끼와 알레고리가 뒤섞인 독특한 세계를 펼쳐 보인다. 이번 전시는 그의 회화적 언어를 드로잉을 통해 살펴보고 인물과 신체, 공간을 자유롭게 변형하는 작가의 조형적 상상력을 보여준다.

특유의 유희적이고 경쾌한 분위기를 지닌 슈츠의 회화적 서사는 우리의 존재를 거울처럼 비춰낸다. 물감이 만들어내는 격렬하고 도취적인 소용돌이 속에서 크고 작은 실수와 사고, 심지어 비극까지 현대의 신화와 같은 모습으로 등장하며 우리에게 답을 요구하는 질문을 던진다. 슈츠는 회화와 함께 판화 연작을 통해 자신의 회화적 서사를 꾸준히 되돌아보았다.

다양한 판화 기법을 능숙하고 혁신적으로 활용하면서 하나의 이미지를 여러 매체로 변주하고, 그 결과를 다시 성찰하며 새로운 구성을 찾아왔다. 최근 제작한 대형 모노타이프 작품에서는 인간의 상태와 사람 사이의 관계를 탐구한다. 때로는 회화적 제스처가 극단적으로 확장되면서 서사가 해체되고 물감 자체가 펼쳐내는 추상적이고 화려한 장면으로 변모하기도 한다.

이번 뮌헨 첫 개인전에서는 슈츠의 작업 가운데 특히 드로잉에 초점을 맞춘다. 작가가 스케치와 습작, 준비 드로잉을 이처럼 밀도 있게 한자리에 선보이는 것은 이번이 처음이다. 최근 제작한 종이 작업에서 슈츠는 자신의 표현을 한층 더 확장하며 관람객에게 자신의 중요한 드로잉을 가까이에서 들여다볼 수 있는 기회를 제공한다. 종이에 목탄으로 그린 대형 드로잉은 미국 아방가르드 미술, 특히 관람객을 화면 안으로 끌어들이는 뉴욕 스쿨의 추상표현주의 작가들이 제작한 벽화를 연상시킨다. 이번 뮌헨 전시에서는 슈츠의 대형 벽화 형식 드로잉이 처음으로 공개된다.

전시는 21세기 미술에서 드로잉이 조형예술을 이끄는 동력으로서 어떤 위치를 차지하는지 다시 살펴보는 동시에, 인간의 지성과 창조적 능력을 드러내는 실존적 표현 방식으로서 드로잉의 역할을 질문한다. 슈츠의 탁월한 드로잉은 회화와의 상호작용 속에서 드로잉이라는 예술 형식이 지닌 혁신적 힘이 오늘날에도 여전히 생생하게 살아 있음을 보여준다.

피나코테크 데어 모데르네에서 가장 의외의 질문을 던지는 전시는 TUM 건축박물관이 기획한 《CONVIVIUM-한계에 다다른 식량 시스템》이다. 미술이나 건축물을 직접 보여주는 대신, 우리가 매일 먹는 음식이 만들어지고 이동하는 공간과 시스템을 들여다본다. 전시는 농장과 어장, 온실과 축산시설, 물류와 산업 가공시설 등 식량 생산을 둘러싼 공간적·기술적 구조를 통해 오늘날의 식량 시스템이 어떻게 작동하는지를 살펴본다.

오늘날의 식량 공급은 농업과 어업부터 유통·운송·가공에 이르기까지 전 세계적으로 연결된 복잡한 시스템에 의존한다. 하지만 대량 생산과 과잉 소비가 이어지는 가운데 기후변화와 자원 고갈, 토양 황폐화 등이 겹치면서 기존의 식량 생산 시스템은 점점 한계에 다다르고 있다. 특히 식량 생산 과정에서 발생하는 온실가스 배출은 다시 기후변화를 심화시키며 악순환을 만든다. 유럽의 사례를 중심으로 농경지와 어장, 생산시설과 유통망 등 식량 시스템을 떠받치는 공간과 인프라를 조명하고 이를 둘러싼 세계적인 연결 관계까지 함께 보여준다. 이를 통해 오늘날의 식량 체계가 직면한 문제와 앞으로의 가능성을 생각해보게 한다.

이처럼 피나코테크 데어 모데르네가 보여주는 것은 특정 장르로서의 현대미술에만 머물지 않는다. 하나의 시대가 회화와 건축, 디자인과 그래픽이라는 서로 다른 창작의 언어를 통해 어떻게 기록되고 형성되었는가를 보여주고 있다. 작품을 감상하는 동시에 그것이 놓인 건축과 주변의 디자인까지 함께 바라보게 한다는 점에서 이곳의 건물 자체가 하나의 전시이자 현대를 이해하는 또 다른 방법이 된다.

]]> 한지수 Fri, 30 Oct 2026 11:45:57 +0900 알테 피나코테크: 그림은 어떻게 이야기를 전하는가-알트도르퍼에서 루벤스까지 https://art-culture.co.kr/Deutsche_Kunst/5 2025년 6월 5일 - 2026년 9월 13일

Alte Pinakothek: Wie Bilder erzählen-Storytelling von Albrecht Altdorfer bis Peter Paul Rubens

뮌헨의 쿤스트아레알(Kunstareal)에는 서로 다른 시대의 미술을 대표하는 세 개의 피나코테크가 자리한다. 14세기부터 18세기까지의 유럽 미술을 다루는 알테 피나코테크(Alte Pinakothek), 19세기 미술을 중심으로 한 노이에 피나코테크(Neue Pinakothek), 20세기 이후의 현대미술을 선보이는 피나코테크 데어 모데르네(Pinakothek der Moderne)다. 그중에서도 알테 피나코테크는 유럽 회화사의 주요 흐름을 보여주는 방대한 컬렉션으로 잘 알려져 있다. 독일을 비롯해 이탈리아, 네덜란드, 플랑드르 등 유럽 각지의 회화를 아우르며 여러 시대와 지역을 대표하는 걸작들을 한자리에서 만날 수 있다.

현재 전시 중인 700여 점의 회화에는 뒤러와 루벤스의 주요 작품을 비롯해 라파엘로, 티치아노, 안토니 반 다이크, 렘브란트와 프란스 할스, 푸생과 무리요 등 유럽 미술사를 대표하는 거장들의 주요 작품이 다수 포함되어 있다. 1836년 개관한 이 미술관의 풍부한 소장품과 뛰어난 명작들은 비텔스바흐(Wittelsbach) 가문의 통치자들이 구축한 미술 컬렉션에서 비롯되었다.

바이에른 공작과 선제후들이 수집한 회화 컬렉션은 16세기에 형성되기 시작했으며, 이후 수세기에 걸쳐 크게 확장되었다. 1800년을 전후해 뒤셀도르프, 만하임, 츠바이브뤼켄의 궁정 소장품이 뮌헨으로 이전되면서 종합적인 컬렉션이 형성되었다. 이 컬렉션은 19세기 초 세속화 과정과 바이에른의 루트비히 1세가 추진한 중요한 작품 매입을 통해 규모와 중요성을 더욱 키워갔다.

현재 알테 피나코테크에서는 회화가 이야기를 전달하는 다양한 방식을 살펴보는 전시가 열리고 있다. 16세기와 17세기 초 독일·네덜란드·플랑드르 회화를 중심으로, 예술가들이 장면과 인물, 빛과 공간을 활용해 이야기를 어떻게 구성하고 관람객에게 전달했는지를 보여준다. 익숙한 작품에서도 쉽게 지나쳤던 세부와 새로운 의미를 발견하며 그림 속 이야기가 첫눈에 보이는 것만으로 완성되는 것은 아니라는 점을 흥미롭게 짚어본다.

그림의 이야기는 화면에 그려진 사건만으로 완성되지 않는다. 인물의 표정과 몸짓, 빛과 공간, 화면 속 작은 모티프 하나까지도 장면의 분위기와 서사를 만들어내는 요소가 된다. 작가는 이러한 시각적 장치를 세심하게 배치해 관람객의 시선을 이끌고, 때로는 한눈에 드러나지 않는 이야기까지 작품 안에 담아낸다. 전시는 이러한 회화의 다양한 표현 방식을 따라가며, 그림을 천천히 들여다보는 과정에서 새롭게 발견할 수 있는 이야기들을 보여준다.

서사를 전달하는 방식은 보다 복잡하고 간접적이기도 하다. 화면의 중심에 사건을 직접 보여주는 대신 주변의 인물과 일상적인 장면, 빛과 시선의 흐름을 활용해 관람객이 스스로 이야기의 핵심을 찾아가도록 만드는 것이다. 예를 들어, 밤을 배경으로 한 장면에서는 어둠 속 서로 다른 광원이 특정 인물과 사건을 드러내며 관람객의 시선을 자연스럽게 움직인다. 얀 브뤼헐 1세(Jan Brueghel the Elder)의 야간 풍경은 이러한 표현을 잘 보여주는 사례로 당시 화가들에게 밤의 장면과 빛을 표현하는 능력이 뛰어난 회화적 기량을 보여주는 중요한 수단이었음을 알 수 있다. 이처럼 작품 속에 단서를 흩어놓고 관람객의 시선을 유도하는 방식은 그림을 단순히 바라보는 것을 넘어, 화면 속 이야기를 직접 읽어내도록 만든다.

15세기 전반에는 눈앞의 세계를 더욱 사실적으로 재현하려는 새로운 회화적 시도가 등장하면서 이야기를 표현하는 방식도 크게 달라졌다. 빛과 그림자, 재료의 질감, 인물의 표정과 몸짓, 풍경과 건축의 공간감까지 화면을 구성하는 다양한 요소가 서사에 적극적으로 활용되기 시작한 것이다. 이러한 변화는 네덜란드에서 시작해 유럽 전역으로 확산되었으며, 뮌헨과 주변 지역에서도 이를 받아들인 화가들의 작품을 확인할 수 있다. 세밀한 표현과 풍부한 시각적 단서를 통해 관람객이 화면 속 이야기를 직접 찾아가도록 만들어 작품과 관람객 사이의 경계를 허무는 방식이었다.

1550년경 네덜란드에서는 기존의 작은 캐비닛 회화(방이나 서재에 두고 감상하던 크기가 작고 정교한 그림)와 대형 제단화와는 다른 새로운 형식의 회화가 등장했다. 거의 실물 크기의 인물을 화면 가까이에 배치하는 반신상 형식으로, 인물의 존재감을 강조하고 관람객과 작품 사이의 물리적·심리적 거리를 좁힌 것이 특징이다. 르네상스 시대의 인체 연구와 사실적인 표현이 더해지면서 인물의 감정과 신체가 한층 직접적으로 전달되었고 관람객을 화면 속 사건에 끌어들이는 효과도 만들어냈다.

한편 당시의 화가들은 일상적인 직업과 사회의 모습을 소재로 삼아 인간의 행동과 사회적 모습을 풍자하기도 했다. 변호사나 세금 징수원처럼 특정 직업군을 과장되게 묘사해 그들의 탐욕이나 부정직함을 암시하는 방식이었다. 이러한 작품들은 단순한 풍속 묘사를 넘어 당시 사회에 대한 비판과 도덕적 메시지를 담아냈다는 점에서 의미가 있다.

16세기 바이에른 궁정의 대규모 역사화 연작은 풍부한 세부 묘사와 구체적인 형상 표현을 바탕으로 고대의 역사와 영웅들의 이야기를 생생하게 재현하고 있다. 이러한 서사적 화풍은 작품에 시각적인 매력을 더하는 동시에, 당시 바이에른 공작 부부가 통치자로서 갖추어야 할 덕목과 인문주의적 교양을 드러내는 역할을 했다. 알렉산더 대왕과 율리우스 카이사르를 비롯한 고대의 영웅들이 등장하며, 전쟁과 정복의 장면을 통해 전략적 능력과 용기, 지도자로서의 역량을 강조한다. 높은 지점에서 내려다본 광활한 도시와 풍경은 인물들의 업적을 더욱 극적으로 보여준다.

에스테르, 헬레나, 클로엘리아, 수산나, 루크레티아, 베르지니아 등 역사와 성서에 등장하는 여성 인물들의 이야기도 다룬다. 이들은 위기 속에서도 용기와 신념을 지키거나 자신의 명예와 가족, 공동체를 위해 행동한 인물들로 묘사되며 당시 사회가 이상적인 여성의 덕목으로 여겼던 용기와 정절, 희생을 보여준다. 이처럼 연작은 남성과 여성 영웅의 서로 다른 이야기를 통해 용기와 정의, 희생과 명예라는 보편적인 덕목을 다루면서도, 당대의 통치자에게 요구되었던 이상적인 가치와 인문주의적 세계관을 함께 보여준다. 물론 여성 인물들의 일부 이야기는 오늘날의 관점에서는 낯설거나 불편하게 느껴질 수 있지만, 오히려 이를 통해 당시 사회가 여성의 덕성과 명예를 어떻게 규정했는지를 살펴볼 수 있다.

성모 마리아는 초월적인 존재인 ‘하늘의 여왕’으로 나타나는가 하면, 아들을 품에 안은 어머니로, 또는 훗날 그리스도의 수난을 마주하게 될 어머니로 표현되기도 한다. 아기 예수 역시 순수한 어린아이의 모습과 신성한 존재로서의 위엄을 오가며 표현된다. 이러한 작품들은 제한된 인물과 엄격한 종교적 도상 속에서도 화가들이 각자의 방식으로 감정과 신성을 시각화했음을 보여준다. 그 중심에 자리한 한스 발둥의 작품은 이러한 다양성을 한 화면 안에 압축해 보여주는 사례다. 성모의 신성함과 어머니로서의 친밀함을 동시에 담아내면서, 섬세한 빛과 색채, 정교한 세부 묘사를 통해 높은 회화적 완성도를 보여준다.

15세기 후반 독일 회화에서는 강렬한 빛과 원근법, 역동적인 인체 표현을 활용해 종교적 이야기를 보다 극적이고 생생하게 전달하는 경향이 나타난다. 특히 제단화는 여러 패널과 장면을 연결해 성서의 이야기를 시각적으로 펼쳐 보이는 종합적인 매체로, 연속된 지평선과 색채, 공간 구성 등을 통해 복잡한 서사를 하나의 이야기로 묶어냈다. 이러한 작품들은 제단화가 단순한 종교 회화를 넘어 예배 공간과 신앙의 서사를 함께 구성하며 르네상스적 원근법과 공간 표현을 통해 성서의 이야기를 구체적으로 전달했던 형식임을 보여준다.

한편, 현재 노이에 피나코테크의 주요 작품들은 알테 피나코테크에서 관람객을 만나고 있다. 노이에 피나코테크는 2019년부터 대대적인 보수공사에 들어가 현재 휴관 중이며, 재개관은 2029년으로 예정되어 있다. 이에 따라 주요 19세기 작품을 알테 피나코테크와 인근의 샤크 컬렉션(Sammlung Schack)으로 옮겨 선보이고 있다. 알테 피나코테크에서는 《터너에서 반 고흐까지》전시를 통해 19세기 컬렉션을 새롭게 살펴볼 수 있다.

이 전시는 카스파르 다비트 프리드리히의 낭만주의 회화부터 프랑스 인상주의, 에두아르 마네와 클로드 모네, 폴 세잔과 빈센트 반 고흐에 이르는 작품을 통해 19세기 미술의 변화와 다양한 흐름을 보여준다. 여기에 기존 전시에서는 충분히 소개되지 않았던 페르디난트 게오르크 발트뮐러와 아돌프 멘첼의 작품도 새롭게 더해졌다. 상징주의와 세기말의 사적인 실내 풍경을 다룬 작품들을 한 공간에 모은 전시실도 마련되어 있어, 19세기 미술을 하나의 직선적인 발전 과정이 아니라 다양한 시선과 표현이 공존했던 시기로 바라보게 한다.

노이에 피나코테크의 성격은 미술관이 만들어진 배경에서부터 드러난다. 바이에른의 국왕 루트비히 1세(Ludwig I)는 예술에 깊은 관심을 갖고 당대의 작품을 적극적으로 수집했으며, 뮌헨을 예술과 문화의 중심지로 만들고자 했다. 이미 옛 거장들의 작품을 소장하고 있던 알테 피나코테크와 더불어 자신이 살고 있는 시대의 새로운 미술을 보여줄 공간이 필요했고, 그 결과 1853년 노이에 피나코테크가 문을 열었다. 당시 노이에 피나코테크는 동시대 미술에만 전념한 유럽 최초의 공공 미술관으로, 과거의 명작을 감상하는 데 그치지 않고 당대 예술가들의 작품을 수집하고 소개한다는 새로운 미술관의 역할을 보여주었다.

이처럼 현재 알테 피나코테크에서는 중세와 르네상스의 역사화부터 바로크 회화, 19세기 미술에 이르기까지 유럽 회화의 흐름을 한자리에서 살펴볼 수 있다는 점이 인상적이었다. 시대에 따라 달라지는 화풍과 표현의 변화를 자연스럽게 따라가다 보니, 개인적으로는 프랑스의 루브르 박물관과 오르세 미술관에서 만나게 되는 주요 회화들을 한곳에서 압축해 감상하는 듯한 느낌도 들었다. 방대한 컬렉션을 통해 유럽 회화의 긴 흐름을 한눈에 살펴보고 싶은 사람이라면 충분히 시간을 들여볼 만한 미술관이다.

]]> 한지수 Fri, 30 Oct 2026 11:43:49 +0900 도이치 쿤스트 (Deutsche Kunst) ! 독일에서 만난 예술의 풍경 https://art-culture.co.kr/Deutsche_Kunst/4 프랑스 파리에서 시작한 예술의 기록이 이제 독일 뮌헨으로 향한다.

프랑스에서 공부하고 생활하며 2019년부터 이어온 〈봉주르 파리〉에서는 프랑스의 미술관과 전시, 작가와 사람들을 만나며 도시 곳곳에 스며든 예술의 순간을 담아왔다. 이제 파리를 너머 독일의 미술관과 전시, 작가들을 직접 만나며 그곳의 예술과 문화를 기록해보려 한다.

뮌휀 신시청사 ⓒ Photo: Han Jisoo

〈도이치 쿤스트 (Deutsche Kunst)〉에서는 뮌헨을 중심으로 독일 곳곳의 미술관과 전시, 작가와 문화예술의 현장을 찾아간다. 대형 미술관의 이름난 전시 뿐 아니라 오래된 건축물과 작은 전시 공간, 그곳에서 만난 사람들의 이야기까지 찬찬히 들여다볼 예정이다. 때로는 작품을 이야기하고, 때로는 작품이 놓인 공간과 도시의 풍경을 바라보며 독일의 새로운 문화적 지형을 독자들과 함께 탐구하고자 한다.

프랑스에서 바라본 독일이 아니라, 직접 그곳을 걷고 머물며 발견한 독일의 예술을 담아내는 것. 익숙한 유럽의 풍경을 조금 다른 눈으로 바라보며 프랑스와 독일 사이에 놓인 문화의 결도 함께 살펴보고 싶다.

파리에서 건너온 시선으로 독일에서 마주할 새로운 예술의 장면들. 이제 그 이야기를 시작한다.

]]> 한지수 Fri, 30 Oct 2026 11:42:14 +0900 베를린, 세계 문화의 집: 감정, 징후, 열정. 고다르의 영화 이미지 북에 대해 https://art-culture.co.kr/Deutsche_Kunst/3 Haus der Kulturen der Welt und der Berlinale: Sentiments, Signes, Passions - Zu Godards Film "Le livre d'image“

파리에서 시작한 〈봉주르 파리〉의 기록 가운데에는 프랑스 밖에서 마주한 예술의 장면도 있다. 그중 독일에서 만난 전시와 이야기를 새로운 독일 문화예술 코너 〈도이치 쿤스트 (Deutsche Kunst)〉로 옮겨 담는다.

2026.09

프랑스 영화감독 장 뤽 고다르의 영화 〈이미지 북(Le livre d'image)〉을 둘러싼 특별전은 세계문화의 집(Haus der Kulturen der Welt)과 베를린국제영화제가 2월 10일부터 선보인 전시로, 영화제와 함께 베를린의 동시대 영화와 예술을 살펴볼 수 있다는 점에서 더욱 흥미로운 자리였다.

‘살아 있는 전설’이라 불리는 고다르의 작품 세계를 시각적으로 풀어낸 전시는 영화와 이미지, 역사와 정치가 복잡하게 교차하는 만큼 한 번에 이해하기는 쉽지 않았다. 하지만 함께 전시를 관람한 영화 전공자에게는 오히려 고다르의 사유와 작업 방식을 입체적으로 경험할 수 있는 흥미로운 전시였다고 한다. 같은 작품을 마주하고도 서로 다른 지점에서 감상을 시작할 수 있다는 것 역시 고다르의 작업이 던지는 질문 중 하나처럼 느껴졌다.

베를린 영화제 상징물, 황금곰상 ⓒ haus der kulturen der welt, Photo: Han Jisoo

세계 문화의 집은 현대 미술과 비판적 토론을 위한 포럼을 열고 예술적 입장, 과학적 개념 및 정치적 행동 분야를 탐색하는 공간이다. 담론, 전시회, 콘서트 및 공연, 연구, 교육 제안 및 출판물을 결합하여 유럽 고유의 프로그램을 개발하고 진행한다. 전 세계의 예술가, 과학자, 일상적인 전문가 및 파트너와 함께 새로운 아이디어를 탐구하고 베를린을 넘어 디지털 대중과도 공유하고자 하는 곳이다. 취지도 물론 훌륭하지만 건축물 자체가 정말 근사한데 바로 뒤편에는 슈프레강이 흐르고 건너편에는 티어가르텐 공원이 있어 자연 풍경도 어울어진 문화 생활을 즐길 수 있다.

전시는 고다르의 2018년 영화 〈이미지 북〉을 그대로 상영하는 대신, 영화의 장면과 소리를 전시장 곳곳에 흩어놓았다. 영화 속에는 버섯구름과 전쟁, 추방과 처형의 장면부터 영화사의 전설적인 이미지, 튀니스의 풍경까지 서로 다른 시대와 장소에서 가져온 이미지들이 등장한다. 고다르는 이 이미지들을 다섯 개의 장과 에필로그로 나누어 하나의 연상적 콜라주처럼 엮었다. 영화는 이미지를 어떻게 만들어내고 소비하는지, 예술과 종교, 전쟁과 역사, 그리고 우리가 현실을 바라보는 방식에 대해 질문한다.

전시장에서는 이 영화의 구조를 다시 해체했다. 촬영감독이자 프로듀서로 〈이미지 북〉 제작에 참여한 파브리스 아라그노(Fabrice Aragno)가 고다르와 협력해 전시를 구성했고, 영화의 다섯 장을 바탕으로 장면들을 더욱 잘게 나누어 공간 곳곳에 펼쳐놓았다. 약 40개의 서로 다른 스크린에는 영화의 이미지가 여러 조각으로 나뉘어 나타나고, 약 20개의 스피커에서는 영화의 소리가 흘러나온다.

그래서 영화를 처음부터 끝까지 한 방향으로 따라갈 필요가 없다. 관객은 전시장 안을 자유롭게 걸으며 어느 화면 앞에 멈출지, 어떤 이미지를 먼저 볼지 스스로 선택할 수 있다. 영화관에서 정해진 시간의 흐름을 따라 영화를 보는 것과는 전혀 다른 방식이다. 아라그노는 이를 통해 고다르가 편집실에서 만들어낸 영화의 세계를 하나의 거대한 공간으로 확장했다. 그래서 이 전시는 고다르의 영화를 보는 전시라기보다, 영화가 만들어지는 편집의 과정을 공간 속에서 직접 거니는 경험에 가까웠다. 여러 시대의 이미지와 소리가 충돌하고 이어지는 가운데 관객은 자신만의 순서로 영화를 다시 조립하게 된다.

장 뤽 고다르(Jean-Luc Godard, 1930–2022)는 파리에서 태어난 프랑스계 스위스 영화감독으로, 1950년대 영화평론가로 활동하며 영화계에 들어섰다. 에릭 로메르(Éric Rohmer), 프랑수아 트뤼포(François Truffaut), 클로드 샤브롤(Claude Chabrol), 자크 리베트(Jacques Rivette) 등과 함께 당시 프랑스 영화의 새로운 흐름을 이끌었던 인물이다.

1959년 장편영화 〈네 멋대로 해라(À bout de souffle)〉를 발표하며 감독으로 본격적으로 이름을 알렸다. 기존 영화의 문법을 과감하게 벗어난 이 작품은 큰 반향을 일으키며 프랑스 누벨바그를 대표하는 작품 가운데 하나가 되었다. 이후 알제리 전쟁을 소재로 한 〈작은 병정(Le Petit Soldat)〉(1960), 매춘 여성에 관한 영화 〈자기만의 인생(Vivre sa vie)〉(1962), 전쟁을 다룬 〈기관총 부대(Les Carabiniers)〉(1963), 영화와 사랑, 욕망을 다룬 〈경멸(Le Mépris)〉(1963) 등을 연이어 발표하며 자신만의 영화 언어를 발전시켰다.

고다르의 영화는 이야기만을 전달하는 데 머물지 않았다. 이미지와 소리, 대사와 음악을 자유롭게 충돌시키고, 기존의 편집과 서사 방식을 끊임없이 흔들면서 영화가 무엇을 보여주고 어떻게 현실을 바라보게 하는지를 질문했다. 이러한 실험적인 작업을 통해 그는 프랑스 영화계를 넘어 현대 영화의 형식을 바꾼 감독으로 자리 잡았다.

그의 작품은 국제 영화제에서도 꾸준히 주목받았다. 1965년 〈알파빌(Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution)〉로 베를린국제영화제 황금곰상을 받았으며, 〈네 멋대로 해라〉로 1960년 베를린국제영화제 감독상을, 〈여자는 여자다(Une femme est une femme)〉로 1961년 특별 은곰상을 수상했다. 이후에도 여러 영화제에서 작품성을 인정받았으며, 2018년에는 〈이미지 북(Le Livre d’image)〉으로 칸영화제 특별 황금종려상을 받았다.

〈이미지 북〉은 고다르가 평생 탐구해온 영화의 가능성을 집약한 작품이다. 영화와 사진, 회화, 뉴스 영상 등 서로 다른 이미지와 소리를 잘라내고 겹쳐 놓으며, 하나의 선형적인 이야기를 따라가기보다 이미지 사이의 충돌과 연상을 통해 세계를 바라보게 한다. 칸영화제는 이 작품을 두고 고다르가 편집을 하나의 독립적인 예술 형식으로 끌어올렸다고 평가했다. 오랜 세월 영화의 문법을 끊임없이 의심하고 다시 만들어온 고다르에게 〈이미지 북〉은 그의 영화적 실험이 새로운 방식으로 이어진 작품이라고 할 수 있다.

제72회 베를린국제영화제에서는 파노라마 부문에 초청된 〈A Love Song〉(감독: 맥스 워커-실버먼Max Walker-Silverman)을 비롯해 여러 단편영화를 관람했다. 영화제라는 특별한 무대가 아니었다면 쉽게 접하기 어려운 작품들을 한자리에서 만날 수 있다는 점이 인상적이었다. 특히 상영이 끝난 뒤 배우와 감독, 제작진이 직접 무대에 올라 관객과 작품에 대해 이야기를 나누는 과정은 일반적인 영화관에서는 경험하기 어려운 영화제만의 풍경이었다.

그중에서도 아나스타시야 베버(Anastasia Veber) 러시아 감독의 영화 〈Trap〉은 여러 단편영화 가운데 특히 오래 기억에 남은 작품이었다. 당시에는 한 명의 관객으로 영화를 감상했지만, 파리로 돌아온 뒤 이 작품이 단편영화 부문 황금곰상을 수상했다는 소식을 접했다. 현장에서 직접 작품을 마주했던 관객으로서 더욱 반갑고 뜻깊은 소식이었다.

이번 베를린국제영화제는 영화를 완성된 작품으로 감상하는 것을 넘어, 영화가 만들어지고 소개되며 관객과 만나는 과정까지 경험할 수 있었던 시간이었다. 베를린에서 시작한 이 경험을 계기로 앞으로 칸과 베니스 등 세계적인 영화제의 현장도 직접 찾아가며 영화와 관객이 만나는 순간들을 계속 기록해보고 싶다.

]]> 한지수 Fri, 30 Oct 2026 11:40:35 +0900 베를린 게오르그 콜베 미술관: 토마스 쉬테 https://art-culture.co.kr/Deutsche_Kunst/2 파리에서 시작한 〈봉주르 파리〉의 기록 가운데에는 프랑스 밖에서 마주한 예술의 장면도 있다. 그중 독일에서 만난 전시와 이야기를 새로운 독일 문화예술 코너 〈도이치 쿤스트 (Deutsche Kunst)〉로 옮겨 담는다.

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베를린 서쪽, 도심에서 조금 떨어진 곳에 자리한 게오르크 콜베 미술관(Georg Kolbe Museum)은 번잡한 도시의 풍경과는 사뭇 다른 고요한 분위기를 품고 있다. 미술관으로 향하는 길에는 숲과 주택가가 이어지고, 한적한 거리와 낮은 건물 사이로 유럽 특유의 평온한 풍경이 펼쳐진다. 길을 찾지 못해 잠시 헤매던 순간에는 지나가던 독일인에게 도움을 받았고, 미술관에서도 직원이 영어 자료와 특별전 관련 인쇄물을 직접 챙겨주었다. 낯선 도시에서 마주한 작은 친절들은 익숙하지 않은 공간을 조금씩 가까운 곳으로 바꾸어 놓는다.

게오르크 콜베 미술관의 중심에는 독일의 근대 조각가 게오르크 콜베(Georg Kolbe)의 작품과 유산이 자리한다. 1950년 콜베의 예술적 유산을 보존하고 후대에 전달하기 위해 설립된 이 미술관은 약 200점의 조각을 비롯해 그의 드로잉과 관련 자료를 소장하고 있다. 특히 청동 조각이 컬렉션의 중요한 부분을 차지하며, 에른스트 발라흐(Ernst Barlach), 루돌프 벨링(Rudolf Belling), 헤르만 블루멘탈(Hermann Blumenthal), 에르네스토 데 피오리(Ernesto de Fiori), 아우구스트 가울(August Gaul), 빌헬름 렘브루크(Wilhelm Lehmbruck), 게르하르트 마르크스(Gerhard Marcks), 르네 신테니스(Renée Sintenis) 등 20세기 전반 독일 조각을 대표하는 작가들의 작품도 함께 만날 수 있다.

이곳의 기획전은 콜베와 동시대 작가들의 작업을 시간적·역사적 맥락 속에서 새롭게 해석하는 동시에, 동시대 조각의 가능성과 한계를 탐구하는 데 초점을 둔다. 과거의 조각을 보존하는 장소인 동시에 현재의 조각을 질문하는 장소라는 점에서, 게오르크 콜베 미술관의 전시는 자연스럽게 과거와 현재 사이에 놓인다.

토마스 쉬테(Thomas Schütte)는 1954년 독일에서 태어난 쉬테는 조각을 중심으로 드로잉, 회화, 설치, 건축적 작업 등 다양한 매체를 넘나들며 인간과 사회, 공간에 대한 탐구를 이어온 작가다. 2005년 베니스비엔날레 독일관 대표 작가로 참여해 황금사자상을 수상하며 국제적인 명성을 얻었고, 2019년에는 파리 조폐국(Monnaie de Paris)에서도 대규모 전시를 선보인 바 있다.

이번 전시에는 2021년 제작된 작품을 포함해 약 30점의 조각과 다수의 종이 작업이 소개됐다. 유기적이고 구상적인 형상에서 공간을 구성하는 작업, 추상적인 형태에 이르기까지 쉬테의 작업은 하나의 양식으로 규정하기 어렵다. 미술관은 그의 작업을 문화적·역사적 역학과 담론, 그리고 재현의 방식이 지닌 복잡성을 드러내는 시도로 설명한다. 특히 인간의 신체와 얼굴은 쉬테의 작업에서 반복적으로 등장하는 중요한 모티프다. 그는 서로 다른 재료와 크기, 비례를 실험하고 끊임없이 형태를 조정하면서 익숙한 인간의 형상을 낯선 존재로 다시 만들어낸다.

전시장에 들어섰을 때 가장 먼저 시선을 붙잡은 것은 인간의 얼굴과 신체였다. 특히 고통이나 절망을 머금은 듯한 흉상들은 아름답다기보다 불편하고, 때로는 조금 무섭게 느껴졌다. 그런데 그 불편함은 작품 앞을 지나치게 만들기보다 오히려 오래 머물게 했다.

조각을 바라보며 특정한 감정이 이렇게 직접적으로 전달된다고 느낀 것은 오랜만이었다. 쉬테의 인물들은 감정을 과장하거나 극적인 동작을 취하지 않는다. 오히려 무표정에 가까운 얼굴과 뒤틀린 형태, 무거운 물질성이 감정의 흔적을 남긴다. 조각에서 중요한 것은 반드시 아름다운 형태를 만들어내는 일이 아니라, 형태를 통해 인간의 내면에 닿는 것일 수도 있겠다는 생각이 들었다.

특히 인상적인 것은 같은 작가가 전혀 다른 온도의 얼굴을 만들어낸다는 점이었다. 다른 전시장에서는 보다 평온하고 담담한 표정의 얼굴들을 만날 수 있었다. 격렬한 표정이나 극적인 몸짓 없이도 인물의 감정을 전달하는 방식은 오히려 더 섬세하게 다가왔다. 감정을 직접적으로 드러내지 않으면서도 관객으로 하여금 그 안에 어떤 이야기가 있을지 상상하게 만드는 것이다. 쉬테의 작업을 처음 직접 마주한 자리였지만, 바로 이 절제된 표현이 오래 기억에 남았다.

마침 유리창을 통과한 햇빛 한 줄기가 한 작품 위로 떨어지고 있었다. 차갑고 단단한 조각의 표면에 따뜻한 빛이 머물면서 작품의 분위기 역시 달라졌다. 작품 자체의 형태뿐 아니라 그것이 놓인 공간과 빛, 시간에 따라 조각이 전혀 다른 표정을 만들어낼 수 있다는 사실이 흥미로웠다.

게오르크 콜베 미술관에서 더욱 특별했던 것은 전시장 바깥이었다. 미술관에는 정원과 카페가 있고, 정원 곳곳에는 조각 작품이 자연스럽게 놓여 있다. 실내의 흰 벽 안에 고정된 조각과 달리, 정원 속 작품들은 햇빛과 나무, 계절의 변화 속에서 또 다른 생명력을 얻는다. 조각의 움직임이 주변의 풍경과 연결되면서 작품 자체의 동작도 한층 더 생생하게 느껴졌다.

게오르크 콜베는 1928년 베를린-베스텐트의 센스부르거 알레(Sensburger Allee)에 숲을 구입하고 자신의 주거와 작업실을 마련했다. 건축은 바젤 출신의 건축가 에른스트 렌치(Ernst Rentsch, 1876–1952)가 맡았다. 콜베는 작업실과 생활 공간을 자연과 직접 연결했고 정원에는 마돈나 백합, 야생 장미, 등나무 등 자신이 아내를 떠올릴 수 있는 식물들을 심었다고 한다.

이곳은 단순한 주거 공간이 아니라 조각가가 자신의 작업을 연구하고 발전시킬 수 있는 하나의 환경이었던 것이다. 작품이 자연 속에서 변화하는 모습을 관찰하고, 빛과 계절에 따라 달라지는 조각의 존재감을 경험할 수 있도록 구성된 일종의 조각 정원이기도 했다. 그 사실을 알고 다시 정원을 바라보니, 이곳의 조각들이 전시장 안의 독립된 오브제가 아니라 삶과 자연, 공간 속에서 존재하는 하나의 생명체처럼 느껴졌다. 조각을 둘러싼 환경까지 작품 경험의 일부가 될 수 있다는 것을 보여주는 공간이었다.

전시의 규모가 크거나 작품 수가 많았던 것은 아니다. 그러나 그 짧은 동선 안에서도 쉬테의 조각은 충분히 오래 머물게 했다. 특히 인간의 얼굴과 몸이라는 익숙한 대상을 통해 불안과 고통, 평온과 침묵 같은 감정을 끌어내는 방식은 전시장을 나온 뒤에도 여운이 남았다.

미술관을 나서기 전 작은 뮤지엄 숍에 들렀다. ‘숍’이라고 부르기에는 소박한 한 공간이었지만, 창밖으로 보이는 맞은편 주택가의 풍경이 아름다웠다. 영화 속 한 장면처럼 고요한 겨울 풍경이었다.

베를린에서의 짧은 방문을 돌아보며 좋은 전시는 많은 것을 보여주는 전시가 아니라, 돌아온 뒤에도 이전과는 조금 다른 눈으로 무언가를 바라보게 만드는 전시인지도 모른다는 생각을 했다. 토마스 쉬테의 조각을 보고 난 뒤 사람의 얼굴을 바라볼때면 아름다운 얼굴이 아니라, 그 안에 무엇이 남아 있는지를 생각해 보게 되었다. 그것이 이번 베를린 여행에서 예상하지 못했던 가장 소중한 수확이었다.

]]> 한지수 Fri, 30 Oct 2026 11:38:24 +0900 베를린 리포트: 바우하우스 https://art-culture.co.kr/Deutsche_Kunst/1 파리에서 시작한 〈봉주르 파리〉의 기록 가운데에는 프랑스 밖에서 마주한 예술의 장면도 있다. 그중 독일에서 만난 전시와 이야기를 새로운 독일 문화예술 코너 〈도이치 쿤스트 (Deutsche Kunst)〉로 옮겨 담는다.

2026.09

건축을 공부하는 사람들에게 독일 데사우의 바우하우스(Bauhaus)는 일종의 성지처럼 여겨진다. 2019년은 바우하우스가 탄생한 지 100주년이 되는 해이자 베를린 장벽 붕괴 30주년을 맞은 해였다. 한국에서 오신 부모님과 함께 베를린을 여행지로 정하고 데사우까지 기차를 타고 향했다. 베를린에서 건축을 공부하던 지인의 안내를 받아 찾은 바우하우스는 혼자였다면 놓쳤을 이야기들을 하나씩 들으며 둘러볼 수 있어 더욱 특별했다.

돌이켜보면 10년 전 독일 뮌헨을 방문했을 때도 부모님과 인연이 있던 건축가의 설명을 들으며 도시의 건축물을 둘러본 기억이 있다. 건축을 전공하지 않은 사람에게 전문가의 해설은 익숙한 건물을 전혀 다른 시선으로 바라보게 한다. 이번 데사우에서도 마찬가지였다.

1919년 발터 그로피우스(Walter Gropius)가 바이마르에서 설립한 바우하우스는 예술과 공예, 기술을 하나의 교육 체계 안에서 통합하고자 했다. 이후 바이마르에서 데사우로, 다시 베를린으로 옮겨갔으며 나치 정권의 압력 속에서 1933년 문을 닫기까지 짧은 역사 속에서 현대 건축과 디자인의 방향을 크게 바꾸었다. 그 영향은 건축에만 머물지 않았다. 가구와 그래픽, 타이포그래피, 금속공예, 직물 등 다양한 분야에서 새로운 조형 언어를 만들어냈고, 오늘날 우리가 ‘모던 디자인’이라고 부르는 것의 중요한 토대가 되었다.

바우하우스의 교육은 단순히 새로운 형태를 만드는 데 그치지 않았다. 재료의 특성을 이해하고 직접 다루는 공방 교육과 형태에 대한 이론적 탐구를 병행하면서 예술과 기술이 서로 분리된 영역이 아니라 하나의 창작 과정 안에서 작동할 수 있음을 보여주었다. 이러한 실험적인 교육 방식은 훗날 전 세계의 디자인 교육에도 큰 영향을 미쳤다.

그런데 막상 건물 안에 들어섰을 때 처음 든 생각은 의외로 소박했다. ‘이 건물이 왜 그렇게 유명할까?’ 오늘날 우리의 눈에는 유리창과 흰 벽, 기하학적인 구조와 단순한 형태가 오히려 익숙하다. 특별히 낯설거나 파격적으로 느껴지지도 않는다. 그러나 이 건물이 지어진 시점이 1920년대라는 사실을 떠올리면 풍경이 달라진다. 우리에게는 이미 익숙해진 건축적 요소들이 당시에는 새로운 시대를 상상하기 위한 실험이었다.

특히 1919년이라는 시점을 생각하면 그 간극이 더욱 선명해진다. 바우하우스가 출범한 바로 그해, 한국에서는 3·1운동이 일어났다. 서로 다른 역사적 조건 속에서 각자의 방식으로 새로운 시대를 맞이하고 있던 시기였다. 100년 전 누군가는 예술과 기술, 생활을 하나의 공간 안에서 새롭게 결합하려 했고, 그 시도가 오늘날 우리의 일상적인 공간 감각 가운데 상당 부분을 만들어냈다는 사실이 흥미로웠다.

바우하우스를 설명하는 수많은 이론과 역사에 대해서는 전문가들의 연구에 기대기로 하고, 나는 조금 천천히 건물을 둘러보기로 했다. 복도와 계단, 창과 난간, 교실과 작업 공간을 따라 걸으며 당시 이곳을 오갔던 사람들의 흔적을 상상했다.

바우하우스에서 눈길을 끄는 것은 건축물만이 아니다. 가구와 조명, 생활용품에 이르기까지 기능과 형태를 함께 고민한 디자인이 곳곳에 남아 있다. 특히 의자를 비롯한 가구들은 장식적인 요소를 최소화하면서도 실제 사용을 전제로 만들어졌다. 직접 앉아보니 단순한 형태와 달리 의외로 편안했다.아름다움을 위해 기능을 희생하거나, 기능을 위해 미감을 포기하는 것이 아니라 두 가지를 함께 고민하는 바우하우스의 디자인 철학을 가장 직관적으로 경험할 수 있는 지점이었다. 다만 개인적으로는 장식과 색채가 풍부한 디자인에 더 익숙해서인지, 이 절제된 미감이 내 취향과 완전히 맞는 것은 아니었다. 그럼에도 바우하우스가 남긴 영향력을 실감하기에는 충분했다.

교장과 교수들의 사진이 걸린 공간을 지나면서 바실리 칸딘스키(Wassily Kandinsky) 역시 이곳에서 학생들을 가르쳤다는 사실을 다시 확인했다. 예술가와 건축가, 디자이너와 공예가가 한 공간에서 서로의 영역을 넘나들며 작업했던 학교였던 것이다. 바우하우스가 단순히 하나의 건축 양식이나 학교 이름으로 남지 않은 이유도 여기에 있을 것같다.

무엇보다 인상적인 것은 바우하우스가 만들어낸 방대한 기록과 아카이브였다. 건물 하나가 유명해진 것이 아니라, 그곳에서 이루어진 교육과 실험, 사람들의 관계와 작업이 축적되면서 하나의 문화적 유산이 되었다. 오늘날 데사우라는 작은 도시가 바우하우스와 함께 기억되는 것도 결국 그 아카이브가 지닌 힘일 것이다.

흥미롭게도 바우하우스의 개념을 가장 직관적으로 이해하게 된 곳은 전시 공간이 아니라 마지막에 들른 기념품 숍이었다. 책과 포스터, 생활용품과 디자인 제품들이 기능성과 조형성을 함께 보여주고 있었다. 하나의 철학이 건축물에만 머물지 않고 일상적인 물건으로 확장될 수 있다는 것을 눈앞에서 확인할 수 있었다.

바우하우스 건물을 나와 조금 걸으니 교수들의 기숙사로 사용되었던 주택들이 나타났다. 이곳에서도 바우하우스의 실험은 이어졌다. 단순한 기하학적 형태와 넓은 창, 기능을 중심으로 구성된 공간은 맞은편의 전통적인 주택들과 뚜렷한 대비를 이루었다.

건물 안으로 들어서자 바우하우스 특유의 미감이 더욱 선명하게 느껴졌다. 세련되고 정제된 공간이었지만, 한편으로는 차갑다는 인상도 있었다. 노출된 콘크리트와 단순한 구조가 실내까지 이어지면서 아름답지만 생활의 온기와는 조금 거리가 있어 보였다. ‘멋진 공간이지만 내가 실제로 살고 싶은 집과는 다르다’는 생각이 들었다. 그중에서도 벽면에 다양한 색채가 사용된 한 공간은 상대적으로 따뜻하고 안락하게 느껴졌다. 같은 모더니즘 건축 안에서도 색과 재료의 선택만으로 공간의 온도가 이렇게 달라질 수 있다는 사실이 재미있었다.

지금 우리의 눈에는 익숙하다 못해 때로는 식상하게 느껴지는 형태들이 100년 전에는 얼마나 급진적인 실험이었을까. 그리고 지금 우리가 ‘새롭다’고 부르는 건축과 디자인 역시 시간이 지나면 언젠가는 일상의 풍경 속에 자연스럽게 녹아들 것이다. 오늘의 실험이 내일의 익숙함이 되는 과정은 건축과 디자인의 역사에서 반복되어 왔다. 새로운 시대의 삶을 어떻게 만들 것인가를 끊임없이 질문했던 바우하우스의 정신은 100년이 지난 오늘날에도 여전히 의미 있는 질문으로 남아 있었다.

]]> 한지수 Fri, 30 Oct 2026 11:34:27 +0900